Burn After Reading (2008)

Escrita y dirigida por Joel y Ethan Coen

Cuando se habla de directores sin ningún tipo de perdida en los productos que entregan, uno de los primeros nombres que sale a relucir es el de los hermanos Coen.

Como dicen en la página web Filmcritics, si bien cuando los Coen no andan haciendo clásicos del filme (Raising Arizona, Fargo, No Country for Oldmen), comedias hilarantes y de pasa ratos (Intolerable Cruelty, el remake Ladykillers) andan sorprendiendo con historias que se nos quedan en el subconsciente como la presente.

“Burn After Reading” nos trae un satírica comedia que involucra a la CIA y el deseo de superación de unos cuantos perdedores en escena. Con una muy inteligente manera de narrar una historia, partida desde algo sin sentido alguno, los Coen entregan una de las mejores producciones del año (mención especial realmente en este blog, aunque no dudo que haga la lista de top 10 para diferentes críticos).

"What the fuck...?"

Las actuaciones son memorables, los Coen nos brindan a unos irreconocibles George Clooney y Brad Pitt en unos papeles hilarantes y ricos; Richard Jenkins y J.K. Simmons le dan un toque clásico a la historia y a Malcovich lo vemos un poco a lo “Cyrus the Virus” en “Con Air”.

Pero su parte más importante cae en tal vez la principal musa de los Coen, Frances McDormand que vuelve, con mucho encanto, a destacar un rol presentado especialmente para ella.

Después de acaparar premiaciones por el rol de Marge Gunderson en la aclamada “Fargo”, el rol de una parlanchina mujer que atiende un gimnasio y esta convencida de que una cirugía estética arreglará su vida social es uno para el recuerdo.

“Burn After Reading” no es la mejor película de los Coen, es prácticamente una película en donde los Coen no se esforzaron mucho. Una historia simple, unos personajes un tanto complicados pero muy divertidos y en donde nunca existe un “plot twsit”, es donde pasa todo sin pena y sin gloria, pero es precisamente el personaje de Simmons, como cabecera de la CIA, que le da ese “punch” que la película necesita para tener “closure”. En fin, es como se diría, termina como comienza; haría cualquiera recordar muchos de los capítulos de la serie “Seindfield” donde la complicación de la trama no es más que la absoluta nada.

No sería sorpresa encontrarse con nominaciones a guión y para el rol de Frances Mcdormand, más nominaciones de allí me parecería un poquito sobrevaluada. “Burn After Reading” es sin lugar a dudas uno de los gratos recuerdos que nos quedarán de este 2008.

"He hit me"

Quantum of Solace (2008)

dirigida por Marc Forster

Deja vu all over again? Desgraciadamente, sí. Por segunda vez consecutiva, el esfuerzo de Martin Campbell por renovar una saga de su descenso vuelve a ser diezmado una entrega después.

De la misma forma que pasó en 1997 cuando “Tomorrow never dies” llegó para desbaratar el trabajo hecho por Campbell, ahora Forster hace lo mismo con “Quantum of Solace”.

La película parte de un débil guión en donde lo único que le importaba a los productores probablemente eran las escenas de acción, presentes de principio a fin en la entrega, pero que ni siquiera estas llenaron las expectativas por el terrible manejo e inexperiencia en esos temas de su director.

Desde su escena inicial, una persecución en donde en varias ocasiones pierdes el foco de cual carro es que maneja Bond, uno se da cuenta por el camino que “Quantum” va dirigido.

Si algo fue Quantum fue unos cuantos pasos atrás, en “Casino Royale” vimos un Bond diferente, un inexperto “00” que vimos crecer poco a poco en cada minuto en pantalla hasta convertirse en posiblemente el mejor Bond de la saga pero en Quantum nos llega un Daniel Craig completamente adverso, errante y diez mil veces más tosco, probablemente el Craig que todos los saboteadores de esta nueva saga esperaban, aquel que pudieran destruir sin piedad. Créanme, después de “Quantum of Solace” el no necesita ayuda.

Esto, definitivamente fue todo menos una película Bond.

En esta nueva entrega se ve lo mucho que ha impactado el éxito de la saga “Bourne” en las películas de acción. Este año, no solo esta entrega sino también “Taken” protagonizada por Liam Neeson han imitado las actitudes del agente con amnesia, pero ninguno han podido comparársele.

Lo de Quantum es un intento tan poco trabajado que se ve la necesidad desde en los inicios recurrir a asemejarse a Casino Royale. El preludio con inicio acelerado y la persecución luego de las notas musicales de “Another way to die” canción de Jack White y Alicia Keys que al igual que la película en la que es presentada se queda por debajo de “You know my name” de Chris Cornell que adornaba “Casino Royale”.


Pero continuando a lo que nos compete, el Bond de Daniel Craig no es ni sombra de lo que fue en “Casino Royale” aquí vemos a un personaje típico de Schwarzenegger en “Commando” que es mucho decir. El Bond de “Quantum” no es más que un superhombre aburrido del montón de películas de acción mediocres que llegamos a conocer a finales de los 80 y principios de los 90, solo que con mejores efectos y mucho más acción.

Sin embargo, pena da el villano de esta entrega. Mathieu Almaric (conocido por su rol en “Le schapandre et le Pabillon”), este magnate corporativo no es más que un simplón, aburrido e inerte personaje que hunde más esta trillada película.

Y la codicia de Greene (el personaje de Almaric) el ¿agua? “what the f****”, si bien es el tesoro más preciado del mundo, “sin agua no hay vida” y “yata yata” esto no es “Flow: For the love of water” o “Chinatown” esto es James “freaking” Bond. La verdad es que es una sorpresa y una ironía que el mismo trío que escribió “Casino Royale” haya escrito esto. Al parecer mientras más dinero, menos interés.

¿Y la chica Bond? Es mejor ni tocar ese tema, solo basta decir que Olga Kurylenko fracasó en dos ocasiones su intento de “femme fatale”, su presencia aquí y en Max Payne fue igual de nula.

En su afán de crear un Bond más a fin a la realidad y a nuestros tiempos han procurado hacer un Bond que es lo más ajeno posible al personaje, la película es tan “mala” (así sin análisis profundo ni nada, o sea, mala) que incluso el preludio de la misma es un desastre, algo que ha funcionado en cada una de las 21 entregas anteriores, algo que por lo menos anima a la audiencia hasta eso en esta entrega falla y cuando las notas musicales del tema principal de la película suenan ya estas predeterminado aguantar los más de 90 minutos restantes en un estado de defensa.

Esperemos que la tercera entrega que encarne el “rubio” de Craig venga con un verdadero progreso al Bond de Casino Royale y bastante ajeno al Bond de “Quantum” (que es la SPECTRE del siglo XXI) y este héroe pueda volver hacer mucho más que un capricho para los fanáticos de la saga.

Aquí les dejo las dos canciones de Casino Royale y de Quantum of Solace:

Blindness (2008)

dirigido por Fernando Meirelles

Desde 1997, Fernando Meirelles buscaba conseguir los derechos de la obra “Ensayo sobre la ceguera” de José Saramago y fue luego de una tal “Cidade de Deus” y “The Constant Gardener” que diez años después consiguió los derechos y comenzó el rodaje de lo que sería una de las mejores entregas del 2008.

Meirelles y el cinematógrafo Cesar Charlone se encargan de visualmente proporcionar un ambiente que en ocasiones parece sacado de las imaginaciones de los miles lectores del libro (única anotación que voy hacer sobre la magistral obra de Saramago) y nos entrega un mundo caótico muy bien narrado y acompañado de una fotografía y unas difusiones a blanco que en vez de cansar crean tensión y espera entre la audiencia.

La historia sigue la extraña plaga de una “ceguera blanca” que va copando a todos los pobladores de una ciudad desconocida. Por miedo de propagación, los primeros infectados son encerrados en cuarentena.

El realizador brasileño pierde poco tiempo en aprovechar el adaptado guión de Don Mckellar, quién contaba con haber escrito el disparataje de “Childstar”, para crear un mundo apocalíptico lleno de ciegos en donde solo una persona puede ver.

Las personificación de cada uno de los personajes creado por el escritor portugués es asimilable y pasable, el talento de Mark Ruffalo no se puede negar, pero en ocasiones se perdía, al igual que muchos del grupo, en su interpretación de ciego, pero los roles de peronalidades como Alice Braga, una muchacha brasilera muy gestual y preciosa, y el mexicano Gael García Bernal son capaces de cargar con parte importante de la película.

"The only thing more terrifying than blindness is being the only one who can see"

Por su lado, Julianne Moore, en su rol de protagonista y de ser la única mujer que puede ver y es testigo de las atrocidades a las que puede llegar el ser humano por necesidad no se nota tan fuerte. Su rol es en ocasiones opacado por los demás, algo que no debió suceder.

(…) En mi opinión, desde un principio cuando se hizo el casting y Moore salió elegida para este rol yo quedé decepcionado, para mi, Moore no tenía la fuerza para interpretar un personaje tan representativo de la obra de Saramago y con la cual, yo como lector, había entablado una relación muy especial. En pocas palabras, este puede ser el acercamiento más subjetivo de toda está crítica a la película (…)

Sin embargo, los verdaderos protagonistas son su director y cinematógrafo. Las difusiones a blanco son utilizadas poéticamente; el sentido de darle a la audiencia la sensación de la “ceguera blanca” hace que uno se identifique más con los personajes, que por su parte están bien elaborados para una entrega que tenía su toque de “thriller” a medida que iba pasando el tiempo.

A la parte final se le siente un poco apresurada, a lo mejor por la edición de “corte comercial” (esperemos que el DVD venga con algún director´s cut) y la relación afectuosa entre Braga y Danny Glover (que quedó un poco rezagado para un personaje tan relevante) no se le dio el crecimiento suficiente para desarrollar ese afecto que sienten uno con el otro en los momentos finales de la película.

Si bien “Blindness” es una visión cinematográfica de la alegoría de Saramago, son muchas las cosas que Meirelles mantiene literalmente correcta. La representación del lugar de cuarentena; las negociaciones con los maleantes, dirigidos por el personaje de García Bernal; la ausencia de nombres para cada uno de ellos; todo es una prueba viviente de que es posible adaptar una novela de tanto peso internacional como lo es “Ensayo de la Ceguera”.

Esta todo tan bien realizado que incluso la escena final es literalmente exacta a como la describe Saramago: “Luego alzó la cabeza al cielo y lo vio todo blanco, Ahora me toca a mí, pensó. El miedo súbito le hizo bajar los ojos. La ciudad aún estaba allí. ” Escena realizada con brillantez como un “point of view” (punto de vista) desde el personaje de Moore para así cerrar la película.

Max Payne

dirigida por John Moore

Las adaptaciones cinematográficas de videojuegos tienden a ser un fracaso porque regularmente los realizadores se inspiran en juegos con una gran aceptación dentro de los fanáticos de las consolas. Está última entrega no es la diferencia.

Partiendo de un guión espantoso en donde mezcla pequeñas cosas de las dos partes de videojuegos de consola y le agrega un “twist” de una droga que hace supuestamente invencibles y les da alucinaciones sobre ángeles de la muerte (que termina siendo eje central de la historia ) a quienes la toma; el personaje de Payne se encuentra con algo que nadie creía posible, su descalabro total.

Mark Walhberg, tal vez el mejor actor de acción del momento, no llega ni a la sombra del heroe incomprendido de Max Payne aunque no se le puede culpar del todo al actor norteamericano sino a la opera prima de guión que escribiera Beau Thorne, un nefasto intento de adaptar la creación maestra de Sam Lake.

Thorne no se lleva toda la culpa después de todo, en toda entrega siempre hay algo que salvar, pero aquí a penas se encuentra una sola cosa. Las escenas de acción no funcionan para nada, los parlamentos son terribles, los recuerdos horribles, a Payne no se le ve la intensidad ni el dolor que se nota en el videojuego de Lake.

La solitaria escena que se podemos decir fue buena, es en la que Payne es atacado en su departamento que al igual que en el juego, cada vez que Payne recibe un golpe hay un destello de rojo en la pantalla completa, algo que a su realizador John Moore se le olvido por completo en el resto de la película.

Si bien adaptar grandes novelas es complicado, adaptar un videojuego tan famoso y querido como Max Payne debe ser aún más duro. El público es mucho más crítico porque se trata de un personaje y una historia a la que uno le dedica horas y horas por varios meses, tal vez esta es la razón por la que no existe una adaptación decente de un videojuego, aunque para mi la adaptación de Hitman fue una muy buena.

Esta entrega de lo que me dio deseo fue de volver a realquilar el juego para recordarme que Max Payne no es el desubicado, bien vestido y falso interpretado por Waklberg sino el rompecabezas, trastornado y violento detective sacado de la misma imagen de su creador Sam Lake y de la voz profunda de James McCaffrey.

A lo mejor, Frank Miller (créanlo o no) pudo haber hecho un mejor trabajo con este videojuego con dotes de novela gráfica que esta dupla de Thorne y Moore (que tiene buenas películas de acción como “Behind Enema Lines” y “Flight of the Phoenix”) que no funciona para nada.

Nights in Rodanthe

dirigida por George C. Wolfe

Debe ser increíble saber que tu primer largometraje ser protagonizado por el par de Diane Lane y Richard Gere y que además es la adaptación de una novela de Nicholas Sparks (escritor de novelas llevadas: A walk to remember, Message in a bottle y The Notebook) pero es un éxito asegurado, bueno no.

George C. Wolfe, director de largometrajes y proyectos televisivos, hace el brinco al cine con la nueva adaptación del escritor de novela romántica Sparks "Nights in Rodanthe" que trae de encuentro a dos personas que tienen mucha chispa en situaciones cinematográficas amorosas Lane y Gere (anteriormente trabajaron juntos en Unfaithfull) y los pone en un lugar totalmente paradisiaco.

"Rodanthe"

En un hotel donde no hay más que playa alrededor, Adrienne Willis (Lane) atiende el local de su mejor amiga que le notifica que por el fin de semana solo recibirá un solo cliente, el doctor Paul Flanner (Gere) que va en busca de enfrentar unos demonios propios mientras Adrienne busca escapar de su vida familiar y de su esposo infiel.

El mundo está más que resuelto para ambos bandos, todos sabemos lo que va a pasar, pero queremos saber como fue tratado ese camino conocido por el autor Sparks y sobre todo por el realizador Wolfe.

Tomando en cuenta que está más que claro que el largometraje será totalmente de la relación de estos dos personajes, de repente nos encontramos pensando en las joyitas "Before Sunrise" y "Before Sunset" en donde Ethan Hawke y Julie Delpy son capaces de cargar con la película solo conversando y caminando. Pero aquí no pasa nada de esto.

Las historias de Sparks son todas cursis, flojas en muchos momentos y encima de todo su "punch line" siempre es una tragedia, parece que de esta forma, a traves de uno de los dos quiere destacar el amor verdadero, o sea, el que siente él que se queda desolado. Pero fuera de la novela, Wolfe no hace un mal trabajo, solo que tampoco sabe aprovechar la belleza de su locación y en ocasiones sus personajes y ambientes se ven forzados a estar dentro de cámara y hacen que el público le pierda brevemente el interés.

Musicalmente es otra cosa. Con canciones de Dinah Washington y Count Basie más las composiciones para los momentos emotivos le dan a "Rodanthe" un toquecito exquisito, que te permite disfrutar de minutos encantandores que te hacen recordar lo rico que es una compañia y de la química que pueden tener en ocasiones Gere y Lane con quién sea.

De la entrega es imposible no disfrutar la buena presentación del hotel, que aparece desde una tormenta de arena bien realizada como por arte de magia y también la escena de amor que con buenas disoluciones (aunque llegan a cansar) hacen los cambios entre el personaje de Lane y el de Gere; de seguro el editor Brian Kates quiso imitar una escena de la excelente Cidade de Deus.

La película es buena para estar acurrucadito con alguien, para a quien le gusta botar algunas lágrimas y para cogerle amor a las cartas escritas.

Mamma Mia!

dirigida por Phyllida Lloyd

Algo está pasando en el cine, para estos años vuelven en cantidades las adaptaciones de trabajos literarios y reediciones de otros géneros porque parece que nadie tiene una idea nueva que contar.

En el caso de “Mama Mia”, la película esta basada en un musical de Catherine Johnson inspirados por los éxitos de la banda sueca ABBA. Johnson sirve también como guionista para la adaptación cinematográfica.

De la película no hay mucho que decir, a pesar de su “all-star cast” (Pierce Brosnan, Meryl Streep, Stellan Skarsgard), porque que se puede decir de una historia romántica tan simplona y cursi que es la perfecta historieta fresa para pasar el rato, declarado que de no ser por las canciones de ABBA la película sería un desastre, o sea que el millar de personas que no son fanáticos o que no conocen el grupo oriundo de “Sweden” (Chiquitita dime ¿por qué?) se revolcaran en sus asientos o simplemente no se molestarán por la opera prima de Phyllida Lloyd.

La mejor descripción de la película fue brindad por FilmCritics en donde la describen como “the worst-directed “good” movie ever” o sea la mejor “buena” película con la peor dirección y es que los fallos garrafales detrás de cámara de la novel Lloyd son imposibles de dejar pasar.

Da pena que en una locación tan rica y hermosa como lo es una isla de Grecia, la cinematografía, fotografía y dirección sean tan mediocres y ni hablar de la edición que daña lo poco que podría salvarse de los números musicales, ¡tomas de apoyo Phyllida!.

"S.O.S."

Sin embargo, el encanto siempre en pantalla de Meryl Streep y la joven beldad Amanda Seyfried y uno que otros momentitos de simpatía y dulzura hacen al más recién musical anglosajón, pasable.

Si no se puede volver al pasado, a las joyas de musicales, que Baz Luhrman me traiga otro Moulin Rouge!, se lo ruego.

En buen dominicano: “La vaina fue que a mi como que me gustó”

Another way to die

En víspera de la llegada de la vigésimo segundapelícula de James Bond "Quamtun of Solace" (por la cual el público dominicano tendrá que esperar más tiempo) les traigo el video de la banda sonora de la película.

Siempre los temas de las películas de James Bond son representantivos e inclusos más relevantes que los temas musicales de cualquier otra película, además esta es la primera vez que un dúo interpreta la canción del tema principal de una película de Bond.

En esta ocasión es Alicia Keys y Jack White (White Stripes) que interpretan la canción "Another way to die" escrita y producida por White que además de tocar la guitarra se encarga de la batería.

!Que lo disfruten!

Vier minuten (Alemania, 2006)

escrita y dirigida por Chris Kraus

En el cine ya todo se ha hecho, todas las historias se han contado y cada película que vemos en alguna ocasión nos da el sentimiento de “Deja vu”. Así que ¿qué se puede hacer para captar la audiencia? “fácil” saber contar la historia.

A lo largo del cine se ha narrado la historia de un adulto con pasado tratando de reformar un joven rebelde con talento, “Vier minuten” es exactamente esta historia.

Ganadora de mejor música en la muestra de cine de este año, la obra de Chris Krauss es exactamente eso, una obra maestra musicalmente en donde la banda sonora es tan rica como las obras compuestas para una historia en donde dos genias del piano se enfrentan.

Y es precisamente cuatro minutos (el significado de Vier Minuten en español) lo que necesitamos para que está película nos cautive. Con una cercanía de dos horas de una historia muy bien contada no dejamos de presenciar lo mismo que hemos visto en otra obra, el progreso de la estudiante y de la maestra, pero es la pieza final que la estudiante, con una reverencia, dedica a la maestra en los últimos cuatro minutos de la película.

Jenny (Hanna Herzprung) en una de las escenas reveladoras y datan la película de predecible hace recordar a “The Pianist” de Roman Polanski en donde el personaje de Adrien Brody sin tocar el piano que tiene al frente hace los gestos de estar tocando la tonada que de fondo escuchamos.

El dueto de Herzprung como la estudiante rebelde y Monica Bleibtreu como la maestra de un oscuro secreto es uno de los mejores que he visto en este tipo de historia y sin lugar a duda “Vier Minuten” fue una de las mejores películas que pude presenciar en la sala de cine.

Con esta concluimos el repaso de la X Muestra Internacional de Cine en donde quedé cautivado por la argentina XXY, las alemanas Wer früher stirbt ist länger tot y Hanami; y por supuesto la mexicana Luz Silenciosa, considerada para muchos la mejor de la muestra.

“Septiembres” de Carlos Bosch ocupa un lugar especial, luego comentaré sobre este documental y muchas cosas que aprendí durante un seminario de dos días con el director catalán.

Para una mejor reseña sobre la muestra pasar por aquí.

Nevando voy (España, 2008)

Escrita y dirigida por Candela Figueira y Maitena Muruzabal

Si alguien tenía la duda de que si era posible o no representar la rutina en una película y no aburrir a la audiencia “Nevando voy” da la cara y grita que si es posible.

Aunque como rutinaria y reiterativa que se vuelve la película, y que a mi opinión no era para un largometraje (más para un mediometraje), empero, Candela Figueira y Maitena Muruzabal logran hacer una buena entrega independiente que a pesar de “cursi” es una película que la disfrutamos todos.

Centrada en una fría empacadora de cadenas para neumáticos, 4 empleados conviven de la misma manera que el tiempo atmosférico hasta que la joven Angela (una hermosa Laura de Pedro) rompe el mundo rutinario y convierte el trabajo en una ruleta rusa que convierte a los desconocidos en mejores amigos.

“Nevando voy” es un buen ejemplo del cine narrativo sencillo y de bajo presupuesto, la entrega cinematográfica española, coordinada por el dueto Figueira y Muruzal es un primer experimento que vale la pena tomar en cuenta.

Ambas directoras, dominaron bastante la creación de sus cuatros actores principales, y la reiteración de imágenes (ejemplificando la rutina) a larga le funcionó para la evolución de los personajes.

Vale notar (claro como soy hombre) la presencia de la beldad española Laura de Pedro, que como muchos roles importantes, su ausencia en la pantalla nos hace falta pero cada vez que su rostro y su cuerpo aparecen (que fue el detonante para sacar de la rutina a los compañeros) nos llega como aire fresco. Las actuaciones son buenas no se equivoquen.

Esta pequeña producción es un ejemplo de lo mucho que se puede hacer cuando se tiene un buen concepto de narrar una historia, ambas directoras manejaron de forma excelente lo que querían contar de principio a fin.

Famila Tortuga (México, 2006)

escrita y dirigida por Rubén Imaz

En México las producciones independientes tienden a ser muy ricas narrativamente, pero lamentablemente no es el caso de Familia Tortuga.

Partiendo de que solo sabemos que la madre y esposa de una familia ha fallecido y está familia se encuentra en una crisis económica en víspera del ¿aniversario? de la muerte de la progenitora comenzamos a observar pausadamente esta Opera Prima mexicana.

Ruben Imaz consigue mostrarnos algo muy real, los conflictos entre los integrantes de la familia son muy buenos, no tan preparados para pantalla como se pueden observar en otras entregas cinematográficas, pero más nada, Imaz no aprovecha su buen trato con sus actores para conseguir narrar la historia que quiere.

En un solo día “eterno” conocemos los dilemas de una chica con su novio, dealer y consumidor de drogas igual que ella, que claramente no está solamente con ella; vemos las dudas de un joven tímido y misterioso; un tío muy entrado en edad preocupado por sus tortugas y un padre claramente preocupado por el bienestar de su familia.

Ahora bien, la crisis que viven no la conocemos del todo, situaciones claves para la audiencia como lo que ha quedado después de la muerte de la madre no se no es claro y hace que uno se pierda en la actitud incoherente, principalmente de la hija.

Al parecer a Imaz le faltó entender que para la audiencia no basta exponer una clara crisis familiar, tan bien expuesta como lo hizo, si uno no tiene un conocimiento del ¿porque?, o sea, uno admira la puesta en escena pero al final le parece a uno vacía y sin sentido.

Lo bueno: es que como director, Imaz puede llegar a presentar alguna joyita independiente en el futuro.

Lo malo: que tan buen retrato de una crisis familiar a lo largo de la película se pierda.

Darling (2007, Suecia)

escrita y dirigida por Johan Kling

Con la evolución del mundo y la denominada globalización, ya las generaciones se hacen diferentes con tan solo pocos años de diferencia, oí decir en un momento que quién duerme un año se despierta en un mundo desconocido y como va el mundo esto es más que una realidad.

En el caso de "Darling", la diferencia de edad entre los dos protagonistas son la clásica diferencia de generaciones: por un lado tenemos al hombre mayor que ha obtenido todo mediante el sudor de su frente y que su situación actual lo obliga a salir del retiro para poder subsistir y del otro lado tenemos a la chica mantenida que no sabe lo que quiere y que está acostumbrada a no hacer mucho esfuerzo para vivir.

Eva, es hermosa pero claramente infeliz. Su vida gira a una rutinaria nocturna en ambientes banales. Bernhard es un pensionado ingeniero que busca desesperadamente un trabajo para mantener la alzada renta de su casa en la que se ha quedado solo luego de su divorcio.

El giro de la vida lujosa de Eva viene cuando su madre decide mudarse con su novio rico fuera de Estocolmo, lo que la deja a ella en un piso de soltera y todas sus responsabilidades a lo que cómicamente ella responde “el dinero no me da, después que compró ropas y accesorios no tengo para pagar el piso y ya tengo cuatro meses de atraso”.

En “Darling” ambas situaciones de nuestros protagonistas llegan a un encuentro en uno de los McDonalds de la ciudad, en donde Eva busca completar los meses necesarios para recibir un sueldo de desempleo y Bernhard lo suficiente para vivir aunque sea en un ventorrillo.

Con muy buenas actuaciones de sus dos protagonistas, “Darling” oculta un poco las fallas en dirección por parte de Johan Kling pero no escapa que la película se convierta en peso muerto sobre la audiencia.

A pesar de que cuenta una historia interesante, transiciones largas como disoluciones a negros frecuentes hacen ver que la película de 93 minutos de duración parezca de cuatro horas.

Empero, como crítica a la sociedad actual “Darling” hace un buen trabajo. La representación de una sociedad juvenil pedante y la de la realidad de las personas adultas cuando todos sus años de trabajo no le han servido de nada es algo para tomar en cuenta cuando uno sale de la sala de cine.

Wer früher stirbt ist länger tot / Decisiones de ultratumba (Alemania, 2006)

escrita y dirigida por Marcus H. Rosenmüller

¿Puede un niño tenerle miedo al purgatorio y encima convencerse de ser un asesinato y de que tiene que enmendar las cosas? Estos son los problemas de Sebastián, un niño que un día descubre que su madre murió el día de su nacimiento y que su hermano le hizo creer que fue él quién la mato.

En "Wer früher stirbt ist länger tot" encontramos la comedia riquisíma que los alemanes saben realizar, ¿alguien recuerda la comedia/musical “Der Schuh des Manitu”?, bueno pues está es una de las mejores comedias que he visto.

Sebastián es a lo mejor el chico criado en el infierno, sus maldades son tanto increíbles como imperdonables, en la película podemos ver como las enumeran en sus sueños de juicio final y en sus declaraciones por radio en vivo, pero es su resolución conseguirle una nueva pareja a su padre y convertirse en una estrella de rock como John Ferdinand Woodstock, Jimi Hendrix, Elvis Presley o Kurt Cobain y de está forma evitar el purgatorio.

Lo primero que se destaca de esta entrega es el brillante guión que tiene y luego la excelente actuación de Marcus Krojer como Sebastián Schneider, que a pesar de conocer todas sus malcriadezas y presenciar una de ellas en uno de los primeros actos de la película, se gana el amor cada vez más mientras pasan los minutos de la película.

La familia Schneider

Partiendo de una familia disfuncional, o sea, un padre que desde la muerte de su esposa habla poco y menos se ríe, un hermano obsesionados con los animales que cuidan y Sebastián que no ve la hora de hacer otra de sus fechorías “Wer früher stirbt ist länger tot” es una entrega que todo el mundo sabrá apreciar.

Las transiciones son tan buenas y adecuadas que la película nunca pierde su ritmo, aunque algunos problemas de cinematografía son claros en cuanto a enfoque y desenfoque son obviados por la perfección de todo lo demás.

De manera disfrazada tocando las sendas del destino “Wer früher stirbt ist länger tot” tiene, fuera de Sebastián, una comedia romántica del lado del padre que como tal se nos hace predecible pero la conclusión es tan encantadora que uno la disfruta, nada de que me enamoré a primera vista ni de estamos destinados uno con otro, si no que la entrega se mantiene fiel a los deseos del pequeño de librarse del purgatorio que un pequeño conjuro infantil resuelve el problema de soledad de su padre.

En fin, esta obra “perfecta”, escrita y dirigida por Marcus H. Rosenmüller es una de las mejores que he visto este año, y de haberla visto en el año de su difusión (2006) hubiese estado en mi lista de las mejores para ese año.

Perro come perro (Colombia, 2008)

co-escrita y dirigida por Carlos Moreno

De primera orden tengo que decirlo, Colombia no es una buena industria cinematográfica y al creer que “Perro con perro” sería la excepción, me equivoque rotundamente.

Está última entrega, vanagloriada y seleccionada para representar a Colombia en los premios Oscar (buena suerte), me hizo recordar aquellas visitas tortuosas visitas que hice a la Cinemateca durante la Feria del Libro de 2007 dedicada al territorio colombiano.

“No hay peor experiencia cinematográfica que varias películas malas en la Cinemateca”.

Lo primero es que el prologo de la película no dice nada, y encima ya tenía uno o dos minutos cuando entre en la sala, pero es lo mejor de la entrega (¿que raro no?) para luego dar cabida a unos créditos dignos de una serie de televisión.

"El orejón" (Blas Jaramillo) en una de las escenas de la película

Con un guión trillado hasta en “español colombiano” pasamos a actuaciones exageradas, en especial la de Blas Jaramillo como “El orejón” un villano que además de que no es orejón no influye temor, y amenaza con desatar risa pero ni eso solo un ¿y ete tiguere? se le puede dedicar.

Lo irónico de Perro come perro, es que en los créditos, uno de los cuerpos técnicos es descrito como “encargado de cinematografía y steadycam” y lo menos que hay allí es “steady” el temblor de los handhelds y las tomas de movimientos no es en ningún momento artístico o entretenido, es simplemente una técnica mal utilizada y en exceso.

A fin de cuentas, tenemos un personaje que se nos hace relevante al principio y luego lo desaparecen con un simple “parece que le dio un infarto al pobre Don Pablo”. Esto, más “plots” extras que nada aportan y no se desarrollan en lo más mínimo para ayudar a la película, aunque uno de estos da risa, le da a uno un trago amargo que en los minutos finales no encuentra la forma de hallar el fondo.

“Perro come perro” no es el debut cinematográfico del que Carlos Moreno debiera sentirse orgulloso a pesar del “bombo” que anda recibiendo, pero si logró captar varias escenas, la fotografía y la colorización en ocasiones era magistral, que le dejan entre dicho a uno que Moreno puede tener un largometraje de calidad en el futuro.

XXY (Argentina, 2007)

escrita y dirigida por Lucia Puenzo

Si uno creía que era difícil realizar y presenciar una narración audiovisual que tratará sobre la sexualidad adolescente, imagínate una que tratara sobre esto pero con una historia mucho más delicada.

Basada en el cuento “Cinismo” de Sergio Bizzio, Lucía Puenzo, veterana guionista y ahora primeriza directora, narra la historia de una adolescente de 15 años que esconde el secreto de la masculinidad entre sus piernas.

XXY es sin duda alguna una película que uno hubiera preferido no saber nada de ella en el momento en que entra a la sala de cine pero para poder lograr esto es obligatorio también omitir el título de la misma.

XXY es conocido como el Síndrome de Klinefelter o ambigüedad de sexo. Los hombres tenemos los cromosomas XY y las mujeres XX, en este síndrome se presentan ambos XXY y estas personas contienen rasgos de ambos sexo.

Ahora en XXY (la película) Puenzo destaca un buen conocimiento en el uso de los primeros planos y de explotar al máximo las expresiones de sus actores.

Inés Efron (Alex) y Ricardo Darín (Kraken)

A la clara calidad cinematográfica de la realizadora argentina se le agrega el buen guión que no deja que la historia se caiga en ningún momento y las excelsas actuaciones del reparto argentino. Destacando al veterano y siempre ejemplar Ricardo Darín.

Empero, es la actuación de Inés Efron (Alex) como la joven “hermafrodita” que logra captar a la audiencia. Ese atrevimiento e independencia adolescente mezclado con la dulzura y el pesar de su existencia son personificados por una Efron que merece todos los reconocimientos que junto a ella a ganado la película.

XXY ha recibido el Gran Premio de la Semana de la Crítica en Cannes 2007, mejor película extranjera de habla hispana en los Premios Goya 2007 y de seguro será una de las contendientes fuertes para la sección de Opera Prima de nuestra Muestra Internacional de Cine de Santo Domingo.

Hanami (2008)

escrita y dirigda por Doris Dorrie

"Now, we´re two cabbage rolls"

La Muestra Internacional de Cine de Santo Domingo siempre trae entregas frescas y alejadas de lo que cotidianamente recibimos en la pantalla grande. Este año, como los anteriores, la Muestra promete mucho y su película de apertura “Hanami” es prueba de ello.

Doris Dorrie, la veterana escritora y directora alemana, viene a demostrar porque es una de las favoritas en los diferentes festivales mundiales, y su historia de cómo lidiar con la muerte de un ser querido es tremendo éxito.

En “Hanami”, Dorrie narra la historia de un envejeciente que pierde a su compañera de vida y se ve en un proceso de experimentar todo lo que su amada esposa adoraba en vida.

Partiendo de una historia similar pero mejorada de “About Schmidt”; Rudi Angermier es un sesenta añero rutinario que decide ver otro lado de la vida cuando su compañera Trudi muere de una enfermedad en su cama.

(…) Vale destacar que Hanami es: es la tradición japonesa de observar la belleza de las flores, pero por lo general se asocia esta palabra al período en que florecen los cerezos y en el que los japoneses acuden en masa a parquez y jardines a contemplar los cerezos en flor. De finales de Marzo a principios de Abril, los cerezos florecen por todo Japón, de sur a norte acorde a los distintos climas existentes en las diversas regiones. (…) gracias Wikipedia.


Rudi viaja a Japón para visitar a su hijo menor Karl y realizar un viaje que su esposa toda su vida anheló. A principios de este viaje “Hanami” no transporta a una porción de la historia que nos recordaría a “Lost in translation” de Sofia Coppola, pero nada que ver.

En esta genial entrega alemana, Dorrie describe como un hombre lidia con la pérdida de su amada, armándose de valor y buscando conocer del todo a la persona que por tantos años estuvo a su lado.


El excelente guión supera una deficiente edición, en donde el uso de tomas de transición era excesivo y torno la película larga y en momentos sonsa. Incluso al principio, uno pudiera confundirse hasta el punto de perder la noción de quién es realmente que importa en esta historia.

Lo que si logra “Hanami” es mostrarnos un Japón más espiritual y más encantador que lo que pudo mostrarnos Coppola en su película. Los cerezos y el Butoh (danza de la oscuridad japonesa) son piezas claves de la belleza que experimenta el héroe de la película.

Es bueno ver cine diferente por esta media isla, siga esperando más reseñitas tanto de las buenas como de las malas entregas que yo presencie en la Muestra de este año.

Tropic Thunder

co-escrita y dirigda por Ben Stiller

Lo que siempre se puede esperar de una película con Ben Stiller (sea como actor, director o ambas) es que la entrega será una perfecta excusa para quedarse frente a la tele disfrutando de lo que eventualmente será un “guilty pleasure” o una peli de culto. “Thunder” es esto y más.

“Tropic Thunder” es la quinta película dirigida por Ben Stiller. Stiller ha dirigido otros proyectos destinados para televisión, pero sus trabajos más conocidos para la pantalla grande han sido “The Cable Guy” (1996), “Zoolander” (2001) y está última.

Stiller, en este 2008, ha superado por muchos sus antiguas películas, haciendo de Tropic Thunder su mejor trabajo detrás de cámara pero, y aquí pierdo la objetividad, Thunder para mí no tiene el “freakish” (si me permiten el termino) de las dos anteriores.

No me malinterpreten, “Tropic Thunder” es una sátira genial que no solo se burla de las películas de guerra sino de toda la industria hollywoodense y lo irónico es que Thunder es una película hollywoodense.

La película no tiene nada que envidiarle a otras películas bélicas en su puesta en escena de la jungla, contiene un ávido e interesantísimo guión, pero lo único que se asemeja al mundo de Stiller son los personajes de Downey Jr. (un australiano que se somete a una cirugía facial para salir negro y que mantiene una personificación de un hombre de color) y el extenso cameo de Tom Cruise.

"Get Some"

En “Tropic Thunder” podemos encontrar todas las opciones de sátira que se han utilizado, Stiller sin duda alguna recurre a escenas memorables de películas como “Platoon” y “Apocalypse Now” para mofarse de ellas pero es el palabrerío de Downey Jr. el que carga con la película, en ocasiones uno no puede esperar oír que Downey abra la boca.

La película puede ser aclamado por los críticos y todo, y se lo merece, pero del mundo de Stiller yo sigo quedándome con las loqueras de “Cable Guy” y “Zoolander” (si lo dije y que) porque por favor no me digan ustedes que en algún punto de su existencia “The look” de Zoolander no los hizo reír.

Adiós a Paul Newman

Ha muerto Paul Newman a sus 83 años y con el se va uno de los más grandes exponentes del cine en su historia.

Cinema Blender tiene un excelente homenaje a este grandioso actor, yo mientras, les dejo con lo que sería la última escena de su gloriosa carrera en el cine. "The Rain Scene", "Road to Perdition" (2002).

In Bruges

"Shoot first, sightsee later"

Inteligente guión, excelente dirección y buenas actuaciones hacen de "In Bruges" una de las mejores películas de 2008.

Debutando como director de un largometraje Mcdonagh recurre a las técnicas narrativas que le dieron el éxito con su corto ganador del Oscar de 2005 "Six Shooter".

Además de la cinematografía brindada en una de las ciudades que grita ser una localidad de cine, las actuaciones de Brendan Gleeson, Colin Farrell y Ralph Fiennes son excelentes.

"In Bruges" trata sobre dos asesinos a sueldos que son enviados a Brujas, Belgica; hasta que reciban más información. Ken (Gleeson) espera poder disfrutar de la historia y de la belleza de la ciudad y Ray (Farrell) un asesino un tanto infantil lidia con un pesar de su último trabajo y lo desata con un exagerado odio hacia la ciudad de Brujas.

"Hide out here, in fucking Bruges"

En "In Bruges" Colin Farrel entrega su más divertida y espectacular actuación ayudado de su acento natal y de su compañero de escena Gleeson (que repite bajo el mando de Mcdonagh luego de actuar en Six Shooter) hacen de las puestas en escena de diálogos (una especialidad al parecer por parte de Mcdonagh) sean un ejemplo a seguir para los realizadores del futuro.

Sin embargo, Mcdonagh no explota tan hermosa ciudad (solo aparece un viajecito en bote en los "special features" del DVD) y uno se queda deseando haber disfrutado de más transiciones con vistazos espectaculares de esta fantástica ciudad.

Es imposible dejar de comparar esta entrega con la laureada "Ordinary decent criminal" en donde se ve a un excelente Kevin Spacey con un acento irlandes y donde también participa Colin Farrel y al igual que "In Bruges" son los diálogos entre los personajes que con tan entretenido inglés cargan con bastante de la película.

No se puede desestimar que viniendo de un realizador de cortos, la historia sea bastante adecuada para precisamente eso, pero Mcdonagh hace un buen trabajo volviendo la historia en un largometraje sin perder en ningún momento a la audiencia, y gracias que la hizo un largometraje a lo mejor si hace por nueva vez un corto me hubiera tardado los mismos cuatro años que me tomó encontrar "Six Shooter".

Es este tipo de conversaciones que han ayudado a Mcdonagh en su recién éxito tanto como realizador de cortometraje como recién realizador de largometraje. También fue está cultura de irlandeses que le dio finalmente el Oscar a Martin Scorsese en su remake "The Departed".

Actualmente Martin Macdonagh no se encuentra involucrado en ningún proyecto pero ya sabemos que es un excelente "stoy teller" y seguiremos sus huellas en espera de un nuevo proyecto que seguro nos encantará.

"Bruges, its in Belgium"

Six Shooter (cortometraje). 2004

Escrito y dirigido por Martin Mcdonagh

El dolor por una perdida no pudo ser plasmado de mejor forma. En el corto ganador del Oscar en 2005 “Six Shooter” su escritor y director Martin Mcdonagh con un toque de gracia oscura entrega una obra maestra en el mundo de los cortometrajes.

Cuatro personas se unen en un tren camino a Dublín, Irlanda con algo en común, todos sufren la perdida de un ser querido pero todos lo expresan de la misma forma.

Donelly (un increíble Brendan Gleeson) lidia con el dolor de haber perdido su mujer la noche anterior de una forma pausada y tranquila; una pareja se ve totalmente frustrada y la tensión está al flote entre ellos; y un chico (Rúaidhrí Conroy), al frente de Donelly es el acompañante de viaje hecho en el infierno.

La ricura del corto, como la de todos los excepcionales, está en el guión y en la presentación de diálogos rápidos y geniales que el inglés irlandes y Mcdonagh saben crear. Conroy se roba totalmente la presencia en la pantalla y solo el cómico, trágico y tétrico (todo en uno) final supera el “witty talk” de este increíble personaje.

Mcdonagh, en tan solo 27 minutos, logra destacar el sentimiento de perdida en cuatro personalidades totalmente diferente y crear un ambiente de suspenso y espera digno de un largometraje, sin contar los diálogos, como comentaba antes, son lo máximo de esta puesta en escena.

"Im surprise mom´s and dad´s don´t kill their kids more often"

Star Wars: The Clone Wars

dirigida por Dave Filoni

Parece que para George Lucas y todos nosotros es imposible olvidar o “let go” la famosa saga de una galaxia lejana.

Luego de que la fatídica trilogía de los episodios (fatídica comparada con la anterior) nos envolviera en el mundo de Star Wars una vez más a principios de siglo, ya casi en los 2010´s las guerras de la galaxias nos invade con una nueva historia y en un nuevo universo, la animación.

Empero, está no es la Guerra de las Galaxias que uno esperaba, ni lo fueron ninguna de sus tres entregas anteriores, “The Clone Wars” no le llega a nadie, una historia sin sentido, anunciada como los infomerciales de guerra de los años 50, técnica previamente utilizada en la película “Starship Troopers”, es una simple excusa de seguir con una excelente franquicia que hay que “soltar en banda”.

Yo fui uno de los entusiasmados en ver una película de animada de Star Wars. Enviciado con los cortos que presentaban en Cartoon Network sentía que los Jedi y Sith animados le habrían un campo bastante amplío en sistemas de acción. Sin embargo, lo que le funciona en paisajes, naves y robots le falla en lo esencial, los humanos y humanoides.

La animación utilizada para “Star Wars: The Clone Wars” hace de los protagonistas y demás personajes que no se rigen por circuitos parecer muñecos de maderas, tiesos y roboticos.

Ahora, no todo es malo en la película de Dave Filoni, las escenas de acción son bastantes entretenidas y las de peleas con los “Lightsaber” son de igual calidad, y como preludio de una serie animada, el largometraje funciona pero la historia sigue siendo terrible.

“Clone Wars” se dice estar entre “Episode II: Attack of the clones” y “Episode III: The Revenge of the Sith” y considerando que según nos tiene acostumbrado la saga, hay un elipsis de 10 o más años entre cada entrega.

Pero en “Clone Wars” vemos a un Anakin y a un Obi-Wan más cercano a “Revenge of the Sith” que a “Attack of the Clones” y si hay alguna conexión con la historia que ya conocemos, “Clone Wars” no nos ha presentado nada parecido a la saga, al contrario una historia nueva, mala y muy ajena sale en este mundo animado que buscará alguna conexión, no creo que lo logre, con la serie animada que en el futuro se estrena.

Soportamos los tres episodios que servían de precuela a “A new hope”, “The Empires strikes back” y “Return of the Jedi” (la mejor de todas) y ya andamos un poco hartos de que se nos nuble cada vez más esos hermosos recuerdos. La Guerra de las Galaxias es una saga que ya deben dejarla tranquila por el bien de nosotros que tanto la disfrutamos.

Margot at the wedding

Escrita y dirigda por Noah Baumbach

En un post publicado en mi blog personal, comentaba lo difícil que es ser un cinéfilo aquí en República Dominicana donde las películas brillan por su ausencia y por esto siento que tuve un listado de las mejores entregas de 2007 tan limitado.

Recién volví a ver la última de entrega de Noah Baumbach “Margot at the wedding”, que hace poco la había visto y recién la compré. El caso es que de poder haber visto está entrega a tiempo hubiera estado en mi listado final.

“Margot at the wedding” es el regreso de Baumbach a un mundo de inadaptado sociales que por su “inteligencia superior” juzgan a cualquier persona que se le pase por en frente.

Al igual que su anterior entrega “The squid and the whale” el escritor y director neoyorquino se centra en una familia de escritores bastante disfuncional. La diferencia entre una y otra es que en “The squid and the whale”, dos hermanos deben lidiar con la separación de sus padres (ambos escritores) mientras que en “Margot at the wedding” una escritora exitosa (Kidman) decide asistir a la boda de su hermana, con la que tiene más de un año sin hablar.

Kidman entrega una actuación poderosa como la sobreprotectiva, enjuiciadora hermana mayor que no puede detener su obsesión de buscar detallitos que harían a cualquiera perder la cabeza.

Por otro lado tenemos a Jack Black y Jennifer Jason Leigh personifican una pareja a punto de casarse tanto encantadora como bizarra. Vale nombrar la sorpresa que uno se lleva cuando una personalidad como la de Black encaja en esta historia.


Baumbach es para mí uno de los mejores “story tellers” que hay junto a Wes Anderson. Antes de ver “Margot at the wedding” era de esas pocas películas que me he atrevido a recomendar a ciegas solo por la actriz y quién la dirigió y escribió.

Las colaboraciones de Baumbach con Anderson han dado historias increíbles (escribieron “The Life Acquatic with Steve Zizou” dirigida por Anderson) y la genialidad de “The squid and the whale” no tiene precedentes.

Así que cuando veía la trama de “Margot…”: hermanas, escritores, familia disfuncional, dije esto debe ser, narrativamente un espectáculo; y así lo fue.

Lo encantador de las últimas entregas de Baumbach es es arelación poco ortodoxa entre padres e hijos. Una relación tan libertina y de tan abierta confianza que le da ese toque cómico y serio a la vez, ver como los padres se van de igual a igual con sus hijos es un fuerte en el guión de ambas películas.

Actualmente Noah y Wes adaptaron la novela de Roald Dahl “The Fantastic Mr. Fox” y que será dirigida por Wes Anderson (que como director le lleva la milla a Noah) es ya una de las películas que espero con bastante anhelo el año venidero.

!Por fin! Atonement en el cine

Bastante similar como ocurriera con “Crash” en 2004, Atonement llega con más de un año de atraso a los cines nacionales.

Y la verdad que fue ese vestido verde usado por Keira Knightley lo que me llevó a ver una de las entregas que se convertirían para mí en una de las mejores del 2007.


Pero para no ahondar mucho en una película que ya tiene su tiempo, prefiero dejarle las palabras a un colega con una excelente crítica sobre la película y resérvarme a decir lo encantador que es ver está entrega en la pantalla grande. Su música, su cinematografía, las actuaciones y sobre todo escenas como esta y esta hacen de esta obra del director Joey Wright una para el recuerdo.

Hellboy: The Golden Army

Cuando vemos una película de Guillermo del Toro, podemos estar seguros de disfrutar una entrega rica visualmente y con excelente sonido, prueba de ello es la primera entrega de Hellboy en 2004 y su obra cúspide El laberinto del Fauno en 2005. Está no es la excepción.

Partiendo de uno de los comics más originales, Hellboy II llega con un “cast” mucho m{as familiarizado entre ellos, la química entre Ron Perlman (Hellboy), Selma Blair (Liz) y Doug Jones (Abe Sapien) es bastante buena, la película aunque no te lo esperes, te hará reír durante sus extensas más de dos horas de duración.

Sin embargo, a pesar de que esta secuela hace un buen trabajo explicando muchas cosas del pasado del personaje rojo y también se centra en el drama de la vida del mismo junto a sus compañeros de trabajos y sus deseos de ser famosos, la película tiende en algunos momentos cansar al espectador con escenas bastante largas y transiciones que llegan a sentirse cansonas.

Fuera de esto, Hellboy II logra algo que muy pocas películas sobre comics, sus escenas de acción son excelentes coreografías, aspecto que las hace bastante realistas, y se acerca bastante al personaje interpretado por Perlman que es un “héroe” bastante físico.

Ron Perlman encarnando a Hellboy

En el caso de Liz (Selma Blair) luego de los primeros veinte minutos tal vez, el personaje pasa a ser un adorno. Increíblemente bella aparece Selma Blair en esta película y considerando que para mí tiene el poder más especial de todos los “freaks” es más como una imagen que le da respiro a tantos monstruos y creaciones del mundo conjunto de Guillermo del Toro y Mike Mignola (creador del comic).

Hellboy II: The Golden Army es una entrega fresca y buena (no excelente) en donde su director sufre las consecuencias de que se haga comparada con su “Laberinto del Fauno” por las melodías del soundtrack, el diseño de arte y la creación de los personajes.

Guillermo del Toro

Del Toro es el director más ocupado actualmente, se rumora que tiene trabajo hasta el 2017, actualmente se encuentra en la preproducción de “The Hobbit” película divida en dos partes pautada para el 2010 y 2012 respectivamente.

Estrenos mes de septiembre

Estos son los estrenos del Séptimo Arte para este mes de septiembre: "Por fin llega a la pantalla gigante, después de un año de espera, Atonement. Será exquisito ver está película en una sala de cine. "

HellBoy II: The Golden Army (4/09/08)


Atonement (11/09/08)


Journey to the center of the Earth (11/09/08)



Talento de Barrio (18/09/08)


Star Wars: The Clone Wars (18/09/08)


Mirrors (25/09/08)

Hellboy II: The Golden Army estrena septiembre. La secuela de del comic de Mike Mignola y dirigida por el aclamado director mexicano Guillermo del Toro llega con dos meses de atraso y buenas críticas a suelo dominicano.

Journey to the center of the earth llega el 11 para acompañar el anticipado estreno de Atonement. Debido a que Atonement ya tiene bastante en DVD veremos muchas personas decidirse por la cinta de aventura.

En otra nota, para el 18, la película de Daddy Yankee "Talento de Barrio" llega a suelo dominicano luego de ser la película más vista en Puerto Rico, junto a la entrega independiente llega la película animada "Star Wars: The Clone Wars" que busca llenar un vació entre las películas Episodio II y Episodio III de la aclamada serie creada por George Lucas.

Por último, el mes de septiembre cierra con el terror. "Mirrors" otro remake de una película asiática trae a Kiefer Sutherland (mejor conocido por Jack Bauer en la serie 24) de vuelta, momentánemanete, al cine. Empero, la entrega no ha recibido la mejor de las críticas y ha sido catalogada como otro de los intentos fallidos en el cine de suspenso contemporáneo.