Cinema Bohemio

2011-08-22T07:46:00.001-07:00

2011-08-10T19:34:00.000-07:00

2011-06-13T06:45:00.000-07:00

2011-06-07T05:15:00.001-07:00

2011-06-06T06:14:00.000-07:00

2011-05-30T07:26:00.000-07:00

2011-05-26T12:46:00.000-07:00

2011-05-19T11:13:00.001-07:00

2011-03-24T07:22:00.000-07:00

2011-03-03T11:32:00.000-08:00

2011-02-14T05:35:00.000-08:00

XIII Muestra de Cine SD

2011-02-11T05:29:00.000-08:00

2011-02-10T04:46:00.001-08:00

El cine dominicano: presente y futuro

2011-02-01T04:53:00.000-08:00

2011-01-19T19:58:00.000-08:00

2011-01-11T04:39:00.000-08:00

2011-01-06T04:50:00.001-08:00

2010-12-27T08:34:00.000-08:00

2010-12-15T06:47:00.000-08:00

2010-11-26T06:43:00.000-08:00

2010-11-22T11:00:00.000-08:00

2010-11-18T04:38:00.000-08:00

Fotos Maquillaje

2010-11-17T07:35:00.000-08:00

2010-11-17T05:22:00.001-08:00

2010-11-12T06:55:00.000-08:00

2010-11-10T05:45:00.000-08:00

2010-10-29T07:03:00.000-07:00

2010-10-26T06:52:00.000-07:00

2010-09-15T06:04:00.000-07:00

2010-09-15T05:37:00.000-07:00

2010-09-09T12:55:00.001-07:00

2010-09-09T12:51:00.001-07:00

2010-08-13T12:02:00.000-07:00

2010-08-05T08:52:00.000-07:00

2010-08-04T17:07:00.000-07:00

2010-07-29T05:47:00.001-07:00

2010-07-21T06:10:00.000-07:00

2010-07-08T06:39:00.001-07:00

2010-07-05T05:06:00.001-07:00

2010-06-30T08:46:00.000-07:00

2010-06-24T09:00:00.000-07:00

Hermafrodita

2010-06-24T08:38:00.000-07:00

2010-06-22T09:13:00.000-07:00

2010-05-28T05:09:00.000-07:00

Zombieland (2009)

2010-01-07T08:06:00.000-08:00

dirigida por Ruben Fleischer

"Ditto"

En la actualidad donde los vampiros no son más que un grupo de llorones ridículos y las películas de terror deben recurrir a un “gore” exagerado y mal utilizado para tratar de asustar el realizador Ruben Fleischer y los guionistas Rhet Reese y Paul Wernick encuentran en los Zombies, no una razón para asustar sino para reír.

Vamos a confesar definiendo lo que es una película simple y entretenida. Cuando una película debe ser bien detallada y es simple: no funciona; cuando es una que se jacta de ser lo máximo y su historia no son más que migajas de desastre (gracias Avatar) no funciona. Ahora, si la entrega no es pretenciosa, su historia es simple y es entretenida, entonces no hay fallo.

“Zombieland” es el tipo de película que te agarra de una vez, desde su monologo inicial, sus excelentes créditos hasta su primer acto. Inmediatamente están pasando estas cosas la audiencia sabe que se encuentra en un mundo paralelo y que la historia no es otra más que para entretener, sin embargo, “Zombieland” entretiene, pero lo hace de la mejor forma y entregando un producto de calidad.

La película es narrada por Columbus (Jesse Eisenberg) un nerd que se encuentra solitario en un mundo lleno de Zombies y que para sobrevivir ha creado un listado de reglas que cumple a cabalidad, reglas que aparecen ocasionalmente en pantalla para recordarnos lo que se debe o no se debe hacer en un mundo paralelo denominado “Los Estados Unidos de los Zombies”.

Columbus, que obtiene su nombre por que entiende que volviendo a su casa en Columbus, Ohio todo será mejor; se encuentra con Tallahassee (Woody Harrelson) un rebelde que parece ser la persona que más disfruta asesinar Zombies en todo el mundo y que tiene una obsesión con comerse un “Twinkie” porque para él le recuerda un momento en donde las cosas no estaban tan jodidas.

Y entonces llegan Wichita (Emma Stone) y su hermana pequeña Little Rock (Abigail Breslin) una chicas que solo tienen por regla no creer en nadie y llegar a un parque de diversiones en donde ellas también creen podrán estar tranquilas y lejos de la peste que ataca a los Estados Unidos y posiblemente al mundo.

En “Zombieland” es acertado que la única regla que Columbus agregue a su lista es la de “Disfrutar las pequeñas cosas” porque es precisamente los pequeños detalles que hacen de está película un encanto cinematográfico y es en el personaje de Tallahassee donde se encuentran las más ricas de las pequeñas cosas.

El personaje de Woody Harelson es el único que oculta algo y su obsesión por los Twinkies, su odio exagerado hacia los Zombies y un momento paternal que tiene junto a la joven de 12 años Little Rock es de la excelente narración y flujo con que cuenta está breve y muy buena historia.

"Marriage is a bitch!"

“Zombieland” es una de las tantas películas de género de calidad del año pasado y es una de las mejores “feel good movie” que he visto en un tiempo. Recomendada para pasar el rato y para verla una y otra vez, porque sus apenas 88 minutos de duración pasan como nada y controlan perfectamente un momento de aburrimiento.

500 Days of Summer (2009)

2009-12-28T10:59:00.000-08:00

dirigida por Marc Webb

"la pasión por definición no puede durar". Joaquin Sabina

Debe ser un poco difícil entender que en estos tiempos en donde las relaciones vienen y van con más frecuencia las entregas cinematográficas que albergan estos temas sean solo reflejos ridículos y superficiales de lo que para muchos, aunque sea en los confines de su soledad, es un pesar y un tema tan serio.

Desde “Annie Hall”, obra emblemática de Woody Allen por allá por 1977, no se había tratado el tema de una relación amorosa con tanto detalle y profundidad. No fue hasta 2004 cuando Michel Gondry dirigió un guión de Charlie Kauffman “Eternal Sunshine of the Spotless Mind” en donde se desarrollaba bastante el sentir de ambos involucrados en una relación.

“500 Days of Summer” toma mucho de está última entrega y es una historia con la que todo el mundo se puede identificar. Tom (Joseph Gordon Levitt) se enamora de Summer (Zooey Deschanel) pero Summer no se enamora de Tom, encima de esto Tom cree fielmente en el amor, Summer no tiene esa misma percepción. ¿A quién no le ha pasado esto?

A Tom le encantan “The Smiths” a tal manera de creer todo lo que dicen esas letras de amor tan melancólicas del rock británico, a Summer simplemente le gustan y ya; a esto le agregas que Tom confía en un final feliz para la película “The Graduate” y tienes el material perfecto para una persona que cree que nunca será feliz.

En donde “500…” toma mucho de “Eternal Sunshine…” y lo mejora es en la capacidad de contar como los pequeños detalles y las situaciones que te hacen volverte loco por una persona, al final se vuelven muchas de las razones por las cuales comienzas a odiar a una persona; claro que esto último ocurre mayormente por despecho.

A diferencia de las “cuchucientas” comedias románticas y cuentos de hadas en donde uno sabe lo que ocurre al final y su desarrollo no son más que ridículas situaciones para llegar a ese tan gastado desenlace en “500 Days of Summer” conocemos los pormenores de la relación completa de Tom y Summer en una narración no-cronológica que hace de la película encantadora y, a pesar de ser una película anti-romántica, la película más romántica del año.

En esta entrega, opera prima de Marc Webb, no hay desperdicios, la utilización de la música como metáfora de la personalidad de Tom, que es protagonizado de una forma excelente por Gordon Levitt, y la destacada belleza de Summer, una chica normal, que la hace irresistible son las pautas de esta grandiosa historia.

Otro aborde metafóricamente de la película con sus animaciones de los días pasando y su escena final es que la vida continúa, si aquel cliché de que hay que seguir avanzando o que todo comienza y se vuelve un ciclo, pero está también tratado que la audiencia se enamora inmediatamente de la situación. Desde un inicio, Tom nos dice lo que va a suceder con su amorío con Summer, ahora solo nos queda es aprender el porque y a la vez que la audiencia va aprendiendo lo que ha pasado mal, asi mismo Tom comprende cual han sido sus puntos altos y sus puntos altos.

"Please, please, please, let me get what i want... this time". The Smiths

Al igual que “Eternal Sunshine of the Spotless Mind”, “500 Days of Summer” se convierte, por encima de todas las comedias románticas populares (buenas o malas), como las películas “románticas” de la década. Una de las mejores entregas del año, en el top 10 de muchas instituciones reconocidas, se vislumbra para ser también una de las escogidas para aquellos listados que se preparan como las mejores de la década 2000-2009.

Public Enemies (2009)

2009-09-18T12:54:00.000-07:00

dirigida por Michael Mann

Desde que en 1995 Michael Mann nos trajera “Heat” protagonizada por dos pilares de la actuación (Al Pacino y Robert Deniro) ha sido un “modus operandi” por parte del director norteamericano utilizar a dos actores de mucha fuerza en el momento y ha probado ser un éxito. La aclamada y genial “Collateral” contó con Tom Cruise y Jamie Foxx; y la muy buena y entretenida “Miami Vice” con Colin Farrell y de nuevo Jamie Fox.

En el caso de “Public Enemies” los pilares actorales recaían en el carismático Johnny Depp y Christian Bale en una combinación que no le funcionó tanto como las anteriores.

En la última entrega, es todo sobre John Dillinger (Johnny Depp), tanto así que se siente que el personaje sale en cada uno de los planos de largometraje. Esto evita que la dualidad de actores altamente publicitada no funcione. “Melvin Purviss” (Christian Bale) no es más que un actor de reparto un tanto lejano, que su presencia en pantalla no es más ni menos importante que la de los demás que completan el “cast”.

Sin embargo, esto no es lo único que sufre la producción, que aunque me pareció bastante interesante en la forma visual en que fue narrada, vale destacar que la exageración de técnicas de Mann, si las lleva a un punto más alto en su próximo proyecto caería en el rotundo fracado.

El cambio constante de imagen, uno que da la impresión de que se utilizaron formatos diferentes, y la escena final que visualmente se ve muy quemada pueden, y le ha pasado, encontrar el rechazo en la audiencia. Esto, y el hecho de que solo tres actores (Depp, Bale y Billy Crudup en el papel de J. Edgar Hoover) se mantuvieran en el rol y con el lenguaje de ese época mientras que todos los demás hablaban como quisieran, es un tanto decepcionante.

“Public Enemies” no es del todo mal, sus escenas de acciones, concentrándose bastante en los lugares específicos donde ocurrieron y la técnica inventada y en ocasiones bien utilizada de Mann hacen a veces de la entrega una joyita del cine pero nada más.

Para la próxima mi respetado y amado Michael Mann, en vez de tanto caos y experimentación, déme un poquito más de “Heat” y de “Collateral”.

"¿Alguien ordenó personas?"

The Hangover (2009)

2009-09-11T16:53:00.000-07:00

dirigida por Todd Phillips

Desde la palabra “Ok” y enseñar el dedo del medio, me parece que no ha habido algo más universal que contar la historia que conllevó a una resaca mañanera, o en este caso, tratar de contarla.

Todd Phillips logra su mejor paquete de risa en la alocada “The Hangover”. El realizador de “Starsky and Hutch” y la aclamada “Roadtrip” logra definir perfectamente lo que es una noche de parranda y que mejor sitio para narrarlo que la ciudad del pecado, Las Vegas.

En “The Hangover” encontramos una narración que se toma su tiempo en ser desglosada, no va de un golpe de risa a otro como en ocasiones pasa con este tipo de comedia, el guión trabaja las situaciones absurdas y extravagantes que según tenemos entendido solo pueden ocurrir en Las Vegas y que este cuarteto encuentra la forma de caminar justamente hacia todas esas situaciones.

La entrega es un largometraje bastante divertido, a medida que va pasando el tiempo “The Hangover” deja de ser una película de chicos de parranda y se convierte en una maquina de hacer reír y de situaciones embarazosas y un tanto “desagradables” que dejan a la audiencia pensando “¿y que viene después?”.

Lo irónico de esta pieza, es que una de sus riquezas es el guión y quienes escribieron esta entrega, Jon Lucas y Scott Moore, no son conocidos por entregar buen material, de hecho, fueron los culpables de “Ghost of girlfriends past” lo que hace una de dos cosas: o que ambos llegaron a su punto creativo o esto exalta la grandeza de Phillips en cuanto a dirigir comedia.

Empero, está película puede que tenga a cuatro personajes protagónicos, dos de ellos hombres atractivos, uno de ellos medio nerd y domado por su novia y por último el feo gordito que está a punto de ser el cuñado de uno de los protagonistas. Es precisamente Alan Garner (el feo gordito) personificado por el comediante de pie Zack Galifianakis quién se roba el show y es el alma de la entrega, por esto en el transcurso de la película vemos como su personaje acapara cada vez más tiempo en pantalla y a uno solo le queda preguntarse con que saldrá ahora este personaje.

Este es un buen inicio en el mundo cinematográfico para Galifianakis quién ya tiene más producciones por venir dentro de su portafolio hacen que “The Hangover” se convierta, en un género dominado por las producciones de Judd Apatow, en una de las películas más cómicas del año.

¿un abrazo?

Drag me to hell (2009)

2009-08-20T08:51:00.000-07:00

escrita y dirigida por Sam Raimi

¿Quien mejor que Sam Raimi para remontarnos al cine de clase B de los 80 en pleno Siglo XXI? “Drag me to Hell” es el regreso de un género olvidado en un época donde escasean las películas de terror de calidad y el hecho de pasar un buen rato en una sala de cine es mal entendido.

El director de la saga de “Spider-Man” y “The Evil Dead”nos trae una historia sin complicaciones, de bajo presupuesto y muy entretenida en donde la actriz principal, una exhilirante Alison Lohman, da nuevas razones para pegar uno que otros gritos dentro de la sala de cine.

Cristine Brown (Alison Lohman) es maldecida por una cliente “insatisfecha” que le hecha la maldición del peor de los demonios , el Laima, que asusta a sus víctimas por un plazo de tres días para en el cuarto tomar su alma y llevarla al infierno.

Lo magistral de esta entrega no es en si, sus efectos especiales o la capacidad de provocar susto dentro de la audiencia, es la capacidad de Raimi de entregar una dirección impecable y asfixiante (en el buen sentido de las palabra) para asistirse de una producción sonora muy bien realizada y crear los efectos que provocan terror desde la película. Además de la dirección de arte que creo un personaje tan “creepy” como la Sylvia Ganush.

Esto es entretenimiento, “Drag me to hell” apenas llega a los 99 minutos, no trata en ninguna ocasión de justificar lo injustificable o alargar una película hasta el punto del aburrimiento. Raimi entrega una trama, la desarrolla y punto con los ejes exagerados que caracterizan el cine clase B y con una destreza visual que pocas películas de este género pueden igualar.

“Drag me to hell” es una película chistosa y de terror, esa es la premisa de las películas de este tipo y el guión y la dirección van directo al punto en donde la audiencia sentirá al extremo estos dos sentimientos.

En cuanto a las actuaciones, son lo necesario. Como diría Ebert: “Es esencial que la protagonista de una película de horror sepa gritar y Alison Lohman sabe gritar”. “Drag me to hell” es la sorpresa que se esperaba: entretenida, bien dirigida, bien actuada y sobre todo una de las mejores experiencias cinematográficas en lo que va del año. Quieras reirte o asustarte o simplemente gozar de lo que consideres ridículo, está es la entrega a ver.

Harry Potter and the Half Blood Prince

2009-08-18T20:22:00.000-07:00

dirigida por David Yates

Desde que en 2001 se presentará la primera adaptación de lahistoria mágica de Harry Potter “The Sorceres Stone”, cada vez que sale una película de ¡l mago más famoso del mundo uno comprende que su dinero no será malgastado.

Con cinco películas detrñas de ella “The Half-Blood Prince” llega para estudiar a sus personajes de una forma como ninguna otra de las entrega lo había hecho. En está última entrega, Hogwarts es más peligroso que nunca y sin embargo hay tiempo para el amor.

Harry, Ron, Hermione y Ginny, se ven bastantes grandecitos para las periprecias amoriles en las que se ven envueltos. Sus edades reales ya son las de los 20 y tantos, los personajes a penas rondan los 16 y 17. Tal vez por esto, su director David Yates y su guionista Steve Kloves debieron reducr un poco el acercamiento amoroso y enfocarse mucho más en el lado oscuro de la historia.

Las actuaciones son las ya acostumbradas, todas buenas, todas en su punto. Sin embargo la dirección y la edición sufren algunos problemitas que no dejan caer la película pero son notables en una película de tanto peso y demanda dentro del público asistente y la crítica de arte.

“Harry Potter and The Half Blood Prince” es una película que revela mucho en sus inicios y sabe manejar la intriga durante todo el tiempo a pesar del conocimiento que se le presenta a la audicencia en cuanto al tema. No es la acostumbrada película de Potter y es una entrega que ha dejado a muchos deseando más. En mi opinión “Half Blood Prince” cuando se presenta en pantalla, sufre el hecho de haber sido tan laureada antes de su estreno como tal vez la mejor película de la saga. Ese cetro lo tiene todavía “The Goblet of Fire” la cuarta entrega lanzada en 2005.

Los efectos especiales siguen impecables, las escenas de magia y de Quidicth andan “top notch”. La saga de Harry Potter se hace cada vez más densa y más esperada por todos, sin embargo tanto esta, como “The Order of the Phoenix” se disfrutan en realidad cuando se tiene conocimiento de las entregas anteriores, si no es así, uno lo que hace es perder su tiempo.

El único problema real de está sexta entrega es tal vez su duración. Corriendo unos 153 minutos, la pelicula puede que se haya extendido unos 15 o 20 minutos de más; pero es el plato perfecto para preparar la mesa para “Deathly Hallows” que será presentada en dos partes separadas para finales del 2010.

Ice Age 3: Dawn of the dinosaurs

2009-07-06T07:05:00.000-07:00

dirigida por Carlos Saldanha

La clara diferencia entre Pixar y las demás productores que se embarcan en proyectos animados en este lado del mundo, es la narrativa, la creatividad y la manera increíble que tienen de contar nuevas historias a pesar de contar con los mismos personajes (ej:. Toy Story 1 y 2) pero en el caso de Dreamworks y demás productoras se ve claramente que solo apuestan a la seguridad del triunfo anterior.

La divertidísima saga de “Ice Age” llega a su fin (por lo menos eso creemos, porque Shrek va por una cuarta) y a pesar de que logra su primer cometido, el hacernos reír, nos deja el sabor en la boca de que ¿si era necesario o no? el esfuerzo de esta tercera entrega.

De vuelta con la manada de Sid, el perezoso; Diego, el tiguere; Manny y Ellie, los mamut; Eddie y Crash, Scrat y dos nuevos personajes: Scratté (la contraparte femenina de Scrat) y Buck (un riquísimo personaje que salva completamente la película).

Luego de la presentación de personajes en Ice Age (2002) y una exploración de los dilemas de cada uno de ellos frente a nuevos conflictos en Ice Age: The Meltdown (2006) una tercera entrega era más que forzada y una amenaza a que la saga sufriera una definitiva y estrepitosa caída. Pero no fue así.

Carlos Saldanha sabe muy bien que su saga se destacó en la comicidad que representaba la extraña unión de sus tres personajes originales (Sid, Manny y Diego) y la odisea eterna en la que vive Scrat y decidió explotarlo en esta última entrega. Y aunque la premisa es un tanto simplona, el buen rato que logra sacar Ice Age 3 hace que uno se olvide completamente de eso.

Alargada unos 94 minutos (digo alargada por que la historia anduvo un poco forzada), Ice Age 3 decidió enfocarse más en uno de sus personajes más ricos: Scrat (otorgándole a él, su nueva compañera Scratté y su odisea con la nuez una mayor presencia en la película) y presentar uno [Buck] que termino siendo el personaje más lucrativo de la entrega. Lo siento Syd.

are you ready for adventure? for danger? for death?

Ice Age 3 es divertida, pero es más de lo mismo. Syd es el eje de la improvisada manada, Scrat es la estrella silente y Buck es el dueño del mundo subterráneo. En fin, logra su cometido, te hace reír, te entretiene, vale el costó de la taquilla, de seguro es genial en 3-D (que para mí es seguro el punto de la película completa, verla en ese formato) pero Up sigue siendo lo mejor en animación en lo que va del año, hay que esperar por “Ponyo” del maestro Hayao Miyazaki (Howl´s Moving Castle, Spirited Away) y “9” de Shane Acker.

Transformers: Revenge of the Fallen

2009-06-24T08:46:00.001-07:00

dirigida por Michael Bay

Hace no muchos años, la diferencia entre películas de acción, blockbusters y otras como dramas o películas que se concentraban en una trama más complicada era simple: la duración. En estos últimos años nos ha tocado aguantar esas dichas películas de acción (mediocres la mayoría) por más de 120 minutos, brecha que les era imposible pasar, y hoy en día sabemos por que.

La secuela de la millonaria saga de “Transformers” es un castigo de 150 minutos en donde su director, Michael Bay, explota las técnicas que regularmente usa en todas sus películas. ¿Cuántas tomas en cámara lenta, cuantas tomas girando entre dos actores, cuantas explosiones, tiros y desastres en pantalla sin ningún sentido puedes aguantar? Solo lo sabrás cuando veas esta “aclamada” entrega.

En si, “Revenge of the fallen” se siente como un auto tributo a su carrera como director. Bay hace homenaje a sus personajes de Bad Boys II, a sus destrucciones de Pearl Harbor y a sus momentos, supuestamente, climáticos de “The Rock” que mezclados con un sinnúmero de inagotables chistes y el único acercamiento sexual que puede tener para una película PG-13 entrega el más ambicioso proyecto de su carrera y que el que, como la mayoría de los anteriores, le dejará grandes lucros.

Las actuaciones son igual de desastrosas, Shia Lebouf se convierte en un desesperado joven sacado de la serie “The O.C.”, Megan Foxx solo está allí para hacer brillar su carnosa boca y soltar una que otra lagrima en cada momento sentimental que se presente (que en 150 minutos parecen eternos), los demás, no vale la pena mencionarlos, porque entre tanto griterio, ridiculeces, y giros de cámaras “a lo loco” es imposible apreciar la entrega lo suficiente como para considerarla un “guilty pleasure”.

Lo irónico de “Revenge of the fallen” es que en una escena, el agente Simmons (un olvidable John Turturo) le pide a un antiguo Decepticon (convertido en Autobot) que resuma, sintetice y cuente; algo que debió tomar en cuenta Michael Bay cuando se editaba la película.

Este Decepticon devió haber succionado la sala de cine completa.

Up

2009-06-17T09:38:00.000-07:00

dirigida por Pete Docter y Bob Peterson

¡Los de Pixar lo hacen de nuevo! Estas son las palabras que salen de mi boca cuando salgo de la sala de cine. Pero, ¿qué más se podía esperar de las personas que nos trajeron “Toy Story”, “Finding Nemo” y “Wall-E”? por nombrar algunas.

A pesar de que sigo quedándome con las anteriormente mencionadas, la magia de “Up” no tiene semejanza. Para mí fue una sorpresa encontrarme con una película más infantil de lo esperado, pero la magia fue la misma con la que la productora ha acaparado a millones de seguidores.

Sin embargo, el peso de “Wall-E” era uno muy fuerte y esta última entrega de Pixar es muy buena, pero no grandiosa. La tan esperada aventura, luego de su majestuosa primera porción, se torna simple pero de todas formas entretiene.

En “Up” encontramos a Carl Fredricksen, que luego de perder a su compañera de vida y estar a punto de perder su casa (el único memento que queda de su relación) decide alzarse a los aires, amarrando miles de globos a su morada. Pero antes de que esta aventura comenzara, la entrega dirigida por Pete Docter nos entrega una de los mejores 15 minutos en la historia de narración cinematográfica.

Al igual que en “Wall-E”, y en ciertas ocasiones de la también aclamada “Rataouille”, Pixar hace homenaje a las glorias del cine mudo y con el simple acompañamiento de la música narra toda una vida del personaje principal junto a su pareja. En fin, todo lo de “Up” hasta el momento en que comienza a volar por los aires es clásico.

Luego de su corte inicial, el cual Manohla Dargis del New York Times lo ha comparado con una famosa escena de Citizen Kane, la última entrega de Pixar toma una historia un poco banal, sencilla y muy poco arriesgada.

La sorpresa, aunque ya la conocemos, es que en este caso el héroe es un gruñón viejito de 78 años que junto a un claramente glotón infante se embarca en lo que ha sido su aventura más deseada de su vida.

Durante la aventura, vemos la revelación de Carl y de Russell (el chico rellenito) y su progreso a valerosos personaje de acción que entiende lo que se debe hacer y lo hacen (una historia usada en demasía). Como tal, la historia es predecible y llega a parecer más larga de la cuenta en algunos momentos pero la perfección de sus colores y definición hace que valga la pena disfrutar de los casi 90 minutos de largometraje.

En fin, “Up” cumple con su cometido de sorprender tanto a la crítica como a la audiencia, algo ya habitual para la compañía, y ahora crea la expectativa para una tercera edición de Toy Story pautada a estrenarse ya el año que viene.

Terminator Salvation

2009-06-05T11:24:00.000-07:00

dirigida por McG

En 1984 James Cameron vino con una historia innovadora, apocalíptica y completamente diferente a lo que la Ciencia Ficción había mostrado hasta la fecha. “The Terminator” se convirtió inmediatamente en un éxito y entregó una de las historias de culto mejor recordada del último medio siglo.

No fue hasta 1991 que Cameron se atrevió a coquetear con esta historia para brindar una secuela, y para sorpresa de muchos, “T-2: Judgment Day” ala “Godfather II” se convirtió en un éxito hasta más grande que su predecesora y lanzó definitivamente a la fama al ahora político Arnold Schwarzenegger. Pero entonces llegó el nuevo siglo y todo se fue en declive.

La primera década del siglo XXI ha sido testigo de los verdaderos colores del magnate Hollywood, es en está década donde se ha visto renacer historias perdidas como las de Rocky Balboa, John Rambo y John McClane (el personaje de Bruce Willis en la saga de Die Hard) era de esperarse que una tan buena historia como la creada por Cameron fuera despiadadamente despotricada, lo que nos sorprende es que fuera una de las primeras.

En 2003, ha solo 12 años del clásico de “Judgment Day”, “Rise of the Machines” hizo su estreno y termino siendo lo que muchos esperaban, una mediocridad.

Ahora nos llega “Terminator Salvation” y el “encargado” de salvarnos es, nada más y nada menos, que el negociante y fantasioso McG.

Apostando por la reciente fama de Christian Bale (Batman Begins, The Dark Knight) McG trae una película llena de disparos, efectos especiales, interminables escenas de acción y claro, ningún sentido alguno.

Como en muchas superproducciones hollywodenses, a los actores se les nota claramente el poco interés que tienen por tan insípida historia en donde sus guionistas John D. Brancato y Michael Ferris osan coquetear con la historia inicial pero lo que logran es una burla a un clásico del Sci-Fi.

"Too much information"

Pero que se puede esperar del director que nos trajo la insaciable “Charlies Angels” y su funesta secuela, y que más se podía hacer luego de la tercera entrega de esta “saga” dirigida por Jonathan Mostow; y como todo en este siglo tiene que ver con sexo, tiros y efectos especiales, no podía faltar la dulzura que le derritiera el corazón a quién terminará siendo un robot. Me refiero a la encantadora (pero no lo suficiente) Moon Bloodgood.

De “Terminator: Salvation” se desprenden un par de escenas bien dirigidas, y la increíble presentación de su mundo apocalíptico pero no deja de ser un esfuerzo vano de calidad, pero si uno que dejará muchas ganacias, que por lo visto seguirá destruyendo la serie porque ya anda la firma para la quinta expuesta, otra vez al mando de McG.

Si me preguntan a mí, muy serio y seguro digo y repito que la serio de Terminator cuenta solamente con dos películas, la última hace ya 18 años.

Una más para las que vienen en este año

2009-05-20T20:05:00.000-07:00

En el "trajín" de ver películas, trailers, repasar críticas y automortificarme por no andar por los senderos del Festival de Cannes en estos instantes, a uno tienden a pasarle las cosas por encima y es que había que preguntarse en que andaría Steven Sodebergh luego de realizar "Che" y aquí está este interesadisimo proyecto llamado: "The Girlfriend Experience".

Disfruten el trailer:

See it with someone you *****

Coraline (2009)

2009-05-20T05:42:00.000-07:00

escrita y dirigida por Henry Selick

El 2009 se vislumbra como un buen año de cine, sus películas animadas no se presentan como excusas para hacer taquilla con historias sin sentido y mucho colorido, todo lo contrario, y el inicio de esta aventura animada consigue un buen arranque con “Coraline”.

Esta entrega marca el regreso de Henry Selick al “stop motion animation” porque tanto se le conoce en “James and the Giant Peach” y la aclamadísima “The Nightmare before Christmas”.

Aunque “Coralina” no logre el éxito en la crítica ni en el público y menos en el culto que su predecesora “… Nightmare” y probablemente no superé las dos películas animadas por ver: “UP” (de Pixar y dirigida por Pete Docter) y 9 (Shane Acker); si logra cautivar a la audiencia con mucha imaginación e inteligencia narrativa.

Partiendo de refranes gastados: “cuidado con lo que deseas”, “no todo es como se ve” la historia de Selick es una, por el contrario, muy fresca y logra enviar su mensaje de manera inteligente y muy entretenida.

Con trozos de “Alicia en el país de las maravillas”, un poco de “Narnia” y cantidades más de cuentos infantiles, Selick toma la historia escrita por Neil Gaiman y le da ese toque animado que lo hizo tan famoso en el 1993 con “Nightmare before Christmas” (aunque la mayoría de este crédito se lo llevó Tim Burton).

“Coraline” no es una película animada para niños, los más pequeños no la entenderían y el público real, ese pre-adolescente, está muy ocupado en tecnologías y en crecer demasiado rápido, por esto ya las películas animadas están quedando netamente para el público que le gusta el cine y también para el que simplemente quiere pasar un rato.

La película no pierde su magia en 2-D (es original para presentar en formato 3-D, lástima que no la trajeron de esa forma, aunque no soy muy fanático de ese estilo) el esplendor del mundo detrás de la puerta secreta enamora hasta el menos ingenuo, y aunque el deseo de retorno de “Coraline” vino un tanto repentino, y los conflictos que tuvo que enfrentar no fueron tan complicados para mi gusto, pero en fin funcionan.

Al final te das cuenta que no todo de repente cambia para lo mejor, como en muchas películas de este estilo, Selick no presenta unos padres super cariñosos o atentos al final de la película, por el contrario, nos da un estilo de vista sobre lo que ahora aprecia más Coraline porque sus padres siguen siendo los mismos que en un momento ella rechazo pero ahora tienen un “yo no se qué” que nos da la impresión de que eso era lo que Coraline no estaba apreciando.

Lo mejor del 2008 y lo que se espera del 2009

2009-05-17T10:16:00.000-07:00

Hace un buen tiempo hable de lo difícil que era tratar de ser cinéfilo en un país como el de nosotros; las películas llegan tarde, no todas llegan, pocas pasan por el cine; y el deseo de aguantar la presión que le mete a uno la piratería es grande, pero uno lo logra y sigue viendo buenas y malas películas, total a nosotros nos encanta.

Me tomó esperar hasta el quinto mes del año en curso, y a pesar de que por ahora no he visto “mucha cosa” buena de este año, por ahí vienen una que otra entrega que seguro serán joyitas de este año, pero aquí los dejo con lo mejor del año pasado, tarde pero seguro.

Sugar (Anna Bodden/Ryan Fleck)

Pocos retratos han sido tan cercanos a la realidad inmigrante de una persona y ninguno ha sido tan representativo de nuestra tierra como los conflictos de Miguel “Sugar” Santos en otra joya dirigida por Anna Bodden y Ryan Fleco (ya dos representantes puros del movimiento “indie” cinematográfico).

Entre les murs (Laurent Cantet)

La guerra más grande de todas, y tal ves la más importante, Francois Begadeu crea el guión de su novela autobiográfica y encarna en propia piel al profesor que día a día batalla con un aula llena de estudiantes.

The Wrestler (Darren Aronofsky)

La grandeza de “The Wrestler” recae sobre su director y el rol de Mickey Rourke, uno de las mejores actuaciones en mucho tiempo, que deja notar que se puede hacer cine con historias trilladas, siempre y cuando sepan como manejarlas.

Synecdoche, NY (Charlie Kauffman)

Charlie Kauffman nos demuestra nueva vez que es un genio, ahora se posiciona detrás de cámara para seguir con su continúa obsesión con la eternidad. Está nueva entrega es solo un complemento (tal vez el mejor) de películas de su autoría como “Being John Malkovich”, “Adaptation” (ambas dirigidas por Spike Jonze) y “Eternal Sunshine of the Spotless Mind” (Michel Gondry).

The Curious Case of Benjamin Button (David Fincher)

En muy pocas ocasiones, una entrega cinematográfica termina siendo superior al material literario de donde es sacado. Eric Roth (guionista) convirtió el cuento corto y apresurado de F. Scott Fitzgerald en un excelente guión, partiendo solo de la premisa de lo que hace curioso al caso de Benjamin Button.

El trabajo de Fincher es el punto clave, su crecimiento como narrador es palpable y se adecua bastante bien a la historia que tiene en sus manos. Para el 2007 ocupó el segundo lugar en esta lista con la asfixiante “Zodiac” para este año no se podía quedar atrás, sacando lo mejor de todo lo que tenía frente a las cámaras.

Wall-E (Andrew Stanton)

Tal vez la mejor película animada de suelo norteamericano, “Wall-E” es una llamada de atención a los seres humanos y una de las más preciosas entregas en años.

Che (Steven Sodebergh)

Un ejercicio cinematográfico “ala” Quentin Tarantino y sus “Kill Bill”, “Che” es una película que hace mucho que no se hacía. Basada en el emblemático guerrillero Ernesto “Che” Guevara la película es un arte en cuanto a narración se trata.

Sus primeras dos horas, “El Argentino” como se le conoce, son una de las mejores dos horas en el mundo del cine como pocas, las dos subsecuentes no le hacen reverencia, son un poco flojas y como dos películas aparte, “Guerrilla” no tiene mucho que ofrecer, pero en conjunto hacen una buena obra imposible de olvidar.

In Bruges (Martin McDonagh)

Solo hay que leer el guión de McDonagh para saber que este hombre es capaz de contar historias. Ganador de un oscar por mejor cortometraje de acción con “Six Shooter” en 2005 precisamente por su perspicaz guión, McDonagh debuta con una de las mejores películas del año que tal vez es víctima de haberse estrenado a principios de año.

En “In Bruges” encontramos una de las mejores actuaciones de Colin Farrell, un comiquísimo e inteligente guión y un trato de cámara y narrativa visual envidiable.

The Visitor (Thomas McCarthy)

Una vista diferente sobre el “inmigrante alienígena” en la paranoica sociedad de los Estados Unidos. Richard Jenkings presenta una de nuestras actuaciones favoritas del año y McCarthy demuestra que es un maestro contando historias.

The Dark Knight (Christopher Nolan)

Que mejor forma de presenta el crimen que con anarquía total. Ciudad Gótica es un reflejo de muchas de las sociedades que se encuentran hoy en día y que la respuesta a esto no es un “correcto ciudadano” sino alguien que haga el trabajo sucio y se le desprecie por eso, a pesar de que haciéndolo consiga la mejoría de la sociedad.

Luz silenciosa (Carlos Reygadas)

La asfixiante puesta en escena de Reygadas es ejemplar para explicar, a su forma, inconvenientes con los que nos encontramos hoy en día. Lo que la religión dice que debemos o no hacer, lo que hacemos de todas formas, los conflictos que se nos presentan. El lenguaje visual está en su máxima expresión en esta hermosa película.

Happy Go-Lucky (Mike Leigh)

¿Es una perdida de tiempo, luchar por la felicidad? ¿es imposible lograr que todo el mundo sea feliz? Poppy no lo cree así. Sally Hawkins nos da el mejor personaje del año con su interpretación de la siempre alegre: Poppy.

Rachel Getting Married (Jonathan Denme)

Es imposible evitar sentir los sucesos de “Rachel Getting Married” a flor de piel. El secreto, las incomodidades, las peleas familiares, y el exquisito trabajo detrás de cámara, con su toque “indie” adecuado, hacen de la entrega otra más para el cajón de “joyitas”.

Vicky Cristina Barcelona (Woody Allen)

Todos queremos brillar y demostrarle al mundo algo, Allen parece entender esto a cabalidad, a veces pienso que este ya diminuto viejito, con su pro y su contra, ha encontrado algo en el ser humano que nosotros no terminamos de comprender.

Waltz with Bashir (Ari Folman)

La guerra no es buena, millones de muertos sin ningún tipo de sentido. Folman retrata la invasión al Líbano en 1982 de una forma muy peculiar (un tipo de documental animado) en un año que no podía ser mejor, durante los constantes ataques entre Israel y el Líbano.

Gomorra (Matteo Garrone)

Atrás ha quedado la mafia de fina y bien vestida de los años 50, 60 y 70; ahora solo queda pura violencia, muertes por doquier y una realidad tan representativa de nuestro siglo que nos da grima caminar las calles en el día a día de nuestras vidas.

Wendy and Lucy (Kelly Reichardt)

Michelle Williams demuestra su gran calidad de actriz. “Wendy and Lucy” es un retrato de un personaje que es fácilmente encontrar dentro de nuestra sociedad.

Revolutionary Road (Sam Mendes)

¿Cuántas personas no se han encontrado con una vida monótona a mediado de sus vidas? ¿o se encuentran con el hecho de no estar haciendo lo que desaron? Mmm todas. Mendes tiene una forma de retratar las realidades de la vida como pocos directores lo han hecho y tanto DiCaprio y Winslet demuestran lo mucho que han madurado desde la funesta Titanic.

The Fall (Tarsem Singh)

Una hermosa película que no se puede dejar de ver por nada del mundo. Una de las sorpresas del año, de esas películas que crees que no serán mucho y terminan pasándote por encima.

Tropa de Elite (José Padilha)

Los conflictos de un hombre por salir de un “escuadrón de muerte” para concentrarse en su nueva familia. El ímpetu de dos nuevos cadetes; las guerras establecidas en las favelas de Brasil, aquellas que vimos tan bien en “Cidade de Deus” de Meirelles y que ahora observamos desde afuera en la entrega de Padilha.

Lo que se espera para el 2009:

Inglorious Bastards (Quentin Tarantino)

Tarantino viene más violento que nunca y que mejor lugar para presentar su nuevo proyecto que Cannes, en espera desesperada por este proyecto.

The Limits of Control (Jim Jarmusch)

Con Jarmusch nunca se falla, siempre encontraremos una historia inteligente que disfrutaremos de principio a fin, no creo que me defraude este año.

Where the wild things are (Spike Jonze)

Este será el tercer largometraje dirigido por Jonze y si es algo parecido a lo que anteriormente hemos visto, “Being John Malkovich” y “Adaptation”, estamos en espera de algo especial, la historia es linda e interesante, que más se puede pedir, solo nos queda ver que nos trae el joven director.

Up! (Pete Docter)

Todo lo que traiga Pixar se espera con ansías, “Up!” no es la excepción.

Away we go (Sam Mendes)

En busca de encontrar un buen lugar para que nazca su hijo, una pareja viaja a traves de los Estados Unidos para encontrar el lugar apropiado. Con Sam Mendez al mando, esto pinta para ser una joyita independiente de las buenas buenas.

The Hurt Locker (Kathryn Bigelow)

Si tu crees estar cansado de Iraq y que ya no hay nada que te inspire sobre este tema, preparate porque “The Hurt Locker” viene por ahí. Dirigido por una mujer que sabe lo que es acción “… Locker” promete entregar ese “ye ne se cua” que hace rato no vemos en películas bélicas.

Public Enemies (Michael Mann)

El parecido con “Heat”, el hecho de que este Johnny Depp y Christian Bale, y que Mann este detrás de algo que maneja muy bien es más que motivo para esperar esta entrega.

Whatever Works (Woody Allen)

Larry David protagonista de una historia de Woody, claro que hay que verlo.

Nine (Rob Marshall)

Como dijo un amigo, esto debe ser “Chicago” en esteroides.

Harry Potter and The Half Blood (David Yates)

Es Harry Potter… y punto.

9 (Shane Acker)

Corto animado ganador del Oscar en 2005 definitivamente debre traer una gran película.

Funny People (Judo Apatow)

Apatow ha creado un imperio de nuevos comediantes y nuevas comedias que son el gustó de este siglo XXI, lo que hay que esperar es ver si Sandler será el ridiculo que normalmente es, o el buen actor que vimos en “Punch Drunk Love” y en ocasiones de “Click” (otro guilty pleasure).

Bruno (Larry Charles)

Te haya gustado o hayas odiado Borat, como quiera te sentirás atraído por lo que el psicopata de Sacha Baron Cohen y su nuevo personaje, un “fashionista” austriaco, traen a la cultura estadounidense.

Angels & Demons (2009)

2009-05-15T05:55:00.000-07:00

dirigida por Ron Howard

Cuando se hace una película de un best seller controversial, se invierte millones de dólares, se contrata una chica bella y un actor como Tom Hanks al mando de un director reconocido como Ron Howard, el éxito de taquilla es seguro, nada más.

Angeles y Demonios, la adaptación de, en libro, la precuela del Código Da Vinci, pero que en películas ocurre tres años después de la adaptación cinematográfica del Código, es un desperdicio de dinero, tanto para los productores (que aunque sea lo van a recuperar) y para la audiencia que se dará cita para satisfacer su morbo de ver un tema que involucra a la iglesia.

Con un guión desastroso, lleno de “Pun-lines”, Howard entrega uno de sus peores entregas en la gran pantalla, y haciéndole honor a la leyenda de las secuelas, esta es peor que la adaptación del “Código Da Vinci”.

Lo que en un principio parece interesante: “la creación de la antimateria”, “el hecho de que tienen menos de 6 horas para resolver todo”, rápidamente se desmenuza con uno de sus grandes problemas: el trato de la elipsis. En su afán por crear anticipación y desespero en la audiencia, Howard, con su fallido trato del tiempo (mucho más exagerado que como debe tratarse en el cine) da a notar que en cada ocasión se llegará en el momento preciso a tal localidad.

"Run, Forrest, run"

Las actuaciones no aportan mucho, se les ve desinteresados, sin ningún tipo de confianza en el proyecto, Tom Hanks solo pasa el rato, entregando “líneas inteligentes” tras “líneas inteligentes” y sus descubrimientos terminando siendo por casualidad no por conocimiento, que sería lo crucial considerando la sapiencia con la que supuestamente cuenta el personaje Robert Langdon. Sus contrapartes son otro fiasco, Ewan McGregor trata muy claro de no parecerse al filosofo de Obi Wan Kenobi, Stellan Skarsgard parece un frustrado y amargado (y no en el buen sentido) y Ayelet Zurer es lo único que se puede sacar, aunque la belleza de la israelí, haciendo de italiana, evitó que me concentrará mucho en su actuación.

Fuera de que uno haya o no leído la obra de Dan Brown, en la adaptación de Howard se hace muy poco por ocultar un final predecible, no que Brown lo hace muy bien en su obra tampoco, pero el que no sabe nada de la historia describe lo que sucede no más allá de los 45 minutos a la hora, cuidado si antes.

La película utilizado todos los clichés, y acercamientos trillados para un thriller, que cuando se usan de esta forma tan desinteresada aburre a la audiencia y terminando creando el efecto contrario que debiera someter una película de este género.

En fin, ni la película ni el libro valen la pena, el éxito de ambos se lo deben agradecer a la iglesia y su inseguridad de ser mencionada en cualquier tipo de medio, de no ser por esto y por el ridículo morbo que sentimos por uno que otro tema, este tipo de obras no pasaría del anaquel del fondo o de la sección de cine que solo dura par de días. Perdónenme, me fue imposible evitar la flagrante subjetividad que presente en este texto.

Star Trek (2009)

2009-05-12T07:39:00.000-07:00

dirigida por J.J. Abrams

En los últimos años hemos visto el renacer de par de sagas cinematográficas que creíamos perdidas en la mediocridad. En 2005 vimos el renacer de Batman en Batman Begins y en 2006 el de James Bond en Casino Royale; este año le toca a otra trascendental saga de hace más de veinte años, Star Trek.

Cuando a nosotros nos anuncian el renacer de una de estas sagas, uno no deja de asustarse un poco y piensa en el peor de los desastres que se pueden cometer en la pantalla grande, pero este trío de entregas nos deja salir con un buen sabor de las salas de cine.

El nuevo Star Trek de J.J. Abrams, es uno fresco, inteligente y como dice Roger Ebert, otra ópera espacial, la película se mueve de manera natural, no tan complicada y es un buen inicio para que a los “geeks” les de nostalgia y para que se agreguen nuevos fanáticos a las aventuras del U.S.S Enterprise.

El guión de Roberto Orci y Alex Kurtzman es una inspiración de varias de las películas anteriores de Star Trek, una historia bien narrada y acertada, aunque nos puede parecer que se mueve muy rápido en ocasiones, pero es el inicio que requiere una franquicia que hace ya muchos años vio su última entrega.

Los efectos especiales son los necesarios para hacer de este viaje uno bastante divertido, las transportaciones y eventos destructivos engranujan a los fanáticos de la serie y son diluibles para quienes visitan la experiencia por primera vez, aunque la película usa en dos ocasiones, explicaciones simples para convencer al espectador de que lo que acaban de ver está correcto.

Por su lado, las actuaciones son buenas, Chris Pine como un joven rebelde Capitán Kirk y Zachary Quinto como Spock se roban el show; la influencia que puede tener la Uhura de Zoe Saldaña se pierde cada vez más a medida que pasa el tiempo. El resto de las actuaciones son las adecuadas para entregar la historia.

Esperemos que para la segunda entrega haya una exploración más profunda en cuanto a los personajes se trata, Star Trek: The Future Begins hace un buen trabajo en presentarnos a estos jóvenes en su primera gran aventura, nada más, para la próxima, esperamos más conflictos entre la flotilla del Enterprise y que por favor, no sufra los mismos efectos de Quantum of Solace.

The Curious Case of Benjamin Button (2008)

2009-05-06T18:55:00.001-07:00

dirigida por David Fincher

Cuando leímos la historia corta de F. Scott Fitzgerald, nos pareció, precisamente, bastante “curiosa”. Un bebe nace con facultades avejentadas y su proceso de crecimiento es uno contrario al de todos los demás, es hacia la juventud y niñez que trasciende su vida.

Cuando el breve cuento llega a sus letras finales, lo encontramos apresurado y escaso de las ricuras que envolvían a su personaje principal, esto no ocurre en su adaptación cinematográfica. Eric Roth, su guionista, camino la extra milla.

Roth creó una nueva historia, un guión envidiable que explora la vida a través de la peculiar historia escrita por Fitzgerald pero es Fincher, quién como siempre, pone su estampa principal en otra adaptación al cine espectacular.

David Fincher no es ningún novato cuando se trata de expresar visualmente un material previamente publicado, lo hizo de manera espectacular en entregas como Zodiac y la reconocida Fight Club, sin embargo, es Benjamin Button que le da ese empujón extra para ser debidamente reconocido y encima amado por la audiencia.

Fincher sabe perfectamente donde debe estar cuando cuenta su historia lo que lo hace un muy buen narrador audiovisual. La vida de Benjamin se mueve tan pausada y tan rica que uno aprende a disfrutar junto al personaje las apreciaciones que se le aparecen en su ya “curiosa” vida.

Las actuaciones están a punto, Brad Pitt se la luce y hace que uno se sacudiera la idea de pensar que vería al mismo de “Meet Joe Black” pero no fue así y su actuación fue autentica, una de las mejores de su carreras pero un poco sobrevalorada con todos los premios. Por su parte, Cate Blanchett es indudablemente una gran actriz sus cambios de animos, típicos de una mujer que cree saber lo que quiere, son cautivantes y le dan ese toque de belleza que haría a cualquier hombre obsesionarse.

En muy raras ocasiones un material fílmico supera la obra literaria, pero Fincher lo ha logrado hacer ya en tres ocasiones. Primero fue transportar el deseo autodestructivo de Chuck Palahniuk y su Tyler Durden, luego expresando la angustia, paranoia y desesperación de Robert Graysmith y su asesino del zodiaco y ahora con esta hermosa entrega sobre la peculiar vida de un hombre extraordinario.

Y es que, en cuanto a evolución de personaje, Benjamin Button es una película magistral, como hace mucho que no veía una entrega cinematográfica, es sofocante (en el buen sentido), hermosa y llena de peculiaridades y sentido de vida que uno no puede dejar de disfrutar y que de alguna forma se logra presentar en los minutos finales.

Fincher es un narrador magistral definitivamente y si me lo preguntan a mí Roth debió estar nominado por mejor guión original porque solo toma la premisa de la curiosidad del caso de Button pero la historia es una totalmente diferente y en mi opinión muchísimo más rica que la de Fitzgerald. Top 5 on my 2008 list!

The International (2009)

2009-04-24T08:16:00.000-07:00

dirigida por Tom Tykwer
Aquí es muy difícil comenzar con buen pie las visitar al cine a principios de año, a pesar de que andamos ya por la mitad del cuarto mes, es costumbre de nosotros tener que esperar hasta el puro verano para obtener alguna película de calidad en la gran pantalla. Aunque nos llega con dos meses de atraso “The International” es una buena razón para ir a las salas de cine.

Partiendo desde el segundo año de una continua investigación a los hechos de corrupción de un banco (el IBBC, International Bank of Bussines and Credit) por el agente de INTERPOL Louis Salinger (un excelente, como siempre, Clive Owen) y la fiscal Eleanor Whitman (una ocasionalmente ausente Naomi Watts) el primer guión cinematográfico de Eric Singer es uno de mucha intriga, con algunos vacíos, pero que por sorpresa evita la semejanza a las grandes producciones hollywoodenses.

Por su lado, Tom Tykwer realiza su habitual trabajo. Un buen manejo de cámara en donde destaca su sapiencia en escenas de tensión y acción. A pesar de esto siento que la película fue un poco maltratada con la edición.

Clive Owen no deja duda de que es uno de los mejores actores en la actualidad. Con un estilo parecido a su interpretación en “Children of Men” de mirada perdida, particular a lo que sucede en el mundo que no tenga que ver con su persecución de derrocar al IBBC con lo cual está obsesionado. Se le ve sin mucho esfuerzo y sin embargo su personificación se mantiene genial.

Lo bueno de “The International” es que llega en un momento en donde la corrupción está a flor de piel y el guión de Singer es acertado, trillado en ocasiones, pero se mantiene lo suficiente para ser una buena pieza de acción que Tykwer supo interpretar a la perfección.

La historia fluye de una forma tan normal que uno como audiencia cree en la posibilidad de ese caso. Este tipo de películas son de las que no quieres hablar el mismo día que la viste sino que prefieres “dormir primero” y tener el pensamiento de que eso que acabas de ver puede estar pasando en el momento en que lees o yo escribo estas palabras.

La credibilidad y tensión aparecen en el rostro de Clive Owen en cada plano que Tykwer usa para explotarlo. Tykwer sabía muy bien adonde recurrir para crear los efectos que necesitaba el guión para que la película funcionase.

Los demás actores funcionan como complemento del personaje de Owen. Es a través de Salinger que sentimos la tensión y el hecho de sentirse inútil a la situación, algo que perfectamente vemos al final; que en mi opinión fue devastado con los recortes de periódicos posteriores que eran completamente innecesarios. Cuando la vean, que deben ir a verla, sabrán a lo que me refiero.

Junot on "Watchmen"

2009-04-21T11:44:00.000-07:00

Encontre esta entrevista en el blog “Newsrama” en donde el ganador del Pulitzer Junot Diaz habla sobre los comics y su influencia en Hollywood y viceversa. También da su opinión sobre la adaptación de la novela gráfica “Watchmen”. Aquí tienes las “Q & A” sobre el asunto:

NRAMA: What were your thoughts on the Watchmen film?

JD: Another difficult one to talk about: Interesting to look at, but for me a failed pass at the greatest comic book ever written.

Beyond all the mundane complaints (couldn’t they cast a better Ozymandias? wouldn’t it have been better as a mini-series?) I felt the Snyder Team failed to understand (or provide) the narrative driveshaft that propelled the story in the first place: the growing collusion between the reader and Rorshach that indeed Something Terrible Was Going On.

In the movie, there wasn’t much to drive things forward, and flashbacks seem to jump into the mix out of nowhere. There were enjoyable bits throughout, but the experience was nothing I could recommend.

Hopefully, now that the movie is out of the way, someone will be allowed to make a TV series out of it like they did with Dune. Thirteen hours would do nicely . . .

Of course, everything that made Watchmen (the comic) revolutionary has been normalized by its imitators.

NRAMA: You have a point. When I read The Dark Knight Returns, it had been out for nearly a decade – I was a freshman in high school, and at that point there had been Tim Burton’s films, the animated series...I could appreciate the style Frank Miller brought to the book, but the darkness of it didn’t have the galvanizing effect on me it must have had in 1986.

JD: Yeah, when I read it! (laughs) I read it when it first came out, and I’d never seen anything like it. But you’re right, it became the norm. Superheroes misbehaving is the ultimate cliché, and this is one of the stories that started it. For the Watchmen film to work, it had to work on a different level, because it couldn’t have that transgressive charge that it did originally. Like you said, you read Dark Knight Returns now and there was no transgression any more. It feels, in fat, derivative.

For God’s sake, Watchmen is perfectly organized to be six-hour BBC miniseries! You can see it in Alan Moore’s work. He’s shaped by the six-hour forms that were very popular in England. He is as much shaped by teleplays as anyone I’ve ever met.

I’m looking forward to the new League of Extraordinary Gentlemen, but I am a little wary because I was not a fan of The Black Dossier.

Watchmen (2009)

2009-04-20T08:17:00.000-07:00

dirigida por Zack Snyder

Más de 20 años después la aclamada y reconocida como la mejor novela gráfica de todos los tiempos “Watchmen” logra encontrar su tiempo en pantalla como una de las más esperadas entregas cinematográficas del 2009. Pero, ¿es esta película capaz de asumir el reto dejado por los creadores de la novela Alan Moore y Dave Gibbons?

Desde que se supo quién sería el director, la respuesta era un “no” inmediato.

De manos del “visionario” (que de visionario no tiene nada) director Zack Snyder nos llega la tan esperada entrega cinematográfica de la aclamada novela “Watchmen” de 1986.

Cuando se hace una adaptación al cine de una novela gráfica uno diría que es un trabajo fácil, después de todo tienes ya hecho el “foto board” que te ayudará con los planos para comenzar el rodaje. El trabajo de dirección de arte por igual está hecho, solo es buscar asemejar las vestimentas y “background” que se ve en el fondo, pero cuando el peso es de tal magnitud como adaptar una de las 100 mejores novelas (según la revista Times) son otros “cien”.

Snyder, “visionariamente” hace precisamente eso, saca de manera exacta los recuadros que Moore y Gibbons nos presentaron en la novela y los hace ver insípidos y sin sabor, su obsesión del morbo violento y la pausa de acción que tanto nos cansó en "300" es totalmente inadecuada para una película de esta magnitud.

La película falla en crear ese sentido de paranoia que nos brindó la novela simplemente por que su director estaba más preocupado en deslumbrar con efectos y secuencias de acción innecesarias que los “geeks” no se aguantaron en destrozar.

La forma de contar historias de Snyder es una de la que tal vez solo el esta enamorado, y como dice un amigo mío, está tan ensimismado en su manera de narrar que necesita verla en numerosas ocasiones en cámara lenta.

Definitivamente Watchmen, la película ¡ojo!, tiene poco a su favor, a pesar de que tararee “The sound of silence” durante el funeral de “The Comedian” las canciones no fueron para nada acertadas sino que ridículas.

Sabemos todos que adaptar una novela no es nada fácil, y que es imposible meter las más de 300 páginas que normalmente encontramos en un folleto literario a menos de 200 minutos de celuloide, pero los guionistas David Hayter (que es la vos de Snake en la saga “Metal Gear Solid”) y Alex Tse obvian partes fundamentales para la narración de la historia. Los choques de los periodistas que solo al final no los presentan y el vendedor de periódicos y el chico que lee historietas son claves para el sentimiento de paranoia y de sucesos dentro de la historia que debieron ser tratados con más cuidados y no ligeramente mostrados para que los “geeks” sintiéramos un poquito de nostalgia, pero esto, como era de esperarse, no pareció molestarle a su director.

Rorschach´s journal. October 13th, 1985: "On friday night, a comedian died in New York"

Lo que si tiene bueno Watchmen, la película, es el casting de Jackie Earle Haley como Rorschach pero de todas formas fue desaprovechado. El encuentro psicológico con el doctor es una de los mejores puntos de la novela pero pedir que eso y la presentación del comic que leyera el joven en el stand de noticias me parece que era mucho pedirle a una producción mediocre.

Eso si, agradezo el acercamiento de Snyder, aunque funesto al fin, porque ha hecho que vuelva a retomar una novela que repasado en dos ocasiones y piense en hacerlo una tercera ocasión, el sentimiento es cada vez más genial mientras uno lee ese universo paralelo de Moore y Gibbons, lástima que no pueda decir lo mismo de la película del autodenominado (me imagino que fue el mismo) “visionario”.

Choke (2008)

2009-04-16T12:22:00.000-07:00

escrita y dirigida por Clark Gregg

Las novelas de Chuck Palahniuk gritan ser adaptadas al cine. David Fincher creo un mundo alterno y una obra maestra con su adaptación de la novela “Fight Club” y si me preguntan a mí “Choke” es una de las mejores novelas del escritor norteamericano incluso mejor que la misma “Fight Club” pero el esfuerzo de Clark Gregg es uno muy flojo para la capacidad narrativa de la novela.

Cuando tu tienes un adicto al sexo, que se tira* todo lo que encuentre y en las noches pretende ahogarse con comida en diferentes restaurante para ser salvado y recibir dinero de su salvador para mantener con vida a su madre interna y encima tener la posibilidad de ser heredero del Señor mismo, que más quieres para desarrollar una historia.

Como Victor Mancini, Sam Rockwell es genial y carga con lo poco que tiene que brindar la película.

Gregg (aquel tontito ex esposo en la aclamada serie “The New Adventures of Old Christine”) no lo hace todo mal, en realidad lo poco que hace lo hace bien, me explico:

“Choke” tiene sus momentos, pero la peli es tan apresurada y tan excasa de conexiones que la audiencia que no tiene conocimiento del libro no disfruta ni entiende lo que pasa en pantalla. El conflicto de Mancini no se expica tan a fondo como para entender su evolución, las elipsis son inexistentes y vuelas de un punto a otro sin sentido alguno.

Las actuaciones si son buenas, los dotes de Rockwell son más que conocidos (es uno de mis actores favoritos), también cuenta con Anjelica Huston (Ida Mancini), Kelly McDonald (Paige Marshall) y Brad William Henke (Denny) que hacen la película un poco más digerible aunque la historia ande por todos los lados.

No es recomendable ver la película sin antes leer o tener conocimiento del libro, de no hacerlo “Choke” pasará a ser una película sin sentido y una completa perdida de tiempo.

El DVD cuenta con una entrevista hecha al escritor Palahniuk por el mismo Clark Gregg, definitivamente un punto a favor para Gregg porque no recuerdo la última vez que un director entrevistara al autor de la novela que está adaptando al cine.

Fast and Furious (2009)

2009-04-13T06:23:00.000-07:00

dirigida por Justin Lin

Cada franquicia exitosa económicamente está destinada a fracasar en algún momento de su historia porque los productores tienden a empujarla de más. La saga de los carros preparados para correr a alta velocidad tuvo un choque abrupto en su última entrega.

Por allá por el 2001 un artículo por título “Racer X” lograba convertirse en una de las películas de acción más entretenidas del año. “The Fast and the Furious” fue una grata sorpresa para los amantes del cine y se convirtió en una especie de película de culto para aquellos “speed freak”, el boom de los carros mejorados técnicamente había oficialmente comenzado.

Luego de que Rob Cohen logara entregar una de las mejores películas de acción de la década y de poner en la palestra pública a las ahora superestrellas Paul Walker y Vin Diesel, John Singleton dirige la fracasada secuela “2 fast 2 furious” en 2003.

Sin embargo, en 2006, tuvimos una grata sorpresa con “Tokio Drift”, la tercera entrega de la saga. La aparición del personaje de Diesel “Dominic Torreto” en un cameo al final de la película, preparo la mesa para que Justin Lin, director de Tokio Drift, comenzará el rodaje de está cuarta entrega.

Lo que le funcionó a Lin en Tokio Drift, no lo hizo en Fast and Furious. En 2006 la primera escena sirvió para presentar una buena película de carreras, ahora en 2009 su escena de acción, que la vemos completa en los trailers, no le sirve de nada, porque lo que menos presenta en está película es acción.

Miren, es el mismo carro de "XXX", wao!

Dominic Torreto y Brian O´Conner (Walker) vienes a la película para hacer una especie de guión inverso a la primera entrega. Una historia sin sentido que a veces confunde a la audiencia y para los que no lo saben o no se dieron cuenta funciona, cronológicamente, como una precuela de la película ambientada en Japón.

Fuera de la persecución a pie de O´Conner detrás de un “maleante” y el “product placement” forzado de la cerveza Presidente, en una de sus primeras escenas, la película no aporta nada a una saga que casi levantó cabeza en el 2006.

Además del guión trillado, la película solo sirve como anuncio de esos que vemos a rato en Dominicana, mujeres bailando por doquier y la vida rápida. Diesel no deja de ser el mismo matón que solo puede hacer y su actuación en está película solo sirve para desbaratar la que hizo en “A man apart”, para nosotros su mejor película como protagonista hasta la fecha.

“Fast and Furious” es una película realizada con tan poco interés que sus escenas de velocidad no tienen ningún encanto y encima de todo se llega a lo ridículo (quienes vean la última escena de acción entenderán lo que digo).

El trabajo está tan desubicado que las elipsis son inexistentes y luego de que uno dura los par de segundos analizando que coño pasa es que cae en cuenta que el tiempo transcurrido es uno de “años” y no meses o días. La película tampoco le hace mucho a favor a “Tokio Drift”.

En “Fast and Furious” vemos a Han Lue, uno de los personajes de Tokio Drift. En “Drift” Han es un experimentado de los carros y tiene su nexo con los Yakuza ya que creció junto al hijo del “padrino” de la mafia japonesa, en “…Furious” vemos a Han como parte del grupo de “ladrones a alta velocidad” de Torreto y que cierra su presentación en pantalla con un “there doing some crazy shit in Tokio”, si me lo preguntan a mí, de nada sirve poner a Han Lue (Sung Kang) en esta entrega, solo le quita credibilidad a un personaje que fue clave en la película del 2006.

Con más de un año de post producción “Fast and Furious” es solo una segura maquina de dinero nada más, a fin de cuenta productores que persiguen estos proyectos es eso que le interesa, el dinero. Ahora solo nos queda esperar XXX al cubo y The Pacifier 2 y 2 y medio. Tráiganlas todas, yo las veo, que me importa a mí.

Las número 1 (2000-2007)

2009-03-26T10:46:00.000-07:00

Como un previo al Top Films del 2008 les traigo las que han ocupado el primer lugar desde el 2000 hasta el 2007 en mi lista bohemia de películas anuales, para ver los listados completos visiten la parte derecha de la página durante la semana donde estaré actualizando mis listados desde el 2000 que desde que inicie el blog no los habái subido.

Sin más preámbulos, aquí les van las número uno por año en lo que va de la década:

Requiem for a Dream (2000)

El grandioso trabajo detrás de cámara, la crudeza de las escenas y las actuaciones de Ellen Burstyn (que fue nominada al Oscar), Jared Leto, Jennifer Connely y Marlon Wayans hacen del trabajo del director Aronofsky el mejor del año.

Leto y Conelly hacen una dupla genial, el personaje de Burstyn es increíble y la adaptación de la novela homonima es una visión cruda sobre las adicciones y los mundos bajos en los Estados Unidos. Criticada muy negativamente, Requiem for a Dream supera las opiniones de muchos críticos y se convierte en una joya del cine independiente.

Memento (2001)

Cuando se habla de innovación (algo muy extraño en el cine últimamente) se habla de Christopher Nolan y su “Break out film” Memento. Nolan utiliza un estilo de narración que literalmente va de atrás hacia delante.

La película esta formada por escenas que la sigue inmediatamente la que va antes. Un guión interesante, una cámara impresionante, los flashbacks a blanco y negro y la interpretación de un casi desconocido Guy Pearce hacen de Memento una de las mejores películas de los últimos tiempos.

11`09``01 – September 11 (2002)

Fue un día negro para los Estados Unidos y para el mundo entero, presenciar un ataque terrorista en televisión no fue nada fácil y era de esperarse que de el suceso salieran cantidades de entregas cinematográficas, pero fue el primer esfuerzo el mejor. El 11 de septiembre del 2002 se estreno esta compilación de 11 cortometrajes de 11 minutos cada uno.

Una visión digna de la “libre expresión” en donde directores como Sean Penn, Gonzalez Iñarritu, Ken Loach, entre otros; brinda su propia expresión artística y real sobre los hechos del 11 de septiembre.

Una visión cinematográfica que es imposible perdérsela.

Elephant (2003)

De la misma forma en que narró visualmente Ferry, el director Gus Van Sant (Good Will Hunting) vuelve aplicar esa técnica visual y esa forma narrativa tan peculiar que hizo de Gerry una película bastante interesante y que hace de Elephant casi una obra maestra.

Con actores desconocidos Van Sant hace una interpretación de los asesinatos cometidos en la escuela primaria “Columbia” por dos estudiantes de la misma. Su visión es una para el recuerdo, la edición, el manejo de cámara no deja baches este estilo, que lo sigue ya en la mayoría de sus películas hacen de Van Sant uno de los mejores realizadores de estos tiempos.

Before Sunset/Eternal Sunshine of The Spotless Mind (2004)

Este año fue muy dificil decidirme, aunque me pudiera inclinar un poco por “Before Sunset” no puedo dejar de mencionar “Eternal Sunshine”. Ambos guiones geniales, más el de Before Subset porque mantener a una audiencia atenta con solo dos personas hablando y caminando por París es más que suficiente para conocer la genialidad de sus guionistas (Richard Linklater, su director, Ethan Hawke y Julie Delpy). París nunca se había visto tan romántico y tan bello como lo hace ver la caminata de Delpy y Hawke en esta joya del cine.

Por su parte Eternal Sunshine es una de las historias locas de Charlie Kaufman, del cual se conoce su talento de sobra, y la imaginación de Michel Gondry fue la justa para dirigir semejante guión. A eso le agregas el carismático Jim Carrey y la bella Kate Winslet y tienes un éxito asegurado. No se puede perder la realidad que expone sobre las relaciones amorosas.

Last Days (2005)

Gus Vant Sant regresa a su curiosa forma narrativa, esta vez con una interpretación de los últimos días de vida de un roquero (inspirado en la vida de Kurt Cobain) personificado por uno de los favoritos del cine independiente: Michael Pitt.

El sonido, la imagen y el contenido te atrapan de sorpresa, Van Sant hace su mejor trabajo experimental hasta la fecha y no pudo haber encontrado un mejor tema. Pitt hace de Blake, un roquero que busca estar totalmente por unos cuantos días antes de alejarse por completo.

El DVD trae el rodaje de una de las escenas de la película que tiene una duración de algunos 10 minutos sin cortes y en dolly. Es una exquisitez ver la escena y luego ver el trabajo que costo trabajar con un dolly que había que desarmarlo y armarlo para continuar el riel.

Children of Men (2006)

La visión apocaliptica de Alfonso Cuarón puede que te obligue a ver la película varias veces, no creas que esto es algo malo. Children of Men de Alfon Cuarón es una película que quisieras ver un millón de veces, una visión un tanto oscura de adonde se va dirigiendo la humanidad. La forma en que esta tirada y la actuación de Clive Owen son más que suficiente para ir “juyendo” a ver la película, pero la verdad es que tiene muchas cosas más.

“Hace más de 20 años que una mujer no queda embarazada y la persona más joven acaba de ser asesinada, tenía 18 años, es el año 2027” solo con escuchar eso dan ganas de devorar una película que es rica en todos sus sentidos y que sin ser una película de acción tiene una de las mejores escenas de acción de todos los tiempos, definitivamente una entrega con su plaza en la historia del cine.

Into the Wild (2007)

Yo soy uno que me atrevo a decir ahora mismo que prefiero a Sean Penn detrás de las cámaras que frente a ellas. No me malinterpreten es un soberbio actor, pero de sacrificar una de las carreras que sea precisamente esa, porque es diez mil veces mejor director.

Su Opera Prima fue en el 2001 con “The Pledge” un policíaco independiente que decía “quítate” y está, Into the Wild, es una ricura visual, de sonido y de contenido (valga la frase utilizada en la reseña de Last Days y también utilizada por filmcritic.com) pero la biografía de Christopher McCandles es una historia narrada a la perfección por el actor, guionista y director norteamericano.

Totalmente olvidada por los Oscars, es la mejor película de Penn hasta la fecha y la mejor actuación de Emile Hirsch hasta la fecha que dejó a todos boquiabiertos.

* * *

Estas han sido las mejores películas en todos los años pasados para este bohemio, esperemos no se dilate más el top del año pasado pero es que uno cuenta con dificultades para ver películas en este país que es increíble. Espero disfruten todas estas películas si se animan a verlas.

The Wrestler (2008)

2009-03-23T08:38:00.000-07:00

dirigida por Darren Aronofsky

No importa el género que se use para una película en donde se haga alusión al tema de la lucha libre, me tendrá de cabeza en el cine y seguro será, si es buena una de mis favoritas, si es mala o ridícula, uno de mis placeres culpables.

Sin embargo, The Wrestler de Darren Aronofsky es una de las mejores películas que he visto en mucho tiempo, una de sus principales razones, la sorprendente actuación de Mickey Rourke, definitivamente la mejor del año.

Desde un principio, en los créditos de apertura, Aronofsky crea una sensación de nostalgia, dandonos a conocer que ese luchador acabado Randy “The Ram” Robinson (Rourke; a quién conocíamos de los trailers) fue en un momento el ícono de la lucha. Esas transiciones de carteles anunciando los eventos de la lucha y los anunciadores gritando a todo pulmón el nombre de “The Ram” hace que la presentación del personaje dormido en una “van” nos de el golpe necesario.

Mickey Rourke deja todo en pantalla. “The Ram” puede ser desde hasta el más simpático hasta el más desolado hombre de la tierra (que es lo que parece). Rourke rompe los esquemas y trae un personaje a la vida, que a pesar de ser negado por los premios Oscar, será la representación más recordada del 2008.

Por su parte, los personajes de reparto lo hacen igual de genial, no podía esperarse menos de ellos que tenían que enfrentarse a la fuerza del personaje de Rourke. Marissa Tomei y Evan Rachel Wood, como las contrapartes femeninas, son soberbias. Tomando en cuenta que los premios Oscar han tenido nominaciones a roles que no consumen tanto tiempo en pantalla (Goerge Clooney en "Syriana" y William Hurt en "A history of violence"), Rachel Wood debió pertenecer a este grupo.

El trabajo detrás de cámara no se queda atrás, Aronofsky, junto a su cinematógrafo Maryse Alberti, demuestran la fuerza de las técnicas que destacan un trabajo independiente. Los planos son los correctos y la decisión de seguir a “Ram” por gran parte de la película en donde se veía su espalda le da un cierto aire de misterio a uno le da ese toque de uno no saber como va aceptando el personaje todo lo que se le presenta al frente.

Vale destacar la escena en donde el personaje de Rourke pierde definitivamente a su hija. Stephanie (Rachel Wood) se limita a mirar al vació y decirle que es “un acabado y que ella no pasará más de lo mismo” mientras que Robinson trata de enmendar su error abrazándola, es una de las escenas claves de la película, solo le llega cerca en las que comparte con Marissa Tomei, en especial una de las escenas finales en donde describe que solo en el mundo real lo lastiman, que dentro del ring el no puede ser lastimado.

The Wrestler le dará un nuevo enfoque a los fanáticos y no fanáticos de la lucha libre sobre la vida de un luchador y los riesgos que se toman. Una de las mejores películas del año, ha habido muchas de este tipo, Rourke fue de verdad espectacular, en mi opinión superando al Che de Benicio del Toro, al Milk de Sean Penn e incluso a Walter Vale de Richard Jenkings en “The Visitor” (una de mis películas y actuaciones favoritas del 2008).

Para cerrar, es tan completa la película que incluso la canción escrita y cantada por Bruce Springsteen es un placer de 5 minutos que refleja la nostalgia y angustia de, ahora, uno de los personajes históricos del cine Randy “The Ram” Robinson.

Righteous Kill (2008)

2009-03-17T06:39:00.000-07:00

dirigida por Jon Avnet

Pacino y De Niro, De Niro y Pacino; “The Godfather II”, “Heat”; la reunión de estos dos veteranos actores da mucho de que hablar, y de seguro el producto a presentar es uno para el recuerdo, pero “Righteous Kill” se convierte en uno de los tantos puntos negativos que los dos “actorazos” sufren en los últimos años.

Jon Avnet vuelve a reunirse con Pacino luego del fiasco de “88 minutes” para enterrar más aún a la leyenda viva y llevarse de paso un poco de Pacino.

Desde el inicio, “Rigteous Kill” se nota predecible, las palabras iniciales del Detective Turk (De Niro) te vislumbran claramente por donde irán los minutos finales de este largometraje.

Ambas actuaciones, a pesar de ser el fuerte de la película y la razón por la que uno la aguanta, están realizadas sin ningún interés. De Niro y Pacino con poco esfuerzo pasan por los 101 minutos de la entrega, se les ve sin deseo y la relación entre ellas parece más superficial que cualquier escena que involucre a Jennifer Lopez y Ben Affleck.

En la primera media hora de la película, Avnet presenta “tips” que como nunca son utilizados en la película no tienen ninguna razón de ser. Desde un principio se le presenta a ambos policías un “modus operandi” que nunca se utiliza, los que vean la entrega entederán cuando escuchen la frase “right between the eyes”.

Todo esto, junto a las escenas en donde ambos policías visitan el mismo psiquiatra (los mejores cortos de la película realmente) te das cuenta que están forzando a la audiencia a creer algo que ellos saben que no es verdad. A fin de cuenta, como policiaco y película de suspenso no funciona para nada, es predecible, y es otro policiaco más en el cinturón de ambos actores que están encasillados en estos roles sin sentido.

Ahora, después de una película como “Heat” en donde por más de tres horas se coqueteo con el deseo de verlos juntos en pantalla (que a fin de cuenta fueron menos de 10 minutos), el verlo constantemente en “Righteous Kill” era un deseo forzado de tenerlos interactuando durante gran parte de la película.

Y continuando con la película de Michael Mann (Heat, 1995); Avnet descaradamente trata de hacer una versión de ese enfrentamiento que tuvieron ambos hace ya 14 años pero se queda corto. En fin, para mi era una de las películas más esperadas del 2008, a pesar de todo lo que me decían yo creía en un buen producto, les aseguro que me equivoque.

Golden Globes 2008

2009-01-12T11:45:00.000-08:00

Dev Patel y Freida Pinto, protagonistas de la película "Slumdog Millionaire"

Considerados los segundos premios más importantes del mundo cinematográfico los Golden Globes fueron entregados ayer en donde el máximo galardón fue para “Slumdog Millionaire” de Danny Boyle que arrazó con 4 preseas.

Mi opinión de los Globos de Oro es otra, para mi no es más que un festín en donde solo quieren reunir la mayor cantidad de estrellas posibles y la legitimidad de sus premios se encuentra más en el mundo de la pantalla chica que en el del cine, nominaciones como las de Tom Cruise por “Tropic Thunder” y su repartición lo prueban.

Los ganadores:

Mejor Película de Drama

Slumdog Millionaire

Mejor actuación femenina Drama

Kate Winslet – Revolutionary Road

Mejor actuación masculina Drama

Mickey Rourke – The Wrestler

Mejor película – Musical y Comedia

Vicky Cristina Barcelona

Mejor actriz – Musical y Comedia

Sally Hawkings – Happy Go – Lucky

Mejor Actor – Musical o Comedia

Colin Farrel – In Bruges

Mejor Actriz secundaria

Kate Winslet – The Reader

Mejor actor secundario

Heath Ledger – The Dark Knight

Mejor Película animada

Wall-E

Mejor Película Extranjera

Waltz with Bashir (Israel)

Mejor Director

Danny Boyle - Slumdog Millionaire

Mejor Guíon

Slumdog Millionaire

Mejor Composición

Slumdog Millionaire

Mejor Canción

“The Wrestler” – Bruce Springsteen

Las preseas han hablado y las doradas presentan a “Slumdog Millionaire” como la definitiva mejor película del año, por mi parte, que no me llevó mucho de preseas el ejemplo está en mi Top Ten del 2007 donde las tres primeras fueron ignoradas por estas premiaciones.

“Slumdog…” no es una mala película, al contrario, es encantadora y tal vez el rol de Danny Boyle como director sea el premio más justificado pero de ahí a que sea la mejor película hay mucho trecho.

En espera de las nominaciones al Oscar, del Top Ten del 2008 (que esperemos no llegue tan tarde, todo depende del acceso a las películas) continúamos viendo películas. Por ahí vienen los “reviews” de “Tropa de Elite”, “Slumdog Millionaire”, “The Visitor” y otras más.

Speed Racer (2008)

2009-01-08T08:50:00.000-08:00

escrita y dirigda por los hermanos Wachowski

La sorpresa del año, ¿tal vez? Al igual que una crítica independiente las diferentes reseñas sobre esta entrega hicieron que me retuviera lo suficiente al nivel de no verla en la pantalla grande, sino esperar que llegara al DVD y luego de verla, me arrepiento gravemente de no haberla presenciado en una sala de cine.

Con una similaridad sorprendente (fuera de su colorido mundo digital) a los dibujos animados japoneses, el mundo que los Wachowski crearon para desarrollar la historia de Speed Racer no es uno más que fabuloso.

La película es entretenida, divertida, llena de acción y dentro de todo esto se encuentra el espacio para una buena dosis de drama bien utilizado y que al final de la historia cuenta con un cierre que será apreciado por todos los que se den cita ante tan maravillosa experiencia.

Los hermanos Wachowski lograron serles fiel a unos cartones animados que encantaron a millones de fanáticos alrededor del mundo. Esta entrega, no muy apreciada por la crítica en general, fue para mí la gran sorpresa del año (sentimiento que creía encontraría en “Iron Man”) su vistoso mundo digital (solo tres sets eran reales) sus actuaciones y su montaje hacen de “Speed Racer” una de las mejores adaptaciones antes hecha.

La verdad era de poco creer que Emile Hirsch decidiera hacer este tipo de película luego de su retrato de Christopher McCandless en “Into the Wild” pero en mi opinión le quedó más que bien. Los momentos cursis y de amor junto a la regularmente extraña Cristina Ricci son encantadores, al igual que escuchar a la Ricci decir: “Cool beans!!!”.

El ensamble de actores es excelente, la familia Racer no podía ser mejor, aunque la veterana Susan Sarandon como “Mom Racer” queda un poquito relegada, el complemento que le brinda John Goodman como “Pop Racer”, Paulie Litt como “Spritle” y la Ricci como “Trixie” es suficiente para crear una armonía entre los actores que es posible sentir durante los 135 minutos de la película.

"Go! Speed Go!"

Aunque la aparición de “Racer X” y la creencia de “Speed” de que ese es su hermano son ambas un poco apresuradas no se le puede criticar mucho a esta entrega que fue, como muy rara vez lo son las películas, un tiempo casi perfecto para su desarrollo. No le podemos pedir a una película como “Speed Racer” un director´s cut, es un blockbuster no una joya cinematográfica.

Empero, cierro mi anotación de esta película, no catalogándola como una de las mejores del año, para nada, pero si como la sorpresa del año y como una de las tantas películas que hubiese deseado presenciar en el cine. Por lo tanto el siguiente mensaje:

“Si usted tiene deseo de ver una película, véala, nosotros podemos tener un conocimiento sobre el mundo cinematográfico y usted puede depender de lo que digamos, pero el cine es una sorpresa y además es cuestión de gusto y yo encontré está película super divertida, bien realizada, muy colorida, en fin un gusto, serán pocas las críticas que digan lo mismo que la mía, créanme, pero yo la disfrute y la defiendo.”

Burn After Reading (2008)

2008-12-22T11:40:00.000-08:00

Escrita y dirigida por Joel y Ethan Coen

Cuando se habla de directores sin ningún tipo de perdida en los productos que entregan, uno de los primeros nombres que sale a relucir es el de los hermanos Coen.

Como dicen en la página web Filmcritics, si bien cuando los Coen no andan haciendo clásicos del filme (Raising Arizona, Fargo, No Country for Oldmen), comedias hilarantes y de pasa ratos (Intolerable Cruelty, el remake Ladykillers) andan sorprendiendo con historias que se nos quedan en el subconsciente como la presente.

“Burn After Reading” nos trae un satírica comedia que involucra a la CIA y el deseo de superación de unos cuantos perdedores en escena. Con una muy inteligente manera de narrar una historia, partida desde algo sin sentido alguno, los Coen entregan una de las mejores producciones del año (mención especial realmente en este blog, aunque no dudo que haga la lista de top 10 para diferentes críticos).

"What the fuck...?"

Las actuaciones son memorables, los Coen nos brindan a unos irreconocibles George Clooney y Brad Pitt en unos papeles hilarantes y ricos; Richard Jenkins y J.K. Simmons le dan un toque clásico a la historia y a Malcovich lo vemos un poco a lo “Cyrus the Virus” en “Con Air”.

Pero su parte más importante cae en tal vez la principal musa de los Coen, Frances McDormand que vuelve, con mucho encanto, a destacar un rol presentado especialmente para ella.

Después de acaparar premiaciones por el rol de Marge Gunderson en la aclamada “Fargo”, el rol de una parlanchina mujer que atiende un gimnasio y esta convencida de que una cirugía estética arreglará su vida social es uno para el recuerdo.

“Burn After Reading” no es la mejor película de los Coen, es prácticamente una película en donde los Coen no se esforzaron mucho. Una historia simple, unos personajes un tanto complicados pero muy divertidos y en donde nunca existe un “plot twsit”, es donde pasa todo sin pena y sin gloria, pero es precisamente el personaje de Simmons, como cabecera de la CIA, que le da ese “punch” que la película necesita para tener “closure”. En fin, es como se diría, termina como comienza; haría cualquiera recordar muchos de los capítulos de la serie “Seindfield” donde la complicación de la trama no es más que la absoluta nada.

No sería sorpresa encontrarse con nominaciones a guión y para el rol de Frances Mcdormand, más nominaciones de allí me parecería un poquito sobrevaluada. “Burn After Reading” es sin lugar a dudas uno de los gratos recuerdos que nos quedarán de este 2008.

"He hit me"

Quantum of Solace (2008)

2008-12-15T17:11:00.000-08:00

dirigida por Marc Forster

Deja vu all over again? Desgraciadamente, sí. Por segunda vez consecutiva, el esfuerzo de Martin Campbell por renovar una saga de su descenso vuelve a ser diezmado una entrega después.

De la misma forma que pasó en 1997 cuando “Tomorrow never dies” llegó para desbaratar el trabajo hecho por Campbell, ahora Forster hace lo mismo con “Quantum of Solace”.

La película parte de un débil guión en donde lo único que le importaba a los productores probablemente eran las escenas de acción, presentes de principio a fin en la entrega, pero que ni siquiera estas llenaron las expectativas por el terrible manejo e inexperiencia en esos temas de su director.

Desde su escena inicial, una persecución en donde en varias ocasiones pierdes el foco de cual carro es que maneja Bond, uno se da cuenta por el camino que “Quantum” va dirigido.

Si algo fue Quantum fue unos cuantos pasos atrás, en “Casino Royale” vimos un Bond diferente, un inexperto “00” que vimos crecer poco a poco en cada minuto en pantalla hasta convertirse en posiblemente el mejor Bond de la saga pero en Quantum nos llega un Daniel Craig completamente adverso, errante y diez mil veces más tosco, probablemente el Craig que todos los saboteadores de esta nueva saga esperaban, aquel que pudieran destruir sin piedad. Créanme, después de “Quantum of Solace” el no necesita ayuda.

Esto, definitivamente fue todo menos una película Bond.

En esta nueva entrega se ve lo mucho que ha impactado el éxito de la saga “Bourne” en las películas de acción. Este año, no solo esta entrega sino también “Taken” protagonizada por Liam Neeson han imitado las actitudes del agente con amnesia, pero ninguno han podido comparársele.

Lo de Quantum es un intento tan poco trabajado que se ve la necesidad desde en los inicios recurrir a asemejarse a Casino Royale. El preludio con inicio acelerado y la persecución luego de las notas musicales de “Another way to die” canción de Jack White y Alicia Keys que al igual que la película en la que es presentada se queda por debajo de “You know my name” de Chris Cornell que adornaba “Casino Royale”.

Pero continuando a lo que nos compete, el Bond de Daniel Craig no es ni sombra de lo que fue en “Casino Royale” aquí vemos a un personaje típico de Schwarzenegger en “Commando” que es mucho decir. El Bond de “Quantum” no es más que un superhombre aburrido del montón de películas de acción mediocres que llegamos a conocer a finales de los 80 y principios de los 90, solo que con mejores efectos y mucho más acción.

Sin embargo, pena da el villano de esta entrega. Mathieu Almaric (conocido por su rol en “Le schapandre et le Pabillon”), este magnate corporativo no es más que un simplón, aburrido e inerte personaje que hunde más esta trillada película.

Y la codicia de Greene (el personaje de Almaric) el ¿agua? “what the f****”, si bien es el tesoro más preciado del mundo, “sin agua no hay vida” y “yata yata” esto no es “Flow: For the love of water” o “Chinatown” esto es James “freaking” Bond. La verdad es que es una sorpresa y una ironía que el mismo trío que escribió “Casino Royale” haya escrito esto. Al parecer mientras más dinero, menos interés.

¿Y la chica Bond? Es mejor ni tocar ese tema, solo basta decir que Olga Kurylenko fracasó en dos ocasiones su intento de “femme fatale”, su presencia aquí y en Max Payne fue igual de nula.

En su afán de crear un Bond más a fin a la realidad y a nuestros tiempos han procurado hacer un Bond que es lo más ajeno posible al personaje, la película es tan “mala” (así sin análisis profundo ni nada, o sea, mala) que incluso el preludio de la misma es un desastre, algo que ha funcionado en cada una de las 21 entregas anteriores, algo que por lo menos anima a la audiencia hasta eso en esta entrega falla y cuando las notas musicales del tema principal de la película suenan ya estas predeterminado aguantar los más de 90 minutos restantes en un estado de defensa.

Esperemos que la tercera entrega que encarne el “rubio” de Craig venga con un verdadero progreso al Bond de Casino Royale y bastante ajeno al Bond de “Quantum” (que es la SPECTRE del siglo XXI) y este héroe pueda volver hacer mucho más que un capricho para los fanáticos de la saga.

Aquí les dejo las dos canciones de Casino Royale y de Quantum of Solace:

Blindness (2008)

2008-12-10T09:03:00.000-08:00

dirigido por Fernando Meirelles

Desde 1997, Fernando Meirelles buscaba conseguir los derechos de la obra “Ensayo sobre la ceguera” de José Saramago y fue luego de una tal “Cidade de Deus” y “The Constant Gardener” que diez años después consiguió los derechos y comenzó el rodaje de lo que sería una de las mejores entregas del 2008.

Meirelles y el cinematógrafo Cesar Charlone se encargan de visualmente proporcionar un ambiente que en ocasiones parece sacado de las imaginaciones de los miles lectores del libro (única anotación que voy hacer sobre la magistral obra de Saramago) y nos entrega un mundo caótico muy bien narrado y acompañado de una fotografía y unas difusiones a blanco que en vez de cansar crean tensión y espera entre la audiencia.

La historia sigue la extraña plaga de una “ceguera blanca” que va copando a todos los pobladores de una ciudad desconocida. Por miedo de propagación, los primeros infectados son encerrados en cuarentena.

El realizador brasileño pierde poco tiempo en aprovechar el adaptado guión de Don Mckellar, quién contaba con haber escrito el disparataje de “Childstar”, para crear un mundo apocalíptico lleno de ciegos en donde solo una persona puede ver.

Las personificación de cada uno de los personajes creado por el escritor portugués es asimilable y pasable, el talento de Mark Ruffalo no se puede negar, pero en ocasiones se perdía, al igual que muchos del grupo, en su interpretación de ciego, pero los roles de peronalidades como Alice Braga, una muchacha brasilera muy gestual y preciosa, y el mexicano Gael García Bernal son capaces de cargar con parte importante de la película.

"The only thing more terrifying than blindness is being the only one who can see"

Por su lado, Julianne Moore, en su rol de protagonista y de ser la única mujer que puede ver y es testigo de las atrocidades a las que puede llegar el ser humano por necesidad no se nota tan fuerte. Su rol es en ocasiones opacado por los demás, algo que no debió suceder.

(…) En mi opinión, desde un principio cuando se hizo el casting y Moore salió elegida para este rol yo quedé decepcionado, para mi, Moore no tenía la fuerza para interpretar un personaje tan representativo de la obra de Saramago y con la cual, yo como lector, había entablado una relación muy especial. En pocas palabras, este puede ser el acercamiento más subjetivo de toda está crítica a la película (…)

Sin embargo, los verdaderos protagonistas son su director y cinematógrafo. Las difusiones a blanco son utilizadas poéticamente; el sentido de darle a la audiencia la sensación de la “ceguera blanca” hace que uno se identifique más con los personajes, que por su parte están bien elaborados para una entrega que tenía su toque de “thriller” a medida que iba pasando el tiempo.

A la parte final se le siente un poco apresurada, a lo mejor por la edición de “corte comercial” (esperemos que el DVD venga con algún director´s cut) y la relación afectuosa entre Braga y Danny Glover (que quedó un poco rezagado para un personaje tan relevante) no se le dio el crecimiento suficiente para desarrollar ese afecto que sienten uno con el otro en los momentos finales de la película.

Si bien “Blindness” es una visión cinematográfica de la alegoría de Saramago, son muchas las cosas que Meirelles mantiene literalmente correcta. La representación del lugar de cuarentena; las negociaciones con los maleantes, dirigidos por el personaje de García Bernal; la ausencia de nombres para cada uno de ellos; todo es una prueba viviente de que es posible adaptar una novela de tanto peso internacional como lo es “Ensayo de la Ceguera”.

Esta todo tan bien realizado que incluso la escena final es literalmente exacta a como la describe Saramago: “Luego alzó la cabeza al cielo y lo vio todo blanco, Ahora me toca a mí, pensó. El miedo súbito le hizo bajar los ojos. La ciudad aún estaba allí. ” Escena realizada con brillantez como un “point of view” (punto de vista) desde el personaje de Moore para así cerrar la película.

Max Payne

2008-12-05T09:20:00.001-08:00

dirigida por John Moore

Las adaptaciones cinematográficas de videojuegos tienden a ser un fracaso porque regularmente los realizadores se inspiran en juegos con una gran aceptación dentro de los fanáticos de las consolas. Está última entrega no es la diferencia.

Partiendo de un guión espantoso en donde mezcla pequeñas cosas de las dos partes de videojuegos de consola y le agrega un “twist” de una droga que hace supuestamente invencibles y les da alucinaciones sobre ángeles de la muerte (que termina siendo eje central de la historia ) a quienes la toma; el personaje de Payne se encuentra con algo que nadie creía posible, su descalabro total.

Mark Walhberg, tal vez el mejor actor de acción del momento, no llega ni a la sombra del heroe incomprendido de Max Payne aunque no se le puede culpar del todo al actor norteamericano sino a la opera prima de guión que escribiera Beau Thorne, un nefasto intento de adaptar la creación maestra de Sam Lake.

Thorne no se lleva toda la culpa después de todo, en toda entrega siempre hay algo que salvar, pero aquí a penas se encuentra una sola cosa. Las escenas de acción no funcionan para nada, los parlamentos son terribles, los recuerdos horribles, a Payne no se le ve la intensidad ni el dolor que se nota en el videojuego de Lake.

La solitaria escena que se podemos decir fue buena, es en la que Payne es atacado en su departamento que al igual que en el juego, cada vez que Payne recibe un golpe hay un destello de rojo en la pantalla completa, algo que a su realizador John Moore se le olvido por completo en el resto de la película.

Si bien adaptar grandes novelas es complicado, adaptar un videojuego tan famoso y querido como Max Payne debe ser aún más duro. El público es mucho más crítico porque se trata de un personaje y una historia a la que uno le dedica horas y horas por varios meses, tal vez esta es la razón por la que no existe una adaptación decente de un videojuego, aunque para mi la adaptación de Hitman fue una muy buena.

Esta entrega de lo que me dio deseo fue de volver a realquilar el juego para recordarme que Max Payne no es el desubicado, bien vestido y falso interpretado por Waklberg sino el rompecabezas, trastornado y violento detective sacado de la misma imagen de su creador Sam Lake y de la voz profunda de James McCaffrey.

A lo mejor, Frank Miller (créanlo o no) pudo haber hecho un mejor trabajo con este videojuego con dotes de novela gráfica que esta dupla de Thorne y Moore (que tiene buenas películas de acción como “Behind Enema Lines” y “Flight of the Phoenix”) que no funciona para nada.

Nights in Rodanthe

2008-11-06T18:00:00.000-08:00

dirigida por George C. Wolfe

Debe ser increíble saber que tu primer largometraje ser protagonizado por el par de Diane Lane y Richard Gere y que además es la adaptación de una novela de Nicholas Sparks (escritor de novelas llevadas: A walk to remember, Message in a bottle y The Notebook) pero es un éxito asegurado, bueno no.

George C. Wolfe, director de largometrajes y proyectos televisivos, hace el brinco al cine con la nueva adaptación del escritor de novela romántica Sparks "Nights in Rodanthe" que trae de encuentro a dos personas que tienen mucha chispa en situaciones cinematográficas amorosas Lane y Gere (anteriormente trabajaron juntos en Unfaithfull) y los pone en un lugar totalmente paradisiaco.

"Rodanthe"

En un hotel donde no hay más que playa alrededor, Adrienne Willis (Lane) atiende el local de su mejor amiga que le notifica que por el fin de semana solo recibirá un solo cliente, el doctor Paul Flanner (Gere) que va en busca de enfrentar unos demonios propios mientras Adrienne busca escapar de su vida familiar y de su esposo infiel.

El mundo está más que resuelto para ambos bandos, todos sabemos lo que va a pasar, pero queremos saber como fue tratado ese camino conocido por el autor Sparks y sobre todo por el realizador Wolfe.

Tomando en cuenta que está más que claro que el largometraje será totalmente de la relación de estos dos personajes, de repente nos encontramos pensando en las joyitas "Before Sunrise" y "Before Sunset" en donde Ethan Hawke y Julie Delpy son capaces de cargar con la película solo conversando y caminando. Pero aquí no pasa nada de esto.

Las historias de Sparks son todas cursis, flojas en muchos momentos y encima de todo su "punch line" siempre es una tragedia, parece que de esta forma, a traves de uno de los dos quiere destacar el amor verdadero, o sea, el que siente él que se queda desolado. Pero fuera de la novela, Wolfe no hace un mal trabajo, solo que tampoco sabe aprovechar la belleza de su locación y en ocasiones sus personajes y ambientes se ven forzados a estar dentro de cámara y hacen que el público le pierda brevemente el interés.

Musicalmente es otra cosa. Con canciones de Dinah Washington y Count Basie más las composiciones para los momentos emotivos le dan a "Rodanthe" un toquecito exquisito, que te permite disfrutar de minutos encantandores que te hacen recordar lo rico que es una compañia y de la química que pueden tener en ocasiones Gere y Lane con quién sea.

De la entrega es imposible no disfrutar la buena presentación del hotel, que aparece desde una tormenta de arena bien realizada como por arte de magia y también la escena de amor que con buenas disoluciones (aunque llegan a cansar) hacen los cambios entre el personaje de Lane y el de Gere; de seguro el editor Brian Kates quiso imitar una escena de la excelente Cidade de Deus.

La película es buena para estar acurrucadito con alguien, para a quien le gusta botar algunas lágrimas y para cogerle amor a las cartas escritas.

Mamma Mia!

2008-11-06T06:55:00.000-08:00

dirigida por Phyllida Lloyd

Algo está pasando en el cine, para estos años vuelven en cantidades las adaptaciones de trabajos literarios y reediciones de otros géneros porque parece que nadie tiene una idea nueva que contar.

En el caso de “Mama Mia”, la película esta basada en un musical de Catherine Johnson inspirados por los éxitos de la banda sueca ABBA. Johnson sirve también como guionista para la adaptación cinematográfica.

De la película no hay mucho que decir, a pesar de su “all-star cast” (Pierce Brosnan, Meryl Streep, Stellan Skarsgard), porque que se puede decir de una historia romántica tan simplona y cursi que es la perfecta historieta fresa para pasar el rato, declarado que de no ser por las canciones de ABBA la película sería un desastre, o sea que el millar de personas que no son fanáticos o que no conocen el grupo oriundo de “Sweden” (Chiquitita dime ¿por qué?) se revolcaran en sus asientos o simplemente no se molestarán por la opera prima de Phyllida Lloyd.

La mejor descripción de la película fue brindad por FilmCritics en donde la describen como “the worst-directed “good” movie ever” o sea la mejor “buena” película con la peor dirección y es que los fallos garrafales detrás de cámara de la novel Lloyd son imposibles de dejar pasar.

Da pena que en una locación tan rica y hermosa como lo es una isla de Grecia, la cinematografía, fotografía y dirección sean tan mediocres y ni hablar de la edición que daña lo poco que podría salvarse de los números musicales, ¡tomas de apoyo Phyllida!.

"S.O.S."

Sin embargo, el encanto siempre en pantalla de Meryl Streep y la joven beldad Amanda Seyfried y uno que otros momentitos de simpatía y dulzura hacen al más recién musical anglosajón, pasable.

Si no se puede volver al pasado, a las joyas de musicales, que Baz Luhrman me traiga otro Moulin Rouge!, se lo ruego.

En buen dominicano: “La vaina fue que a mi como que me gustó”

Another way to die

2008-11-05T19:05:00.000-08:00

En víspera de la llegada de la vigésimo segundapelícula de James Bond "Quamtun of Solace" (por la cual el público dominicano tendrá que esperar más tiempo) les traigo el video de la banda sonora de la película.

Siempre los temas de las películas de James Bond son representantivos e inclusos más relevantes que los temas musicales de cualquier otra película, además esta es la primera vez que un dúo interpreta la canción del tema principal de una película de Bond.

En esta ocasión es Alicia Keys y Jack White (White Stripes) que interpretan la canción "Another way to die" escrita y producida por White que además de tocar la guitarra se encarga de la batería.

!Que lo disfruten!

Vier minuten (Alemania, 2006)

2008-10-29T12:36:00.000-07:00

escrita y dirigida por Chris Kraus

En el cine ya todo se ha hecho, todas las historias se han contado y cada película que vemos en alguna ocasión nos da el sentimiento de “Deja vu”. Así que ¿qué se puede hacer para captar la audiencia? “fácil” saber contar la historia.

A lo largo del cine se ha narrado la historia de un adulto con pasado tratando de reformar un joven rebelde con talento, “Vier minuten” es exactamente esta historia.

Ganadora de mejor música en la muestra de cine de este año, la obra de Chris Krauss es exactamente eso, una obra maestra musicalmente en donde la banda sonora es tan rica como las obras compuestas para una historia en donde dos genias del piano se enfrentan.

Y es precisamente cuatro minutos (el significado de Vier Minuten en español) lo que necesitamos para que está película nos cautive. Con una cercanía de dos horas de una historia muy bien contada no dejamos de presenciar lo mismo que hemos visto en otra obra, el progreso de la estudiante y de la maestra, pero es la pieza final que la estudiante, con una reverencia, dedica a la maestra en los últimos cuatro minutos de la película.

Jenny (Hanna Herzprung) en una de las escenas reveladoras y datan la película de predecible hace recordar a “The Pianist” de Roman Polanski en donde el personaje de Adrien Brody sin tocar el piano que tiene al frente hace los gestos de estar tocando la tonada que de fondo escuchamos.

El dueto de Herzprung como la estudiante rebelde y Monica Bleibtreu como la maestra de un oscuro secreto es uno de los mejores que he visto en este tipo de historia y sin lugar a duda “Vier Minuten” fue una de las mejores películas que pude presenciar en la sala de cine.

Con esta concluimos el repaso de la X Muestra Internacional de Cine en donde quedé cautivado por la argentina XXY, las alemanas Wer früher stirbt ist länger tot y Hanami; y por supuesto la mexicana Luz Silenciosa, considerada para muchos la mejor de la muestra.

“Septiembres” de Carlos Bosch ocupa un lugar especial, luego comentaré sobre este documental y muchas cosas que aprendí durante un seminario de dos días con el director catalán.

Para una mejor reseña sobre la muestra pasar por aquí.

Nevando voy (España, 2008)

2008-10-29T10:51:00.000-07:00

Escrita y dirigida por Candela Figueira y Maitena Muruzabal

Si alguien tenía la duda de que si era posible o no representar la rutina en una película y no aburrir a la audiencia “Nevando voy” da la cara y grita que si es posible.

Aunque como rutinaria y reiterativa que se vuelve la película, y que a mi opinión no era para un largometraje (más para un mediometraje), empero, Candela Figueira y Maitena Muruzabal logran hacer una buena entrega independiente que a pesar de “cursi” es una película que la disfrutamos todos.

Centrada en una fría empacadora de cadenas para neumáticos, 4 empleados conviven de la misma manera que el tiempo atmosférico hasta que la joven Angela (una hermosa Laura de Pedro) rompe el mundo rutinario y convierte el trabajo en una ruleta rusa que convierte a los desconocidos en mejores amigos.

“Nevando voy” es un buen ejemplo del cine narrativo sencillo y de bajo presupuesto, la entrega cinematográfica española, coordinada por el dueto Figueira y Muruzal es un primer experimento que vale la pena tomar en cuenta.

Ambas directoras, dominaron bastante la creación de sus cuatros actores principales, y la reiteración de imágenes (ejemplificando la rutina) a larga le funcionó para la evolución de los personajes.

Vale notar (claro como soy hombre) la presencia de la beldad española Laura de Pedro, que como muchos roles importantes, su ausencia en la pantalla nos hace falta pero cada vez que su rostro y su cuerpo aparecen (que fue el detonante para sacar de la rutina a los compañeros) nos llega como aire fresco. Las actuaciones son buenas no se equivoquen.

Esta pequeña producción es un ejemplo de lo mucho que se puede hacer cuando se tiene un buen concepto de narrar una historia, ambas directoras manejaron de forma excelente lo que querían contar de principio a fin.

Famila Tortuga (México, 2006)

2008-10-27T08:52:00.001-07:00

escrita y dirigida por Rubén Imaz

En México las producciones independientes tienden a ser muy ricas narrativamente, pero lamentablemente no es el caso de Familia Tortuga.

Partiendo de que solo sabemos que la madre y esposa de una familia ha fallecido y está familia se encuentra en una crisis económica en víspera del ¿aniversario? de la muerte de la progenitora comenzamos a observar pausadamente esta Opera Prima mexicana.

Ruben Imaz consigue mostrarnos algo muy real, los conflictos entre los integrantes de la familia son muy buenos, no tan preparados para pantalla como se pueden observar en otras entregas cinematográficas, pero más nada, Imaz no aprovecha su buen trato con sus actores para conseguir narrar la historia que quiere.

En un solo día “eterno” conocemos los dilemas de una chica con su novio, dealer y consumidor de drogas igual que ella, que claramente no está solamente con ella; vemos las dudas de un joven tímido y misterioso; un tío muy entrado en edad preocupado por sus tortugas y un padre claramente preocupado por el bienestar de su familia.

Ahora bien, la crisis que viven no la conocemos del todo, situaciones claves para la audiencia como lo que ha quedado después de la muerte de la madre no se no es claro y hace que uno se pierda en la actitud incoherente, principalmente de la hija.

Al parecer a Imaz le faltó entender que para la audiencia no basta exponer una clara crisis familiar, tan bien expuesta como lo hizo, si uno no tiene un conocimiento del ¿porque?, o sea, uno admira la puesta en escena pero al final le parece a uno vacía y sin sentido.

Lo bueno: es que como director, Imaz puede llegar a presentar alguna joyita independiente en el futuro.

Lo malo: que tan buen retrato de una crisis familiar a lo largo de la película se pierda.

Darling (2007, Suecia)

2008-10-27T08:44:00.000-07:00

escrita y dirigida por Johan Kling

Con la evolución del mundo y la denominada globalización, ya las generaciones se hacen diferentes con tan solo pocos años de diferencia, oí decir en un momento que quién duerme un año se despierta en un mundo desconocido y como va el mundo esto es más que una realidad.

En el caso de "Darling", la diferencia de edad entre los dos protagonistas son la clásica diferencia de generaciones: por un lado tenemos al hombre mayor que ha obtenido todo mediante el sudor de su frente y que su situación actual lo obliga a salir del retiro para poder subsistir y del otro lado tenemos a la chica mantenida que no sabe lo que quiere y que está acostumbrada a no hacer mucho esfuerzo para vivir.

Eva, es hermosa pero claramente infeliz. Su vida gira a una rutinaria nocturna en ambientes banales. Bernhard es un pensionado ingeniero que busca desesperadamente un trabajo para mantener la alzada renta de su casa en la que se ha quedado solo luego de su divorcio.

El giro de la vida lujosa de Eva viene cuando su madre decide mudarse con su novio rico fuera de Estocolmo, lo que la deja a ella en un piso de soltera y todas sus responsabilidades a lo que cómicamente ella responde “el dinero no me da, después que compró ropas y accesorios no tengo para pagar el piso y ya tengo cuatro meses de atraso”.

En “Darling” ambas situaciones de nuestros protagonistas llegan a un encuentro en uno de los McDonalds de la ciudad, en donde Eva busca completar los meses necesarios para recibir un sueldo de desempleo y Bernhard lo suficiente para vivir aunque sea en un ventorrillo.

Con muy buenas actuaciones de sus dos protagonistas, “Darling” oculta un poco las fallas en dirección por parte de Johan Kling pero no escapa que la película se convierta en peso muerto sobre la audiencia.

A pesar de que cuenta una historia interesante, transiciones largas como disoluciones a negros frecuentes hacen ver que la película de 93 minutos de duración parezca de cuatro horas.

Empero, como crítica a la sociedad actual “Darling” hace un buen trabajo. La representación de una sociedad juvenil pedante y la de la realidad de las personas adultas cuando todos sus años de trabajo no le han servido de nada es algo para tomar en cuenta cuando uno sale de la sala de cine.

Wer früher stirbt ist länger tot / Decisiones de ultratumba (Alemania, 2006)

2008-10-08T12:07:00.000-07:00

escrita y dirigida por Marcus H. Rosenmüller

¿Puede un niño tenerle miedo al purgatorio y encima convencerse de ser un asesinato y de que tiene que enmendar las cosas? Estos son los problemas de Sebastián, un niño que un día descubre que su madre murió el día de su nacimiento y que su hermano le hizo creer que fue él quién la mato.

En "Wer früher stirbt ist länger tot" encontramos la comedia riquisíma que los alemanes saben realizar, ¿alguien recuerda la comedia/musical “Der Schuh des Manitu”?, bueno pues está es una de las mejores comedias que he visto.

Sebastián es a lo mejor el chico criado en el infierno, sus maldades son tanto increíbles como imperdonables, en la película podemos ver como las enumeran en sus sueños de juicio final y en sus declaraciones por radio en vivo, pero es su resolución conseguirle una nueva pareja a su padre y convertirse en una estrella de rock como John Ferdinand Woodstock, Jimi Hendrix, Elvis Presley o Kurt Cobain y de está forma evitar el purgatorio.

Lo primero que se destaca de esta entrega es el brillante guión que tiene y luego la excelente actuación de Marcus Krojer como Sebastián Schneider, que a pesar de conocer todas sus malcriadezas y presenciar una de ellas en uno de los primeros actos de la película, se gana el amor cada vez más mientras pasan los minutos de la película.

La familia Schneider

Partiendo de una familia disfuncional, o sea, un padre que desde la muerte de su esposa habla poco y menos se ríe, un hermano obsesionados con los animales que cuidan y Sebastián que no ve la hora de hacer otra de sus fechorías “Wer früher stirbt ist länger tot” es una entrega que todo el mundo sabrá apreciar.

Las transiciones son tan buenas y adecuadas que la película nunca pierde su ritmo, aunque algunos problemas de cinematografía son claros en cuanto a enfoque y desenfoque son obviados por la perfección de todo lo demás.

De manera disfrazada tocando las sendas del destino “Wer früher stirbt ist länger tot” tiene, fuera de Sebastián, una comedia romántica del lado del padre que como tal se nos hace predecible pero la conclusión es tan encantadora que uno la disfruta, nada de que me enamoré a primera vista ni de estamos destinados uno con otro, si no que la entrega se mantiene fiel a los deseos del pequeño de librarse del purgatorio que un pequeño conjuro infantil resuelve el problema de soledad de su padre.

En fin, esta obra “perfecta”, escrita y dirigida por Marcus H. Rosenmüller es una de las mejores que he visto este año, y de haberla visto en el año de su difusión (2006) hubiese estado en mi lista de las mejores para ese año.

Perro come perro (Colombia, 2008)

2008-10-07T12:43:00.001-07:00

co-escrita y dirigida por Carlos Moreno

De primera orden tengo que decirlo, Colombia no es una buena industria cinematográfica y al creer que “Perro con perro” sería la excepción, me equivoque rotundamente.

Está última entrega, vanagloriada y seleccionada para representar a Colombia en los premios Oscar (buena suerte), me hizo recordar aquellas visitas tortuosas visitas que hice a la Cinemateca durante la Feria del Libro de 2007 dedicada al territorio colombiano.

“No hay peor experiencia cinematográfica que varias películas malas en la Cinemateca”.

Lo primero es que el prologo de la película no dice nada, y encima ya tenía uno o dos minutos cuando entre en la sala, pero es lo mejor de la entrega (¿que raro no?) para luego dar cabida a unos créditos dignos de una serie de televisión.

"El orejón" (Blas Jaramillo) en una de las escenas de la película

Con un guión trillado hasta en “español colombiano” pasamos a actuaciones exageradas, en especial la de Blas Jaramillo como “El orejón” un villano que además de que no es orejón no influye temor, y amenaza con desatar risa pero ni eso solo un ¿y ete tiguere? se le puede dedicar.

Lo irónico de Perro come perro, es que en los créditos, uno de los cuerpos técnicos es descrito como “encargado de cinematografía y steadycam” y lo menos que hay allí es “steady” el temblor de los handhelds y las tomas de movimientos no es en ningún momento artístico o entretenido, es simplemente una técnica mal utilizada y en exceso.

A fin de cuentas, tenemos un personaje que se nos hace relevante al principio y luego lo desaparecen con un simple “parece que le dio un infarto al pobre Don Pablo”. Esto, más “plots” extras que nada aportan y no se desarrollan en lo más mínimo para ayudar a la película, aunque uno de estos da risa, le da a uno un trago amargo que en los minutos finales no encuentra la forma de hallar el fondo.

“Perro come perro” no es el debut cinematográfico del que Carlos Moreno debiera sentirse orgulloso a pesar del “bombo” que anda recibiendo, pero si logró captar varias escenas, la fotografía y la colorización en ocasiones era magistral, que le dejan entre dicho a uno que Moreno puede tener un largometraje de calidad en el futuro.

XXY (Argentina, 2007)

2008-10-07T09:48:00.000-07:00

escrita y dirigida por Lucia Puenzo

Si uno creía que era difícil realizar y presenciar una narración audiovisual que tratará sobre la sexualidad adolescente, imagínate una que tratara sobre esto pero con una historia mucho más delicada.

Basada en el cuento “Cinismo” de Sergio Bizzio, Lucía Puenzo, veterana guionista y ahora primeriza directora, narra la historia de una adolescente de 15 años que esconde el secreto de la masculinidad entre sus piernas.

XXY es sin duda alguna una película que uno hubiera preferido no saber nada de ella en el momento en que entra a la sala de cine pero para poder lograr esto es obligatorio también omitir el título de la misma.

XXY es conocido como el Síndrome de Klinefelter o ambigüedad de sexo. Los hombres tenemos los cromosomas XY y las mujeres XX, en este síndrome se presentan ambos XXY y estas personas contienen rasgos de ambos sexo.

Ahora en XXY (la película) Puenzo destaca un buen conocimiento en el uso de los primeros planos y de explotar al máximo las expresiones de sus actores.

Inés Efron (Alex) y Ricardo Darín (Kraken)

A la clara calidad cinematográfica de la realizadora argentina se le agrega el buen guión que no deja que la historia se caiga en ningún momento y las excelsas actuaciones del reparto argentino. Destacando al veterano y siempre ejemplar Ricardo Darín.

Empero, es la actuación de Inés Efron (Alex) como la joven “hermafrodita” que logra captar a la audiencia. Ese atrevimiento e independencia adolescente mezclado con la dulzura y el pesar de su existencia son personificados por una Efron que merece todos los reconocimientos que junto a ella a ganado la película.

XXY ha recibido el Gran Premio de la Semana de la Crítica en Cannes 2007, mejor película extranjera de habla hispana en los Premios Goya 2007 y de seguro será una de las contendientes fuertes para la sección de Opera Prima de nuestra Muestra Internacional de Cine de Santo Domingo.

Hanami (2008)

2008-10-02T08:53:00.000-07:00

escrita y dirigda por Doris Dorrie

"Now, we´re two cabbage rolls"

La Muestra Internacional de Cine de Santo Domingo siempre trae entregas frescas y alejadas de lo que cotidianamente recibimos en la pantalla grande. Este año, como los anteriores, la Muestra promete mucho y su película de apertura “Hanami” es prueba de ello.

Doris Dorrie, la veterana escritora y directora alemana, viene a demostrar porque es una de las favoritas en los diferentes festivales mundiales, y su historia de cómo lidiar con la muerte de un ser querido es tremendo éxito.

En “Hanami”, Dorrie narra la historia de un envejeciente que pierde a su compañera de vida y se ve en un proceso de experimentar todo lo que su amada esposa adoraba en vida.

Partiendo de una historia similar pero mejorada de “About Schmidt”; Rudi Angermier es un sesenta añero rutinario que decide ver otro lado de la vida cuando su compañera Trudi muere de una enfermedad en su cama.

(…) Vale destacar que Hanami es: es la tradición japonesa de observar la belleza de las flores, pero por lo general se asocia esta palabra al período en que florecen los cerezos y en el que los japoneses acuden en masa a parquez y jardines a contemplar los cerezos en flor. De finales de Marzo a principios de Abril, los cerezos florecen por todo Japón, de sur a norte acorde a los distintos climas existentes en las diversas regiones. (…) gracias Wikipedia.

Rudi viaja a Japón para visitar a su hijo menor Karl y realizar un viaje que su esposa toda su vida anheló. A principios de este viaje “Hanami” no transporta a una porción de la historia que nos recordaría a “Lost in translation” de Sofia Coppola, pero nada que ver.

En esta genial entrega alemana, Dorrie describe como un hombre lidia con la pérdida de su amada, armándose de valor y buscando conocer del todo a la persona que por tantos años estuvo a su lado.

El excelente guión supera una deficiente edición, en donde el uso de tomas de transición era excesivo y torno la película larga y en momentos sonsa. Incluso al principio, uno pudiera confundirse hasta el punto de perder la noción de quién es realmente que importa en esta historia.

Lo que si logra “Hanami” es mostrarnos un Japón más espiritual y más encantador que lo que pudo mostrarnos Coppola en su película. Los cerezos y el Butoh (danza de la oscuridad japonesa) son piezas claves de la belleza que experimenta el héroe de la película.

Es bueno ver cine diferente por esta media isla, siga esperando más reseñitas tanto de las buenas como de las malas entregas que yo presencie en la Muestra de este año.

Tropic Thunder

2008-10-01T06:20:00.000-07:00

co-escrita y dirigda por Ben Stiller

Lo que siempre se puede esperar de una película con Ben Stiller (sea como actor, director o ambas) es que la entrega será una perfecta excusa para quedarse frente a la tele disfrutando de lo que eventualmente será un “guilty pleasure” o una peli de culto. “Thunder” es esto y más.

“Tropic Thunder” es la quinta película dirigida por Ben Stiller. Stiller ha dirigido otros proyectos destinados para televisión, pero sus trabajos más conocidos para la pantalla grande han sido “The Cable Guy” (1996), “Zoolander” (2001) y está última.

Stiller, en este 2008, ha superado por muchos sus antiguas películas, haciendo de Tropic Thunder su mejor trabajo detrás de cámara pero, y aquí pierdo la objetividad, Thunder para mí no tiene el “freakish” (si me permiten el termino) de las dos anteriores.

No me malinterpreten, “Tropic Thunder” es una sátira genial que no solo se burla de las películas de guerra sino de toda la industria hollywoodense y lo irónico es que Thunder es una película hollywoodense.

La película no tiene nada que envidiarle a otras películas bélicas en su puesta en escena de la jungla, contiene un ávido e interesantísimo guión, pero lo único que se asemeja al mundo de Stiller son los personajes de Downey Jr. (un australiano que se somete a una cirugía facial para salir negro y que mantiene una personificación de un hombre de color) y el extenso cameo de Tom Cruise.

"Get Some"

En “Tropic Thunder” podemos encontrar todas las opciones de sátira que se han utilizado, Stiller sin duda alguna recurre a escenas memorables de películas como “Platoon” y “Apocalypse Now” para mofarse de ellas pero es el palabrerío de Downey Jr. el que carga con la película, en ocasiones uno no puede esperar oír que Downey abra la boca.

La película puede ser aclamado por los críticos y todo, y se lo merece, pero del mundo de Stiller yo sigo quedándome con las loqueras de “Cable Guy” y “Zoolander” (si lo dije y que) porque por favor no me digan ustedes que en algún punto de su existencia “The look” de Zoolander no los hizo reír.

Adiós a Paul Newman

2008-09-28T19:04:00.000-07:00

Ha muerto Paul Newman a sus 83 años y con el se va uno de los más grandes exponentes del cine en su historia.

Cinema Blender tiene un excelente homenaje a este grandioso actor, yo mientras, les dejo con lo que sería la última escena de su gloriosa carrera en el cine. "The Rain Scene", "Road to Perdition" (2002).

In Bruges

2008-09-20T13:04:00.000-07:00

"Shoot first, sightsee later"

Inteligente guión, excelente dirección y buenas actuaciones hacen de "In Bruges" una de las mejores películas de 2008.

Debutando como director de un largometraje Mcdonagh recurre a las técnicas narrativas que le dieron el éxito con su corto ganador del Oscar de 2005 "Six Shooter".

Además de la cinematografía brindada en una de las ciudades que grita ser una localidad de cine, las actuaciones de Brendan Gleeson, Colin Farrell y Ralph Fiennes son excelentes.

"In Bruges" trata sobre dos asesinos a sueldos que son enviados a Brujas, Belgica; hasta que reciban más información. Ken (Gleeson) espera poder disfrutar de la historia y de la belleza de la ciudad y Ray (Farrell) un asesino un tanto infantil lidia con un pesar de su último trabajo y lo desata con un exagerado odio hacia la ciudad de Brujas.

"Hide out here, in fucking Bruges"

En "In Bruges" Colin Farrel entrega su más divertida y espectacular actuación ayudado de su acento natal y de su compañero de escena Gleeson (que repite bajo el mando de Mcdonagh luego de actuar en Six Shooter) hacen de las puestas en escena de diálogos (una especialidad al parecer por parte de Mcdonagh) sean un ejemplo a seguir para los realizadores del futuro.

Sin embargo, Mcdonagh no explota tan hermosa ciudad (solo aparece un viajecito en bote en los "special features" del DVD) y uno se queda deseando haber disfrutado de más transiciones con vistazos espectaculares de esta fantástica ciudad.

Es imposible dejar de comparar esta entrega con la laureada "Ordinary decent criminal" en donde se ve a un excelente Kevin Spacey con un acento irlandes y donde también participa Colin Farrel y al igual que "In Bruges" son los diálogos entre los personajes que con tan entretenido inglés cargan con bastante de la película.

No se puede desestimar que viniendo de un realizador de cortos, la historia sea bastante adecuada para precisamente eso, pero Mcdonagh hace un buen trabajo volviendo la historia en un largometraje sin perder en ningún momento a la audiencia, y gracias que la hizo un largometraje a lo mejor si hace por nueva vez un corto me hubiera tardado los mismos cuatro años que me tomó encontrar "Six Shooter".

Es este tipo de conversaciones que han ayudado a Mcdonagh en su recién éxito tanto como realizador de cortometraje como recién realizador de largometraje. También fue está cultura de irlandeses que le dio finalmente el Oscar a Martin Scorsese en su remake "The Departed".

Actualmente Martin Macdonagh no se encuentra involucrado en ningún proyecto pero ya sabemos que es un excelente "stoy teller" y seguiremos sus huellas en espera de un nuevo proyecto que seguro nos encantará.

"Bruges, its in Belgium"

Six Shooter (cortometraje). 2004

2008-09-20T12:36:00.000-07:00

Escrito y dirigido por Martin Mcdonagh

El dolor por una perdida no pudo ser plasmado de mejor forma. En el corto ganador del Oscar en 2005 “Six Shooter” su escritor y director Martin Mcdonagh con un toque de gracia oscura entrega una obra maestra en el mundo de los cortometrajes.

Cuatro personas se unen en un tren camino a Dublín, Irlanda con algo en común, todos sufren la perdida de un ser querido pero todos lo expresan de la misma forma.

Donelly (un increíble Brendan Gleeson) lidia con el dolor de haber perdido su mujer la noche anterior de una forma pausada y tranquila; una pareja se ve totalmente frustrada y la tensión está al flote entre ellos; y un chico (Rúaidhrí Conroy), al frente de Donelly es el acompañante de viaje hecho en el infierno.

La ricura del corto, como la de todos los excepcionales, está en el guión y en la presentación de diálogos rápidos y geniales que el inglés irlandes y Mcdonagh saben crear. Conroy se roba totalmente la presencia en la pantalla y solo el cómico, trágico y tétrico (todo en uno) final supera el “witty talk” de este increíble personaje.

Mcdonagh, en tan solo 27 minutos, logra destacar el sentimiento de perdida en cuatro personalidades totalmente diferente y crear un ambiente de suspenso y espera digno de un largometraje, sin contar los diálogos, como comentaba antes, son lo máximo de esta puesta en escena.

"Im surprise mom´s and dad´s don´t kill their kids more often"

Star Wars: The Clone Wars

2008-09-19T08:06:00.001-07:00

dirigida por Dave Filoni

Parece que para George Lucas y todos nosotros es imposible olvidar o “let go” la famosa saga de una galaxia lejana.

Luego de que la fatídica trilogía de los episodios (fatídica comparada con la anterior) nos envolviera en el mundo de Star Wars una vez más a principios de siglo, ya casi en los 2010´s las guerras de la galaxias nos invade con una nueva historia y en un nuevo universo, la animación.

Empero, está no es la Guerra de las Galaxias que uno esperaba, ni lo fueron ninguna de sus tres entregas anteriores, “The Clone Wars” no le llega a nadie, una historia sin sentido, anunciada como los infomerciales de guerra de los años 50, técnica previamente utilizada en la película “Starship Troopers”, es una simple excusa de seguir con una excelente franquicia que hay que “soltar en banda”.

Yo fui uno de los entusiasmados en ver una película de animada de Star Wars. Enviciado con los cortos que presentaban en Cartoon Network sentía que los Jedi y Sith animados le habrían un campo bastante amplío en sistemas de acción. Sin embargo, lo que le funciona en paisajes, naves y robots le falla en lo esencial, los humanos y humanoides.

La animación utilizada para “Star Wars: The Clone Wars” hace de los protagonistas y demás personajes que no se rigen por circuitos parecer muñecos de maderas, tiesos y roboticos.

Ahora, no todo es malo en la película de Dave Filoni, las escenas de acción son bastantes entretenidas y las de peleas con los “Lightsaber” son de igual calidad, y como preludio de una serie animada, el largometraje funciona pero la historia sigue siendo terrible.

“Clone Wars” se dice estar entre “Episode II: Attack of the clones” y “Episode III: The Revenge of the Sith” y considerando que según nos tiene acostumbrado la saga, hay un elipsis de 10 o más años entre cada entrega.

Pero en “Clone Wars” vemos a un Anakin y a un Obi-Wan más cercano a “Revenge of the Sith” que a “Attack of the Clones” y si hay alguna conexión con la historia que ya conocemos, “Clone Wars” no nos ha presentado nada parecido a la saga, al contrario una historia nueva, mala y muy ajena sale en este mundo animado que buscará alguna conexión, no creo que lo logre, con la serie animada que en el futuro se estrena.

Soportamos los tres episodios que servían de precuela a “A new hope”, “The Empires strikes back” y “Return of the Jedi” (la mejor de todas) y ya andamos un poco hartos de que se nos nuble cada vez más esos hermosos recuerdos. La Guerra de las Galaxias es una saga que ya deben dejarla tranquila por el bien de nosotros que tanto la disfrutamos.

Margot at the wedding

2008-09-15T09:17:00.000-07:00

Escrita y dirigda por Noah Baumbach

En un post publicado en mi blog personal, comentaba lo difícil que es ser un cinéfilo aquí en República Dominicana donde las películas brillan por su ausencia y por esto siento que tuve un listado de las mejores entregas de 2007 tan limitado.

Recién volví a ver la última de entrega de Noah Baumbach “Margot at the wedding”, que hace poco la había visto y recién la compré. El caso es que de poder haber visto está entrega a tiempo hubiera estado en mi listado final.

“Margot at the wedding” es el regreso de Baumbach a un mundo de inadaptado sociales que por su “inteligencia superior” juzgan a cualquier persona que se le pase por en frente.

Al igual que su anterior entrega “The squid and the whale” el escritor y director neoyorquino se centra en una familia de escritores bastante disfuncional. La diferencia entre una y otra es que en “The squid and the whale”, dos hermanos deben lidiar con la separación de sus padres (ambos escritores) mientras que en “Margot at the wedding” una escritora exitosa (Kidman) decide asistir a la boda de su hermana, con la que tiene más de un año sin hablar.

Kidman entrega una actuación poderosa como la sobreprotectiva, enjuiciadora hermana mayor que no puede detener su obsesión de buscar detallitos que harían a cualquiera perder la cabeza.

Por otro lado tenemos a Jack Black y Jennifer Jason Leigh personifican una pareja a punto de casarse tanto encantadora como bizarra. Vale nombrar la sorpresa que uno se lleva cuando una personalidad como la de Black encaja en esta historia.

Baumbach es para mí uno de los mejores “story tellers” que hay junto a Wes Anderson. Antes de ver “Margot at the wedding” era de esas pocas películas que me he atrevido a recomendar a ciegas solo por la actriz y quién la dirigió y escribió.

Las colaboraciones de Baumbach con Anderson han dado historias increíbles (escribieron “The Life Acquatic with Steve Zizou” dirigida por Anderson) y la genialidad de “The squid and the whale” no tiene precedentes.

Así que cuando veía la trama de “Margot…”: hermanas, escritores, familia disfuncional, dije esto debe ser, narrativamente un espectáculo; y así lo fue.

Lo encantador de las últimas entregas de Baumbach es es arelación poco ortodoxa entre padres e hijos. Una relación tan libertina y de tan abierta confianza que le da ese toque cómico y serio a la vez, ver como los padres se van de igual a igual con sus hijos es un fuerte en el guión de ambas películas.

Actualmente Noah y Wes adaptaron la novela de Roald Dahl “The Fantastic Mr. Fox” y que será dirigida por Wes Anderson (que como director le lleva la milla a Noah) es ya una de las películas que espero con bastante anhelo el año venidero.

!Por fin! Atonement en el cine

2008-09-09T20:48:00.001-07:00

Bastante similar como ocurriera con “Crash” en 2004, Atonement llega con más de un año de atraso a los cines nacionales.

Y la verdad que fue ese vestido verde usado por Keira Knightley lo que me llevó a ver una de las entregas que se convertirían para mí en una de las mejores del 2007.

Pero para no ahondar mucho en una película que ya tiene su tiempo, prefiero dejarle las palabras a un colega con una excelente crítica sobre la película y resérvarme a decir lo encantador que es ver está entrega en la pantalla grande. Su música, su cinematografía, las actuaciones y sobre todo escenas como esta y esta hacen de esta obra del director Joey Wright una para el recuerdo.

Hellboy: The Golden Army

2008-09-06T08:34:00.000-07:00

Cuando vemos una película de Guillermo del Toro, podemos estar seguros de disfrutar una entrega rica visualmente y con excelente sonido, prueba de ello es la primera entrega de Hellboy en 2004 y su obra cúspide El laberinto del Fauno en 2005. Está no es la excepción.

Partiendo de uno de los comics más originales, Hellboy II llega con un “cast” mucho m{as familiarizado entre ellos, la química entre Ron Perlman (Hellboy), Selma Blair (Liz) y Doug Jones (Abe Sapien) es bastante buena, la película aunque no te lo esperes, te hará reír durante sus extensas más de dos horas de duración.

Sin embargo, a pesar de que esta secuela hace un buen trabajo explicando muchas cosas del pasado del personaje rojo y también se centra en el drama de la vida del mismo junto a sus compañeros de trabajos y sus deseos de ser famosos, la película tiende en algunos momentos cansar al espectador con escenas bastante largas y transiciones que llegan a sentirse cansonas.

Fuera de esto, Hellboy II logra algo que muy pocas películas sobre comics, sus escenas de acción son excelentes coreografías, aspecto que las hace bastante realistas, y se acerca bastante al personaje interpretado por Perlman que es un “héroe” bastante físico.

Ron Perlman encarnando a Hellboy

En el caso de Liz (Selma Blair) luego de los primeros veinte minutos tal vez, el personaje pasa a ser un adorno. Increíblemente bella aparece Selma Blair en esta película y considerando que para mí tiene el poder más especial de todos los “freaks” es más como una imagen que le da respiro a tantos monstruos y creaciones del mundo conjunto de Guillermo del Toro y Mike Mignola (creador del comic).

Hellboy II: The Golden Army es una entrega fresca y buena (no excelente) en donde su director sufre las consecuencias de que se haga comparada con su “Laberinto del Fauno” por las melodías del soundtrack, el diseño de arte y la creación de los personajes.

Guillermo del Toro

Del Toro es el director más ocupado actualmente, se rumora que tiene trabajo hasta el 2017, actualmente se encuentra en la preproducción de “The Hobbit” película divida en dos partes pautada para el 2010 y 2012 respectivamente.

Estrenos mes de septiembre

2008-09-01T08:54:00.000-07:00

Estos son los estrenos del Séptimo Arte para este mes de septiembre: "Por fin llega a la pantalla gigante, después de un año de espera, Atonement. Será exquisito ver está película en una sala de cine. "

HellBoy II: The Golden Army (4/09/08)

Atonement (11/09/08)

Journey to the center of the Earth (11/09/08)

Talento de Barrio (18/09/08)

Star Wars: The Clone Wars (18/09/08)

Mirrors (25/09/08)

Hellboy II: The Golden Army estrena septiembre. La secuela de del comic de Mike Mignola y dirigida por el aclamado director mexicano Guillermo del Toro llega con dos meses de atraso y buenas críticas a suelo dominicano.

Journey to the center of the earth llega el 11 para acompañar el anticipado estreno de Atonement. Debido a que Atonement ya tiene bastante en DVD veremos muchas personas decidirse por la cinta de aventura.

En otra nota, para el 18, la película de Daddy Yankee "Talento de Barrio" llega a suelo dominicano luego de ser la película más vista en Puerto Rico, junto a la entrega independiente llega la película animada "Star Wars: The Clone Wars" que busca llenar un vació entre las películas Episodio II y Episodio III de la aclamada serie creada por George Lucas.

Por último, el mes de septiembre cierra con el terror. "Mirrors" otro remake de una película asiática trae a Kiefer Sutherland (mejor conocido por Jack Bauer en la serie 24) de vuelta, momentánemanete, al cine. Empero, la entrega no ha recibido la mejor de las críticas y ha sido catalogada como otro de los intentos fallidos en el cine de suspenso contemporáneo.

Wanted, la adaptación del año

2008-08-31T18:14:00.000-07:00

El boom de los comics continúa invadiendo a Hollywood, y “Wanted” no es la excepción, pero a diferencia de la mayoría de las adaptaciones cinematográficas, “Wanted” es indiscutiblemente una de las mejores películas de acción del año en curso.

El comic book, creado por Mark Miller e ilustrado por J.G Jones es llevado a la pantalla grande sin fallas por Timur Bekmambetov, un director de la unión soviética que hace su debut en Hollywood. A esto le agregas en roles protagónicos a James McAvoy, Angelina Jolie y Morgan Freeman y tienes en tus manos una combinación que no podía fallar.

Debido al alto contenido de ciencia ficción y escenas imposibles de explicar, uno creería que “Wanted” podría ser igual que la película que protagonizara Monica Belucci junto a Clive Owen “Shoot em up” en donde, en mi opinión, la película se pierde luego del primer acto.

¨What the fuck have you been up too lately?¨

Empero, esto no le sucede a Wanted, si bien las escenas de acción sobrepasan la realidad, la película da momentos para que uno se reponga y se prepare mentalmente para otras increíblemente logradas escenas de tiros y explosiones.

Fuera de los tres pilares de actuación que podemos encontrar en esta entrega, es la fotografía, cinematografía, edición y banda sonora que se roban el espectáculo. La música compuesta por Danny Elfman es uno de los puntos más fuertes de la película, algo extraño para las películas de acción.

Por otro lado, la post producción de la esta película es ejemplar, los momentos de tensión, justo cuando los asesinos usan sus habilidades, son logradas de una forma impecable que el espectador, a medida que va pasando la película, aprende a disfrutar cada vez más el sonido de las pulsaciones y el temblor de las tomas.

Indiscutiblemente, “Wanted” logra en el mundo de las adaptaciones de comics, ponerse en lugares junto a películas como “Road to perdition” que han sido adaptaciones que le han encantado a todo público.

A mi realmente me hizo falta un combate “mano a mano”. En la “batalla final” el personaje de McAvoy tiene un breve encuentro con uno de los asesinos que recordaría la escena de combate de Leonardo Dicarpio y Daniel Day Lewis en “Gangs of New York”; y lo que me encantó, la boca y los tatuajes de la Jolie.

Upa!

Tekkonkinkreet: Black and White

2008-08-28T09:53:00.001-07:00

Entre trazos, dibujos y animaciones, definitivamente no hay ningún mejor lugar que buscar en los denominados “anime” provenientes del lejano oriente, de Japón.

Tekkonkinkreet, o mejor conocido “Treasure Town” es un encanto visual que encierra mucha de las cosas que los nipones adoran: vistosos colores, artes marciales, lealtad, traición, Yakuzas, fuerzas del mal, etc.

En está entrega los protagonistas son dos muy peculiares huérfanos, de nombres Blanco y Negro. Negro, el mayor, es el más osado y violento que busca sobre manera proteger a “Treasure Town” el cual considera como su pueblo.

Por otro lado, Blanco es más infante, juguetón y parlanchín disfraza la oscuridad que se mueve por el pueblo con una repetida frase. “Sé feliz, sé feliz”.

Una de las técnicas de estas animaciones es que la ciudad donde conviven los personajes es un personaje en si. En “Steamboy”, “Ghost in the Shell” y muchas más películas los pasajes animados por toda la ciudad y las panorámicas hermosas dibujadas y utilizadas como transiciones son en gran parte la esencia de los anime.

Y en este ámbito “Tekkonkinkreet” no se queda atrás, es una de las más hermosas expuestas visuales de una ciudad animada en mucho tiempo. El esfuerzo invertido en los personajes y en el entorno es notable.

Está es de esas películas que servirían para iniciarse en el ámbito de ver “Japanimation” como también se le conoce. Es una historia no tan complicada como a veces tienden a ser este tipo de películas animadas, y bastante entretenida con un buen grado de violencia como nos tienen acostumbrados los nipones, pero de muy buena calidad y sin llegar a lo grotesco.

Su director es Michael Arias, norteamericano productor de anime, fue también el productor de la aclamada serie de cortos animados “Animetrix” en donde se explicaban historias que unían la saga de los hermanos Wachowski.

Arias, tiene pautado lanzar para el 2009 otro anime llamado “Heaven´s Door” seria su segundo trabajo como director de un largometraje de anime desde que en 2006 debutará con la película que hoy comento.

El anarquismo se apodera del cine

2008-08-20T09:25:00.000-07:00

"You can´t stop what´s coming"

La nueva ola de cine parece que ha decido por fin a crear personajes relevantes, como en años pasados ocurría, y a logrado entregar villanos a la altura de los nuevos tiempos.

Sin lugar a duda, la violencia en el Siglo XXI ha llegado a alturas inexplicables. Matanzas como las de Columbine y Virginia son actos de violencia incomprensibles, por adolescentes de perfiles anarquistas.

Estos nefastos hechos los traigo a colación por la similitud con los personajes más relevantes de estos últimos dos años en el ámbito cinematográfico. El ya icono “Joker” de el difunto Heath Ledger y la multigalardonada actuación de Javier Bardem en “No Country for Oldmen” son los mejores exponentes de la violencia y la maldad en la historia del cine (sí, atento a mí).

Anton Chigurh, el personaje de Bardem; y el ya bastante aclamado Joker de Ledger son fiel representantes del anarquismo, villanos que buscan un motín sin ninguna explicación más que la de “ver el mundo arder” (explicación de Alfred en “The Dark Knight”).

Imdb.com describe a Chigurgh como “una persona sin compasión o sentimiento, una fría maquina de asesinar que si incapacidad de entender la vida humana solo es comparada con su capacidad de tomarla” mientras que para el principal antagonista de Batman es la siguiente “Demente no comienza siquiera a describir a este hombre. Es el más malvado, trastornado, y definitivamente más sicótico villano de la historia de todos los comics” y esa impresión quedó bastante clara con la personificación de Ledger.

La imagen de Chigurh y de Joker (2008) es de puro trastorno y violencia, personajes que sin ninguna explicación de su pasado, de su procedencia son embajadores del mal sin ninguna comparación.

“This town deserves a better class of criminal… and im going to give it to them” Joker.

Lo que tal vez no sacamos de estas personificaciones es que tanto “No country…” como “The Dark Knight” nos muestran en gran parte lo que ocurre actualmente en el mundo. Las violencias presenciadas alrededor del mundo no tienen ninguna explicación lógica, simplemente ocurren y nos ahogan cada minuto que pasa.

Estos puntos y la majestuosa calidad presentada por Ledger y Bardem como los embajadores del mal y anarquistas por excelencia hacen desde ahora a Anton Chigurgh y a Joker los dos villanos de punta de la historia del cine, y los representantes de la era moderna.

Lo sorprendente es la diferencia abismales de los dos personajes para tener en conjunto un mismo fin. Mientras Joker resuelve sus “inconvenientes” con una forma cómica y sádica, Chigurgh recurre a una más pausada tranquila y hasta con modales, algo muy ajeno de la personalidad del antagonista de Batman. Chigurgh no muestra en ningún momento disfrutar nada y ni siquiera sonríe, mientras que Joker disfruta cada momento con una carcajada escalofriante.

A Chirgurgh no se le escapa la comparación con otro villano de Batman, “Two Face” por su manera de que sus víctimas pongan sus vidas al azar, en pocas palabras usa la misma técnica del alter ego de Harvey Dent: “el lance de una moneda”.

A continuación, frases que junto a la presencia de estos maquiavélicos personajes hicieron llenar la pantalla de terror como hace mucho tiempo no se veía.

Joker:

“Why don't we cut you up into little pieces and feed you to your pooches? Hmm? And then we'll see how loyal a hungry dog really is”

“I believe whatever doesn't kill you simply makes you... stranger.”

“Let´s put a smile on that face of yours”

“Do you wanna know why I use a knife? Guns are too quick. You can't savor all the... little... emotions. In... you see, in their last moments, people show you who they really are. So in a way, I know your friends better than you ever did. Would you like to know which of them were cowards?”

“Why so serious?”

Anton Chigurgh:

“What's the most you ever lost on a coin toss?”

“Nervous Accountant: I see. Are you going to shoot me?
Anton Chigurh: That depends. Do you see me?”

“Llewelyn Moss: Is uh, Carson Wells there?
Anton Chigurh: Not in the sense that you mean. You need to come see me.”

“Anton Chigurh: You know how this is going to turn out, don't you?
Llewelyn Moss: Nope.
Anton Chigurh: I think you do. So this is what I'll offer - you bring me the money and I'll let her go. Otherwise she's accountable, same as you. That's the best deal you're gonna get. I won't tell you you can save yourself, because you can't.”

“Would you hold still, please, sir?”

“Step out of your car, please.”

Estas no son todas las frases, es solo una breve selección y vale saber que visualizándola se disfruta más. Estos ya son íconos y personajes de cultos para creaciones venideras. La batalla por la cima de lo violento y de las quemaduras de un mundo que arde a sus pies es entre estas dos personalidades anarquistas.

El verdadero Caballero de la Noche

2008-08-13T04:49:00.000-07:00

El Caballero de la Noche llega por fin a suelo dominicano. Con más de un mes de atraso, se puede decir a todos los vientos: que la espera ha valido la pena.

Dejando atrás los estresados movimientos de Michael Keaton, el muy irreal Val Kilmer y la desgraciada entrega cuyo nombre no voy a mencionar, Christopher Nolan y Christian Bale llegaron para entregarnos el “verdadero Batman”, aquel que todos esperábamos, sin embargo, el tema de esta obra no es Batman ¿verdad? Sino su archienemigo “The Joker”.

Heath Ledger como "The Jocker"

Las expectativas fueron increíbles tanto para la historia como para la producción de casi tres horas de duración, pero ninguna expectativa era tan grande como para la que muchos consideran es la actuación del 2008 para un oscar, para un Oscar póstumo realmente, la interpretación de Heath Ledger como “Joker”.

Bastante fresca está en la memoria de nosotros la interpretación de Jack Nicholson como Joker en la primera entrega de la anterior saga “Batman” dirigida por Tim Burton y desde que salieron los primeros “screening” de este nuevo y más oscuro Joker las comparaciones se dejaron sentir, y más aún con la eventual muerte del actor de 28 años.

Si bien, Joker en “The Dark Knight” es solo una pieza del rompecabezas que es la película, es una de bastante peso, cuidado si de más peso, como en muchas otras críticas leídas, la presencia del Guazón, como se le conoce en español, en pantalla es absorbente y extrañada cuando la historia se transporta a otros lugares lejos de su ser.

Fuera de lo que se quiera vanagloriar por la muerte de Ledger está actuación, es la mejor de su carrera y la mejor personificación del principal enemigo del murciélago fuera o no el destino del actor fenecer antes de este anticipado estreno.

"El director Christopher Nolan frente a la señal de Batman"

“The Dark Knight” es una entrega que tampoco debiera dejarse a un lado, es una película que pudiera concursar como cualquier otra para esos grandes premios. Las dos horas largas de duración son de total tensión para los presentes, Nolan tiene un manejo de la cinematografía como pocos directores contemporáneos, basta mencionar sus trabajos directorales en películas como Memento, Insomnia, Batman Begins y The Prestige, para saber que esta entrega está a la par de excelencia con su opera prima, Memento.

Bale entrega un Bruce Wayne/Batman mejorado, con esos conflictos personales que caracterizan al caballero nocturno que solo en “Batman Returns” y “Forever” se vio por encimita. El cambio de la mujer del medio fue para bien, Maggie Gylenhall entrega a una más fuerte Rache Dawes que la anterior Katie Holmes. Ahora mucho de nosotros hubiésemos preferido haberla visto desde Batman Begins.

Sin embargo, son las contrapartes masculinas de Bale en el set que se roban los papeles. Gary Oldman como Gordon y Aaron Eckhart como Harvey Dent encierran a la perfección los conflictos de dos hombres honestos y en busca de la justicia en una ciudad tan corrupta como Gotham (Ciudad Gótica). Pero es sin lugar a dudas el macabro payaso el máximo esplendor de esta perfecta producción.

Christopher Nolan hasta ahora no ha tenido ningún fracaso, Christian Bale se ha convertido en el mejor Batman y es sin duda un ejemplar actor, todas sus actuaciones son de extenúa calidad, Aaron Eckhart ha probado ser un actor para ser reconocido, la veteranía de Michael Caine y Gary Oldman es indudable y la presencia de Gylenhall como eje de los sentimientos tanto de Dent como de Wayne hace de esta la mejor película en lo que va del año (sorry Wall-E).

Academy Awards

En cuanto a lo que concierne la presea dorada para Ledger por la personificación del Guazón, claro que se la merece, merece secundar a Peter Finch como los únicos que han recibido una presea luego de su muerte, pero en mi opinión me gustaría que se quedara así, como un personaje de culto relevante sin ninguna necesidad de la presea dorada.

Ahora, con la aclamación que ha estado recibiendo, no creo que le vaya muy bien, primero a la Academia y segundo a quién sea entonces el galardonado como mejor actor secundario.
En cuanto a la película, si merece una nominación, aunque seguro recibirá sus dotes en el área de dirección, diseño de arte, maquillaje, efectos especiales y probablemente edición.

Una última nota: está es la única película que ha superado unas expectativas tan grandes, y fíjense que las expectativas trazadas, por el personaje de Ledger, por su muerte, por continuar el resurgimiento de la saga de uno de los héroes más queridos de la historia, fueron inmensas, así que le película merece romper todos los records y acaparar todo el oro posible. De paso denle una medalla olímpica que también se la merece.

"Let´s put a smile on that face of yours"

Ladrones a domicilio de Ángel Muñiz

2008-08-12T12:38:00.000-07:00

La osadía de presentar las cosas que nadie más quiere plasmar siempre ha ido de la mano con un realizador audiovisual en especial en el área de la cinematografía. Muchos han sido los denunciantes a través de sus películas o documentales del cualquiera que ellos crean es una injusticia que sufrimos en este mundo.

En este caso le toca a Ángel Muñiz, en un país que desde hace rato busca que alguien comience hacer denuncias de este tipo, que con su sátira político-social logra despertar aquellos sentimientos que los dominicanos creían eran de unos pocos.

Muñiz aborda lo que para muchos se ha convertido en una falacia, la Policia Nacional tienen muchos años que no da una respuesta concreta a nada a la ciudadanía y el realizador criollo se aprovecha de eso y de muchas cosas más al máximo.

Situaciones de cómo entidades privadas tienen para agrandar una estructura valorizada en millones pero no tiene para levantarle el animo a sus más fieles empleados, de cómo nuestra moneda se ha convertido en mentas (“los tres padres de la patria: Duarte, Sánchez y Menta”) porque es lo que le devuelven a uno en supermercados y colmados cuando a uno le sobra el difunto menudo.

La película de Muñiz, un veterano en la cinematografía dominicana, a penas sobrevive un problema de sincronización de audio, en momentos uno creería que ve aquellas películas de Kung Fu dobladas, sin embargo el mensaje llega y es algo con lo que cualquier dominicano se puede identificar.

Este y unos problemas claro de continuidad (que sigue siendo un inconveniente constante en las producciones criollas) son los baches que quedan del cuerpo técnico de “Ladrones a domicilio” que son salvados por unas excelentes tomas de nuestras calles de Santo Domingo y de actuaciones de calidad, ausentes en muchas de nuestras producciones locales.

En “Ladrones…” Muñiz se saca una espina que le molestaba desde hace mucho. Hijo de un representante de izquierda durante la opresión de Balaguer, Muñiz muestra su desprecio por la supuesta democracia en la que se vive en nuestras hermosas tierras.

Empero, los deseos de Muñiz de estrenar está película días antes de las elecciones de mayo de este año fueron mermados por las tormentas del año pasado que prolongaron la producción por un buen tiempo. Yo soy uno de los que digo, que si esta producción hubiese sido estrenada para esa fecha habría habido algún tipo de influencia sobre las boletas, eso es seguro.

Ángel Muñiz prueba que cuenta con buenas relaciones y una buena suerte para sus producciones, me atrevo a decir que es sin duda alguna el director contemporáneo dominicano por excelencia; sus películas cuentan con una manera de narrativa que a pesar de que consideremos malo el producto es una historia que en algún momento del trayecto la llegamos a disfrutar.

Esperemos que el error (porque para mí es un error y garrafal) de estrenar la película un 14 de agosto, misma fecha en que se estrene The Dark Knight que está arroyando en taquilla y aquí se hacen pre ventas para el fin de semana, no sea algo dañino para sus fines de ser una película criolla taquillera, porque tiene todo para serlo.

El problema de “Quantum of Solace”

2008-08-07T08:08:00.001-07:00

Si de algo los fanáticos de cine deben estar contentos es del renacer de dos de las sagas favoritas de todos los tiempos, la de Batman con “Batman Begins” y la de James Bond con “Casino Royale”.

La historia del cine ha sido prueba para que las secuelas se conviertan en películas que no debieron haberse hecho, muy pocas secuelas han mantenido viva, en el caso de una película exitosa, y un número reducido ha incluso logrado más éxito que la primera, este es el cado de “The Godfather II”, “Spiderman 2” y por lo visto la recién estrenada (no aquí claro) “The Dark Knight”.

¿Pero que tanto tiene que superar “Quantum of Solace”? La verdad: mucho. La entrega número 22 de la saga de James Bond tiene que superar a probablemente la mejor entrega de la serie de Bond completa en “Casino Royale”.

Desde “From Russia with love” de 1963 no ha habido una película que siga tabn exitosamente el comienzo de una nueva etapa. Claro “From Russia…” fue la segunda película del agente británico y está en esa lista de reducidas secuelas exitosas pero desde allí el agente comenzaba a perder un poco su encanto hasta que al llegar a la década de los 80 y a la carne de Timothy Dalton estaba totalmente desfasada.

No fue hasta 1995 que volvimos a encontrarnos con una entrega decente en un nuevo agente, Pierce Brosnan. “Golden Eye” marcaba el renacer de la saga, irónicamente dirigida por quién luego fuese el director de “Casino Royale”, pero luego de Golden Eye vino la que en mi consideración es la peor película de Bond junto a “Die another day”, “Tomorrow never dies”.

Y es que luego del exitazo de “Golden Eye”, que incluso en las consolas de videojuego tuvo éxito, Brosnan sufrió la suerte de caer en tal vez las peores entregas del agente de su majestad. Fueron sus otras películas “The Matador” y el remake de “The Thomas Crown Affair” que mantuvieron a Brosnan en la palestra, porque definitivamente las nuevas misiones del agente no podrían lograrlo.

¿Qué hace a Casino Royale tan especial? Casino Royale sufrió las mil y unas, el intento de sabotear la producción por parte de los fanáticos, el repudio de todos por hacer una entrega en modo de precuela y por seleccionar a un actor que a nuestro parecer era menos que el menos indicado para James Bond.

Callando a todos sus críticos, Casino Royale nos brindó el Bond más físico de la historia, un Bond humano, que cometía errores y era herido pero sobre todo nos brindó a un Bond que en pantalla cambiaba, su evolución como persona fue presenciada por el público por primera vez en la historia de la saga, y esto hizo grande la película. Definitivamente el trabajo en el guión por parte de Neal Purvis superó sus antiguos errores dentro de la saga (fue escritor de “The World is not enough” y “Die another day”).

“Quantum of Solace” se enfrenta al tormentoso cambió de director. Marc Forster, que no ha tenido un fracaso hasta ahora con películas como “The Kite Runner”, “Stranger than fiction” y “Finding Neverland” fueron aclamadas por la crítica pero aquí entra a un ambiente desconocido, hacer una película de acción y superar a “Casino Royale” no será trabajo fácil.

Otro escalón que debe superar “Quantum…” y uno muy importante en la saga de Bond, es precisamente la chica Bond. Eva Green en su papel de Vesper Lynd personifico a una contraparte femenina del agente como ninguna. Lynd fue lo exacto para que fuera la única mujer en la historia que le ha llegado al corazón a uno de los más grandes mujeriegos de la historia del cine.

Esperemos que la combinación de Forster junto con Purvis le den otra película de calidad a Daniel Craig que tiene a muchos fanáticos en espera de un fallo para poder acabarlo como un pésimo Bond, que hasta ahora es todo lo contrario, y no tengamos que diez años más tarde recibir a Martin Campbell (director “Golden Eye” y “Casino Royale”) para que vuelva a rescatar la saga.

Aquí les dejo un vistazo a la “Quantum of Solace” por lo visto va por la misma línea de “Casino Royale” y eso es muy bueno.